Ave Rock - Ave Rock

1974 - Ave Rock  

Formada por excelentes instrumentistas, esta banda comenzo con sus ensayos a fines de 1972, mientras se presentaba en contadas presentaciones. Su debut oficial se produjo en el Teatro Del Centro en junio de 1973.

Un año despues logro editar "Ave Rock" su primer album. El disco muestra a una banda muy habil con los cambios de ritmo y una solida base enriquecida por el trabajo de Calo y Borda.

Antes de presentarlo, se marcho de sus filas Osvaldo Calo, quien dos años despues se integraria a la agrupacion de Astor Piazzolla como tecladista y, en ese papel, viajaria por Europa.

Calo fue reemplazado por Alfredo Salomone, pero los problemas internos fueron mas lejos. Al tiempo, Luis Borda y Daddy Antagona dejaron su espacio a Pancho Arregui y Pancho Ruiz.

Con esta nueva formacion, presentaron temas de lo que seria su segundo material, en un concierto realizado el 12 de noviembre de 1976 en el Teatro Astral. 

Posteriormente editaron "Espacios", que no llego a ser presentado formalmente ya que Sainz, principal compositor de la banda, abandono sus filas, trayendo como consecuencia la separacion definitiva.

"En gran parte de este álbum Ave Rock intenta lograr un sonido sinfónico a partir del blues y el rock. Los resultados son ampliamente satisfactorios, teniendo los mejores momentos cuando se alejan de estos ritmos. Es en estos pasajes donde se notan algunas influencias de bandas como Yes. Si bien son fundamentalmente instrumentales, las voces parecen más bien corresponder a un grupo de hard rock que a uno progresivo. Buenos contrapuntos de teclados y guitarra. Se adelantaron a Espíritu y a Crucis en hacer un rock progresvo de corte más europeo, pero tuvieron menos áxito que ellos."

Integrantes:

Luis Borda: Guitarra y voz

Federico Sainz: Guitarra y voz

Oscar Glavic: Bajo y voz

Osvaldo Caló: Teclados

Daddy Antogna: Percusion

Temas:

01- Ausencia

02- El absurdo y la melodía

03- Gritos

04- Déjenme seguir

05- Viva Bélgica

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Mastodon - Crack The Skye (2009, RE2018, EU)

2009 - Crack The Skye (2009, RE2018, EU)

Alabados públicamente por artistas consagrados como Steven Wilson, Dave Grohl, Josh Homme o James Hetfield, vuelven los de Atlanta con este “Crack the Skye”, disco que enfatiza las ambiciones (o ínfulas, según se mire) musicales del anterior trabajo. Esta vez lo que nos espera como elemento conceptual es un viaje astral de un parapléjico en una aventura que mete por medio al mismísimo Rasputin (ahí queda eso), y que desde el punto de vista sonoro nos ofrece siete temas bastante estimulantes: dos de ellos, “The Czar” y “The Last Baron”, de gran extensión y complejidad, en los que se aprecian variados pasajes con rock industrial, space rock, psicodelia y prog-rock, sin olvidarnos de las orgiásticas y épicas (que no onanistas ni pomposas) guitarras de rigor, sobre todo en el segundo. Y es que el sello metalero queda patente en cortes como “Divinations”, con galopantes riffs thrashers y banjo incluido, o el tema que da título al álbum, canción con la terrorífica colaboración en letras y voz de Scott Kelly (del grupo Neurosis), en un trabajo en el que destaca la inicial “Oblivion”.

1. Oblivion (5:52)

2. Divinations (3:32)

3. Quintessence (6:35)

4. The Czar (9:46) :

- i. Usurper

- ii. Escape

- iii. Martyr

- iv. Spiral

5. Ghost of Karelia (5:24)

6. Crack the Skye (5:54)

7. The Last Baron (13:03)

- Brent Hinds / lead guitar, banjo, vocals

- Bill Kelliher / rhythm guitar

- Troy Sanders / bass, synth bass, vocals

- Brann Dailor / drums, percussion, backing vocals

- Rich Morris / Mellotron, synth

- Scott Kelly / vocals (6)

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Riverside - Riverside 20 - The Shorts & The Longs (24-44.1)

2021 - Riverside 20 - The Shorts & The Longs (24-44.1)

He escuchado a estos muchachos durante años y estoy realmente sorprendido de que sigan sacando material nuevo e innovador álbum tras álbum. Los vi en vivo también y se queman absolutamente. Si eres nuevo en esta banda, escucha esta gran colección de remasterizaciones aquí. Fantástica selección, increíble composición y maestría musical, y Mariusz Duda tiene una voz cantante de dioses.

Riverside 20 - Vol.1, The Shorts (88:18)

1. Story of My Dream (5:47)

2. In Two Minds (4:35)

3. Loose Heart (4:47)

4. Acronym Love (4:43)

5. Conceiving You (3:40)

6. I Turned You Down (4:34)

7. Panic Room (radio edit) (3:52)

8. Through the Other Side (4:05)

9. Forgotten Land (radio edit) (5:10)

10. The Depth of Self-Delusion (radio edit) (4:59)

11. We Got Used to Us (4:09)

12. Shine (4:07)

13. Lost (5:51)

14. Addicted (3:58)

15. Time Travelers (radio edit) (5:19)

16. Vale of Tears (4:48)

17. Guardian Angel (4:23)

18. Lament (5:06)

19. River Down Below (radio edit) (4:25)

Riverside 20 - Vol.2, The Longs (148:21)

1. The Same River (12:07)

2. DNA Ts. Rednum or F.Raf (7:20)

3. Second Life Syndrome (15:40)

4. Dance with the Shadow (11:38)

5. Ultimate Trip (13:13)

6. Rapid Eye Movement 2016 (12:40)

7. Egoist Hedonist (8:56)

8. Left Out (10:58)

9. Living in the Past (10:15)

10. Deprived (8:24)

11. Escalator Shrine (12:40)

12. Towards the Blue Horizon (8:08)

13. Wasteland (8:25)

14. The Curtain Falls (7:57)

- Mariusz Duda / vocals, bass, piccolo bass, electric & acoustic guitars, banjo, composer & co-producer

- Michał Łapaj / keyboards, synth, Fender Rhodes, Hammond

- Piotr Kozieradzki / drums

- Maciej Meller / guitar

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Bernie Marsden - And About Time Too [Japan Trash, TRSH-2001]

1979 - And About Time Too [Japan Trash, TRSH-2001]

Primer disco en solitario de 1979 de un guitarrista británico que tocó con Whitesnake y muchos otros grupos en su época. Aquí se le unen sus compañeros músicos Jack Bruce, Cozy Powell, Ian Paice, Jon Lord, Don Airey, Simon Phillips y Neil Murray. Prensado japonés en la etiqueta Trash con obi, funda interior impresa e inserto. (ex/ex, disco principalmente m, pero tiene un par de marcas en un lado, la cubierta tiene algo de desgaste en los estantes y en los bordes)

A1 You're The One

Backing Vocals – Alan Carvell, Bernie Marsden, Stuart Calver, Tony Rivers

Bass Guitar – Jack Bruce

Drums – Ian Paice

Guitar, Vocals – Bernie Marsden

Piano [Acoustic], Synthesizer [Moog] – Don Airey

3:51

A2 Song For Fran

Bass Guitar – Jack Bruce

Drums – Simon Phillips

Electric Piano [Fender Rhodes], Synthesizer [Yamaha CS 80] – Don Airey

Guitar – Bernie Marsden

2:45

A3 Love Made A Fool Of Me

Backing Vocals – Alan Carvell, Bernie Marsden, Stuart Calver, Tony Rivers

Bass Guitar – Neil Murray

Drums – Cozy Powell

Guitar, Vocals – Bernie Marsden

Piano [Acoustic], Synthesizer [Moog] – Don Airey

3:45

A4 Here We Go Again

Backing Vocals – Doreen Chanter, Irene Chanter

Bass Guitar – Jack Bruce

Drums – Simon Phillips

Guitar, Vocals – Bernie Marsden

Piano [Acoustic], Synthesizer [Yamaha CS 80, Moog] – Don Airey

3:23

A5 Still The Same

Bass Guitar – Neil Murray

Drums – Cozy Powell

Guitar, Vocals – Bernie Marsden

Piano [Acoustic], Organ [Hammond], Synthesizer [Moog] – Don Airey

6:19

B1 Sad Clown

Backing Vocals – Alan Carvell, Bernie Marsden, Stuart Calver, Tony Rivers

Bass Guitar – Jack Bruce

Drums – Simon Phillips

Guitar, Vocals – Bernie Marsden

Organ [Hammond] – Jon Lord

5:05

B2 Brief Encounter

Bass Guitar – Jack Bruce

Drums – Ian Paice

Guitar – Bernie Marsden

Organ [Hammond] – Jon Lord

Synthesizer [Yamaha CS 80] – Don Airey

4:17

B3 Are You Ready

Backing Vocals – Doreen Chanter, Irene Chanter

Bass Guitar – Jack Bruce

Drums – Ian Paice

Guitar, Vocals – Bernie Marsden

Piano [Acoustic], Organ [Hammond], Clavinet – Jon Lord

3:33

B4 Head The Ball

Bass Guitar – Jack Bruce

Drums – Simon Phillips

Guitar – Bernie Marsden

Synthesizer [Yamaha CS 80, Moog] – Don Airey

5:22

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Kaipa - The Decca Years 1975-1978 (5CDS)

2005 - The Decca Years 1975-1978

Si eres un fanático de Kaipa tal como está organizado hoy, te espera un placer cuando entres en su catálogo anterior y descubras la música que estaban haciendo en sus días de ensalada. Aunque no puedo afirmar haber sido un fanático de Kaipa en ese momento, ciertamente desearía haberlo sido, ya que habría tenido muchos más años de disfrute de estas oscuras obras maestras tempranas del progreso. Y aunque el término "obra maestra" a menudo se usa en exceso, si tiene en cuenta la edad y la experiencia de los músicos en el momento de la edición, escuchará que el término se aplica aquí. ¡Este conjunto está repleto de algunas melodías asombrosas!

Kaipa: The Decca Years se compone de tres álbumes de estudio, una demostración inédita y un set en vivo inédito. Los tres álbumes de estudio ocasionalmente están disponibles individualmente, pero esta colección es el único lugar donde obtendrá los otros dos. El principal problema es que se trata de una edición limitada. Se agotó rápidamente aquí, solo pude conseguir uno yendo al sitio alemán de Amazon y pidiéndolo a un socio allí. Tomé el salami por el precio (más de cien dólares) pero estoy satisfecho de que tiene una buena relación calidad-precio. Desde entonces, lo he visto a un precio mucho mejor en el sitio web alemán de Inside Out Records, por lo que puede buscar una copia allí si no hay una disponible aquí.

Aquí hay una lista de los CD y sus aspectos más destacados:

1) Kaipa: un excelente debut. Las melodías más interesantes son Ankaret, la encantadora Skogspromenad y la jazzística Forlorad I Istanbul.

2) Inget Nytt Under Solen: Mi favorito es Skenet Bedrar, que es un ejemplo de libro de texto de lo que se trata el progreso. Otros aspectos destacados, algunos de los cuales tienen pasajes evocadores de Procol Harum son: Korstag, Dagens Port, Awakening Bitterness y The Gate of Day.

3) Solo: Me gusta el inspirado Den Skrattande Grevinnan, el soñador Vissan I Sommaren, el relajante Taigan, el altísimo Respektera Min Varld, el majestuoso En Igelkotts Dod y el épico Total Forvirring.

4) Kaipa Live: Aquí hay algunos cortes bastante espectaculares en los que la juventud de los músicos se ve desmentida por la madurez y profundidad de los arreglos. Disfruto más de Total Forvirring, Skenet Bedrar, Musiken Ar Ljuset y Se Var Morgon Gry.

5) La grabación de demostración maestra sin editar de 1974: muestra la promesa inicial de Kaipa y algunos lamidos magistrales de un joven Roine Stolt. Mis favoritos son el implacable Taktus, el contundente Cirrus, los interesantes teclados de Pa Fard y el trabajo de guitarra de Karavan. ¡Esta demostración es más avanzada que la salida de grabación completa de algunos grupos "populares"!

Esta es una caja que pertenece a la colección de todos los fanáticos serios del progreso, particularmente aquellos que siguen el progreso sueco. Desafortunadamente, si hay que creer en la compañía discográfica, solo está disponible para tres mil de ellos. El valor de este conjunto se ve aumentado por un folleto bastante grueso que contiene imágenes e historias sobre la banda y su música. ¡Hazte con esta unidad donde y cuando puedas!

CD1: "Kaipa" (53:38)

1. Musiken är ljuset (7:04)

2. Saker har två sidor (4:34)

3. Ankaret (8:40)

4. Skogspromenad (3:40)

5. Allting har en början (3:12)

6. Se var morgon gry (8:53)

7. Förlorad i Istanbul (2:24)

8. Oceaner föder liv (9:28)

Bonus tracks:

9. Från det ena till det andra (2:49)

10. Karavan (2:54)

CD2: "Inget nytt uner solen" (58:29)

1. Skenet bedrar (21:41)

a) Uppvaknandet 2:43

b) Bitterheten 3:10

c) Hoppfullheten 4:44

d) Överheten 8:12

e) Vilseledd 2:52

2. Ömsom sken (3:17)

3. Korståg (5:19)

4. Stengrodornas parad (0:56)

5. Dagens port (2:34)

6. Inget nytt under solen (6:10)

Bonus tracks:

7. Awakening/Bitterness (6:10)

8. How might I say out clearly (3:38)

9. The gate of day (2:26)

10. Blow hard all tradewinds (6:18)

CD3: "Solo" (50:33)

1. Den skrattande grevinnan (4:46)

2. Sen repris (3:22)

3. Flytet (2:46)

4. Anar dig (4:05)

5. Frog funk (3:35)

6. Visan i sommaren (3:35)

7. Tajgan (3:25)

8. Respektera min värld (6:16)

9. En igelkotts död (3:40)

10. Total förvirring (7:25)

11. Sist på plan (7:38)

CD 4: Kaipa live (79:30)

1. Total förvirring (8:42)

2. Skenet bedrar (16:29)

3. Visan i sommaren (3:23)

4. En igelkotts död/Ömsom sken (4:35)

5. Inget nytt under solen (8:02)

6. Copenhagen House-jam (5:48)

7. Flytet (2:54)

8. Musiken är ljuset (7:30)

9. Se var morgon gry (9:13)

10. Noice-village-stone-frog (5:49)

11. Oceaner föder liv (End part) (7:05)

Track 1-7 recorded at "Huset" Copenhagen Denmark 78.05.25

Track 8-9 recorded at "Östanåskolan" Eksjö Sweden 76.03.02

Track 10 recorded at "Bullerbyn" Stockholm Sweden 77.04.07

Track 11 recorded at "Stenungsundsgymnasiet" Stenungsund Sweden 77.04.27

CD5: "1974 Unedited Master Demo Recording" (49:14)

1. Saker har två sidor (6:44)

2. Under stora gröna träd (3:01)

3. På färd (12:32)

4. Taktus (3:47)

5. Folke 2 (1:38)

6. Allting har sin början genom solen (5:07)

7. Cirrus (1:07)

8. Akrobaternas flykt (5:50)

9. Akrobaternas dans (2:31)

(Homage to Samla Mammas Manna)

10. Nattens affär (4:06)

11. Karavan (2:51)

Total Time: 291:24

Line-up / Musicians

CD1: "Kaipa"

- Ingemar Bergman / drums, percussion, vocal

- Tomas Eriksson / bass, vocal

- Hans Lundin / Hammond organ, Fender Rhodes electric piano, Grand piano, Yamaha SY1 Synthesizer, Harpsichord, Logan String-machine, Glockenspiel, lead vocal

- Roine Stolt / electric and acoustic guitars, vocal

CD2: "Inget nytt uner solen"

- Ingemar Bergman / drums, temple blocks, rattle & vocals

- Tomas Eriksson / bass, synth-bass & voice of the Almighty

- Hans Lundin / Hammond organ, Grand piano, Fender Rhodes electric piano, Mellotron, Yamaha & Korg synthesizers, Logan string machine, Hohner Clavinet, vibes, marimba, prepared piano & lead vocal

- Roine Stolt / electric guitar, 6 and 12-string acoustic guitar and rattle

- Lars Hoflund / lead vocal on tracks 7, 9 & 10

CD3: "Solo"

- Ingemar Bergman / drums, percussion, laughing

- Mats Lindberg / bass, Moog Taurus pedals, percussion

- Hans Lundin / Hammond organ, Fender Rhodes electric piano, grand piano, Mellotron, Mini and polymoog synths, Korg String 2000, Hohner Clavinet, vocal

- Mats Löfgren / lead vocal, percussion

Roine Stolt: 6 and 12-string electric guitars, acoustic guitars, guitar-synthesizer, percussion, vocal

CD 4: "Kaipa live"

Track 1-7 recorded at "Huset" Copenhagen Denmark 78.05.25

- Ingemar Bergman / drums

- Mats Lindberg / bass, 12-string electric guitar, Moog Taurus pedals

- Hans Lundin / Fender Rhodes, Minimoog, Crumar organ, Korg String 2000, vocal

- Mats Löfgren / vocal, electric guitar, percussion, glockenspiel

- Roine Stolt / electric guitar

Track 8-9 recorded at "Östanåskolan" Eksjö Sweden 76.03.02

Track 10 recorded at "Bullerbyn" Stockholm Sweden 77.04.07

Track 11 recorded at "Stenungsundsgymnasiet" Stenungsund Sweden 77.04.27

- Ingemar Bergman / drums, vocal

- Tomas Eriksson / bass, vocal

- Hans Lundin / Hammond organ, Fender Rhodes, Yamaha SY synthesizer, Logan string-machine, vocal

- Roine Stolt / electric guitar, Talk-box

CD5: "1974 Unedited Master Demo Recording"

- Ingemar Bergman / drums & vocal

- Tomas Eriksson / bass & vocal

- Hans Lundin / Hammond organ, Wurlitzer electric piano, Davoli synthesizer & vocal

- Roine Stolt / electric guitar & vocal

5 CD Box incl. the 3 Decca albums and 2 CDs with unreleased Material / Limited Edition 3000 copies

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https://drive.google.com/file/d/1oD3hbnAL_93eVBxZbrfIKGuD0sOSKz46/view?usp=sharing

Jean-Luc Ponty ‎– Enigmatic Ocean (Vinyl rip 24-96)

1977 ‎– Enigmatic Ocean

La carrera del violinista Jean Luc Ponty fue muy prolífica en los 70, con colaboraciones con Zappa, Elton John, Chic Corea, Mahavishnu etc, pero sobre todo destaca su propia producción con una serie de enormes discos en la onda del Jazz- Rock. Dentro de estos, su momento creativo mas importante fue el disco de 1977, Enigmatic Ocean, el de una onda mas Progresiva, y con un elenco de músicos de nivel extraordinario, al que logra ensamblarlos perfectamente en uno de los mejores discos de la década.

Jean-Luc Ponty: Violín eléctrico.

Allan Holdsworth: Guitarra eléctrica.

Daryl Stuermer: Guitarra eléctrica.

Allan Zavod: Piano, teclados varios.

Ralphe Armstrong: Bajo eléctrico.

Steve Smith: Batería, percusión.

El grupo de músicos es sorprendente, aparte de Ponty tenemos a Allan Zavod, que había estado con Zappa, Daryl Stuermer, que termina posteriormente en Génesis, Ralphe Amstrong, de la Mahavishnu, Steve Smith, procedente de Journey, y el mismísimo Allan Holdsworth (el mejor guitarra que conozco, palabras de Zappa).

El problema general de los discos con grandes “personalidades” es que terminan siendo “cargantes”, en el sentido de excesivos solos muy egoístas que llegan a aburrir (sobre todo a los que no les guste mucho el Jazz) y terminan diluyendo la idea principal del tema a ejecutar. Pero no es el caso de este disco, Ponty domina totalmente la dirección musical, logrando incorporar muy bien fantásticos y sofisticados solos en los temas, sin aburrir y  logrando un trabajo muy bien ensamblado, dándole una gran consistencia a la totalidad del disco.

1- Overture – (0:47)

Breve y dulce entrada que nos encuadra lo que va a ser el disco: lirismo, contundencia y virtuosismo, ¡en menos de un minuto!.

2- The Trans-love Express – (3:56)

Inicio del viaje sobre una base ritmica funk en la que Ponty cabalga sin problemas mostrando todo su potencial, posteriormente un soberbio solo de Stuermer mientras que la base ritmica se muestra incansable (¿que les dan de comer?) y cortinas de teclado, todo a marcha de tren que va alejándose.

3- Mirage – (4:51)

Inicio tranquilo y en cierto modo “onírico” con guitarra arpegiada donde entra posteriormente la base rítmica para que Ponty haga uno de esos solos llenos de sensibilidad y magia que le son característicos, al que se unen los teclados de Zavod creando el ambiente y luego un solo maravilloso para terminar como el comienzo, en ese tono de ensoñación (que se mantiene durante todo el tema).

Enigmatic Ocean

Primera de las suites del disco, dividida en 4 partes:

4-Part I – (2:20) Introduce el tema una atmosfera con sintetizadores para pasar una composicion típica de Ponty con melodia y contundencia a la vez muy “teatral”.

5-Part II – (3:35) Ataque brutal de la seccion rítmica (comerían otra vez lo mismo que antes) a los que siquen el resto, pero dominando Ponty en la melodia e introduciendo al resto del personal en solos desenfrenados (Stuermer, Zavod, y Holdsworth). Tremendo.

6-Part III – (3:43) Sobre una base mas funky y tranquila Holdsworth muestra su técnica en un maravilloso solo (Santana o Van Halen entre otros quedaron alucinados con su trabajo en este disco) al que Ponty le responde con soltura, acelerándose al final (de nuevo la base rítmica impresionante).

7-Part IV – (2:24) Vuelta al tema melódico inicial de la suite y despedida.

8- Nostalgic Lady

El disco se ralentiza con un precioso y melancólico tema iniciado con piano y bajo que posteriormente entrelaza  a Ponty y Holdsworth en fantásticos solos, destacando el de este último (para quitarse el sombrero). Melancolía y virtuosismo son los adjetivos que definen este tema.

The Struggle of the Turtle to the Sea

9-Part I – (3:32) La segunda suite del disco, con una tranquila introducción que nos lleva a fraseos de guitarra y violín al unísono que marcan la melodía central  y posteriormente  solo de Zavod.

10-Part II – (3:33) Cambio total de ánimo del tema, que a su mitad comienza con acelerones y parones de bellas melodías de Ponty, sin que Armstrong y Smith se estén quietos ni un momento.

11-Part III – (6:05) Rienda suelta para todos (aquí Ponty da barra libre al personal), el primero es Armstrong, que te deja con la boca abierta, Holdsworth, Stuermer, y Smith (ese hombre no descansa), y  salida final con Holdsworth (que no quieres que se termine).

Enigmatic Ocean es un disco imprescindible para entender el Jazz-Rock (y tambien el progresivo) realizado en los años 70, una obra maestra de un nivel musical impresionante. Todos los adjetivos de apasionado, belleza, dramático, virtuosismo, etc. están insertos en este trabajo, que si no has escuchado debes intentar remediarlo inmediatamente...

A1 Overture 0:47

A2 The Trans-Love Express 3:56

A3 Mirage 4:51

A4 Enigmatic Ocean Part I 2:20

A5 Enigmatic Ocean Part II 3:35

A6 Enigmatic Ocean Part III 3:43

A7 Enigmatic Ocean Part IV 2:42

B1 Nostalgic Lady 5:20

B2 The Struggle Of The Turtle To The Sea Part I 3:32

B3 The Struggle Of The Turtle To The Sea Part II 3:33

B4 The Struggle Of The Turtle To The Sea Part III 6:00

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https://drive.google.com/file/d/1_eGGgivWVb20SFc0IVreAjseOaCwdhVU/view?usp=sharing

Gong - Expresso (Vinyl rip 24-96)

1976 - Expresso 

El extravagante y teatral grupo hippie Gong se creó a finales de los años 60, justo en el momento en que su líder, Daevid Allen (nacido el 13 de enero de 1938 en Melbourne, Australia), dejó a los Soft Machine tras serle vetada la entrada en Gran Bretaña al haber caducado su visado tras una gira por Francia.

Así, Allen, como cantante y guitarrista, creó un dúo junto a su mujer, la poeta y cantante Gilli Smyth, con quien grabó en el país galo y en el sello BYG “Magick Brother, Nystic Sister” (1970), álbum psicoprogresivo marcado por la experimentación, el hippiesmo y la vanguardia.

gong-foto-grupo-biografiaEn el disco también colaboraban el vocalista Tasmin Smith, el pianista Burton Green, los contrabajistas Carl Freeman, Barre Phillips y Dieter Gewissler, los baterías Rachid Houari y Charles Hayward y el saxofonista y flautista Didier Malherbe.

Más tarde aparecieron el bajista Christian Tritsch o el batería Pip Pyle, alguno de los músicos empleados en el disco “Bananamoon” (1971), acreditado en solitario a Daevid Allen con la colaboración de Maggie Bell, Robert Wyatt, Gary Wright, Barry St-John, Gerry Fields o Archie Legget.

La vanguardia hippiesca de Gong, que creó un universo propio lleno de fantasía surreal, progresiva y psicodélica con duendes, gnomos y demás habitantes del hipotético planeta Gong, retornó con la banda sonora “Continental Circus” (1971), editada en Phillips, y con “Camember Electrique” (1971), LP aparecido de nuevo en BYG con temas ccomo “Radio Gnome” o “Fohat Digs Holes In Space”.

Para subrayar más la irrealidad del proyecto sus miembros adoptaron personalidades ficticias, haciéndose llamar Allen Bert Camembert, su mujer Gilli se convertiría en Shakti Yoni, Tritsch sería el Submarine Captain, Pyle se metamorfoseó en The Heap y Malherbe se bautizó como Bloondido Bad de Grasse..

Los LPs, editados en la Virgin, fueron agrupados en una trilogía dirigida en parte por Giorgio Gomelsky y denominada “The Radio Gnome Invisible”: “Flying Teapot” (1973), “Angel’s Egg” (1974) y “You” (1975), LP en el que ya no estaba Gilly Smyth.

Después de “You”, Daevid Allen abandonó el grupo y éste tendió hacia derroteros más jazzísticos con prominente participación del percusionista Pierre Moerlen, miembro que había llegado en el período de Radio Gnome.

“Shamal” (1976), “Expresso” (1976), con la guitarra de Mick Taylor, “Gazeuse!” (1976), “Expresso II” (1978), “Time Is The Key” (1979) o “Downwind” (1979) son algunos de los discos de Gong con el liderazgo de Moerlen.

Daevid Allen y su mujer Gilli retomaron años después el grupo publicando LPs como “Shapeshifter” (1992), “Zero to Infinity” (2002) o “Acid Motherhood” (2003).

Sus últimos discos en estudio fueron “2032” (2009) y “I See You” (2014).

Allen falleció el 13 de marzo del año 2015.

Tenía 77 años de edad.

Gilli falleció en Byron Bay, Australia, el 22 de agosto del año 2016.

Tenía 83 años.

Los miembros actuales de Gong son el cantante y guitarrista Kavus Torabi, el guitarrista y vocalista Fabio Golfetti, el bajista y vocalista Dave Sturt, el batería y vocalista Cheb Nettles, y el saxofonista y flautista Ian East.

En el año 2016 apareció, recuperando en algunas canción la voz de Daevid Allen, el disco “Rejoice! I’m Dead!” (2016).

En el 2017 se incluyó su tema “Through Restless Seas I Come” en “Mojo Presents: Pigs Might Fly” (2017), un CD con 15 canciones psicodélicas, progresivas y space rock de distintas épocas en el que suenan, además de Gong, bandas como Hawkwind, Ulver o Foxygen.

“Eat That Phone Book” se incluyó en “Progressive Rock Translation” (2018), un vinilo editado por Music Brokers con ocho piezas.

Otros artistas incluidos en este álbum son Genesis, Soft Machine o Van Der Graaf Generator.

En el 2019 se incluyó su canción “Fohat Digs Holes In Space” en “Beautiful Freaks: Waving Our Flag High: When Music Was The Contraculture” (2019), doble vinilo editado por Tad Records.

A1

Expresso5:50

A2

Night Illusion3:38

A3

Percolations - Part 13:51

A4

Percolations - Part 26:02

B1

Shadows of - Part 15:30

B2

Shadows of - Part 22:05

B3

Esnuria7:54

B4

Mireille4:02

Allan Holdsworth

electric guitar, acoustic guitar, violin

Didier Malherbe

tenor saxophone

Pierre Moerlen

drums

Francis Moze

fretless bass

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https://drive.google.com/file/d/1V1jzB6XaMmEevX8iOk2cXyXKUON9VgRl/view?usp=sharing

The Flying Burrito Brothers - The Gilded Palace of Sin [SACD] (2017 IR ISO)

1969 - The Gilded Palace of Sin [SACD] (2017 IR ISO)

A pesar de ser un recién llegado Gram Parsons tuvo un enorme influencia en Sweetheart Of The Rodeo, el disco de los Byrds que inauguró lo que hoy se conoce como country rock, pero, a pesar de ser el principal impulsor, aquella banda seguía siendo gobernada por Roger McGuinn y por eso ese disco sonaba como un antropólogo acercándose al country.   

Pero para Parsons el country era algo tan natural como el rock, en una época en la que eran vistos como polos opuestos el cantante veía a las dos músicas como perfectas compañeras, siendo un apasionado de la sencilla poesía del country y también de la rebeldía del rock. Chris Hillman, que era el miembro de los Byrds que más sabía de esa música, pues tenía sus raíces en el bluegrass, lo vio claro, Parsons era el vehículo perfecto para mezclar ambas músicas y, a pesar de que llevaba coqueteando con esa fusión desde los tiempos de Turn, Turn, Turn con los Byrds, dejó a McGuinn y se marchó con el joven Parsons para formar a los Flying Burrito Brothers.   

Desde el nombre elegido a los famosos trajes que les hizo el famoso diseñador Nudie Cohn se puede ver por dónde iba encaminado Parsons en busca de su ideal de la ‘Música Cósmica Americana’, en la que se fundían country, rock, folk y soul. Su maravilloso traje Nudie ya lo explica a la perfección, el mismo sastre que Hank Williams o Elvis pero con hojas de marihuana, pastillas y amapolas (la planta de la que se extrae la heroína).   

Para esa extraña mezcla los dos líderes se juntaron con Chris Etheridge y el otro elemento distintivo de la banda, la pedal Steel de ‘Sneaky’ Pete Kleinow, con un sonido totalmente propio dentro del instrumento, a veces ayudado por un fuzzbox y por el hecho de pasar el instrumento a través de un Leslie, dándole un sabor psicodélico a la mezcla.   

Así comenzaba el disco, con la explosiva Christine’s Tune (Devil In Disguise) que servía para introducir la brillante pedal Steel de Kleinow y las voces cantando en armonía de Parsons y Hillman, al estilo de los Everly Brothers. La canción era principalmente de Parsons e iba sobre la novia de la época de David Crosby. Después llegaba la maravillosa Sin City, compuesta por Hillman y Parsons, en las que sus voces empastaban a la perfección, trayendo a la memoria a otros hermanos, en este caso los Louvin Brothers.   

Luego llegaban un par de excelentes versiones de temas soul como el Do Right Woman, escrito por Chips Moman y Dan Penn para Aretha Franklin, y la maravillosa Dark End Of The Street, de los mismos compositores para James Carr. Son dos perfectos vehículos para la voz de Parsons y demuestran su afán por unir también country y soul como se prueba en otra de las mejores canciones originales del disco, Hot Burrito #1, que contiene una de sus mejores tomas vocales, totalmente apasionado y ardiente, que debería haber contado con una versión de Aretha o James Carr, en respuesta a las de Parsons. Más movida, pero también cercana al soul, es Hot Burrito #2, otra colaboración entre Parsons y el bajista Chris Etheridge, con otra gran aportación psicodélica a cargo de Kleinow con su pedal Steel.   

El disco se publicó el 6 de febrero de 1969 vendiendo poco más de 50.000 copias y pasando desapercibido entre los críticos. Como había pasado poco antes con Sweetheart Of The Rodeo el público rock lo consideraba demasiado country y el público country demasiado irónico y ‘hippie’.    

Pero el tiempo probó que entre las poco más de 50.000 personas que compraron el disco este se convirtió en religión y, de repente, comenzaron a salir grupos siguiendo su estela. De este álbum surgen todas las posteriores mezclas del country con el rock, desde las más conservadoras y exitosas como la de los Eagles o Linda Rondstadt a las más aventureras como el country alternativo de Uncle Tupelo, Whiskeytown o Jayhawks, sin olvidarnos de gente como Dwight Yoakam, Lucinda Williams o Steve Earle, haciendo que podamos hablar de este The Gilded Palace Of Sin como de la Biblia del country rock.   

01. Christine's Tune 3:02

02. Sin City 4:10

03. Do Right Woman 3:56

04. Dark End Of The Street 3:55

05. My Uncle 2:36

06. Wheels 3:02

07. Juanita 2:28

08. Hot Burrito #1 3:37

09. Hot Burrito #2 3:15

10. Do You Know How It Feels 2:06

11. Hippie Boy 4:55

Bass – Chris Ethridge

Drums – Jon Corneal (tracks: 1, 3 to 5, 7), Popeye Phillips (tracks: 8, 9, 11)

Guitar [Pedal Steel] – Sneaky Pete Kleinow

Guitar, Keyboards, Vocals – Gram Parsons

Guitar, Vocals – Chris Hillman

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https://drive.google.com/file/d/1VYRwmfuft8m9ia6a5_2YjfDrSiC7OYHI/view?usp=sharing

Sly & The Family Stone - There's A Riot Goin' On [SACD] (2013 ORG Remaster ISO)

1971 - There's A Riot Goin' On [SACD] (2013 ORG Remaster ISO)

There's A Riot Goin' On fue el quinto álbum lanzado por Sylvester Stewart y el maestro del funk Sly Stone y marca un gran punto de partida con respecto a sus álbumes anteriores. ¡En marcado contraste, este álbum marca una banda sonora mucho más oscura y amenazante de la cultura estadounidense alrededor de 1971!

Este fantástico álbum es mi favorito personal de muchos lanzamientos de Sly Stone y claramente tenían algo que decir. ¡Aquí hay algunos ritmos profundos importantes y algunos momentos verdaderamente divertidos que mantendrán los dedos de tus pies golpeteando y golpeando con los dedos!

Mi canción favorita de Sly Stone es el clásico funk-a-fried "Africa Talks To You", que dura casi nueve minutos y presenta algunos tonos y ritmos de bajo locos (sin mencionar el mejor tratamiento SACD en el disco).

Estoy seguro de que hay críticas mucho más profundas de este álbum de obra maestra, pero si te gusta el funk, ¡este álbum está en tu timonera!

Me sorprendió encontrar este álbum en SACD de Epic Records de 2013 ... Tuve que revisarlo varias veces...

No hay notas de transatlántico reales que muestren quién remasterizó esto en SACD ni literatura más allá del pergamino original. Esta definitivamente no es una grabación para audiófilos y me sorprendió encontrarla en formato SACD. Habiendo dicho eso, este no es un fracaso sónico, aunque tampoco un disco de firma. Creo que el SACD saca a relucir muchas de las imperfecciones y desventuras de las grabaciones maestras originales. Para mis oídos, este SACD suena turbio y, a menudo, filtrado y menos dinámico. Hay momentos en los que algo realmente se destaca como claramente definido... como un lick de guitarra o un trozo de percusión. Sin embargo, todo el álbum parece bastante plano para mis oídos y un poco demasiado homogéneo. También hay mucho silbido en esta versión SACD y distorsión que ha habido mucho en la grabación original.

1 Luv N' Haight

Written By – Sly Stone, Sylvester Stewart

4:01

2 Just Like A Baby

Written By – Sly Stone, Sylvester Stewart

5:12

3 Poet

Written By – Sly Stone, Sylvester Stewart

3:01

4 Family Affair

Written By – Sly Stone, Sylvester Stewart

3:05

5 Africa Talks To You "The Asphalt Jungle"

Written By – Sly Stone, Sylvester Stewart

8:43

6 There's A Riot Goin' On

Written By – Sly Stone, Sylvester Stewart

0:04

7 Brave & Strong

Written By – Sly Stone, Sylvester Stewart

3:30

8 (You Caught Me) Smilin'

Written By – Sly Stone, Sylvester Stewart

2:53

9 Time

Written By – Sly Stone, Sylvester Stewart

3:00

10 Spaced Cowboy

Written By – Sly Stone, Sylvester Stewart

3:55

11 Runnin' Away

Written By – Sly Stone, Sylvester Stewart

2:56

12 Thank You For Talkin' To Me Africa

Written By – Sly Stone, Sylvester Stewart

7:15

ENLACES

https://drive.google.com/file/d/1tdZ-N6Ep8X_AL2JUHf1bdzrY0byi4bKD/view?usp=sharing

Richard And Linda Thompson - Shoot Out The Lights [SACD] (2004 Remaster ISO)

1982 - Shoot Out The Lights [SACD] (2004 Remaster ISO)

Shoot Out The Lights ahora, unos 30 años después, está recibiendo el reconocimiento que se merece. Este fue el sexto y último álbum del dúo de folk rock británico formado por marido y mujer, Richard y Linda Thompson, y en mi humilde opinión, el mejor trabajo que hayan hecho juntos. La guitarra de Richard en este álbum junto con su expresiva voz junto con los hermosos tonos contrastantes de Linda hacen de esta grabación un impresionante ejemplo de un álbum que debes escuchar antes de morir. En 2010, Rhino Handmade lanzó una edición de lujo de 2 CD en oda a este gran álbum. ¡El relanzamiento de SACD híbrido de Hannibal es simplemente increíble con una gran separación de instrumentos y un sonido excelente! En particular, la guitarra sale a lo grande y si subes el volumen de esta grabación, ¡jurarás que Richard está tocando en tu casa! La canción principal "Shoot Out The Lights" es una canción increíble con un solo de guitarra loco que no olvidarás. Te recomiendo encarecidamente que busques este

1. Don't Renege On Our Love

2. Walking On A Wire

3. A Man In Need

4. Just The Motion

5. Shoot Out The Lights

6. Back Street Slide

7. Did She Jump Or Was She Pushed

8. Wall Of Death

9. Living In Luxury

Richard Thompson: vocals, lead guitar, accordeon, hammered dulcimer

Linda Thompson: vocals

Simon Nicol: rhythm guitar

Dave Pegg: bass on A Man In Need, Back Street Slide, Did She Jump Or Was She Pushed, and Wall Of Death

Pete Zorn: backing vocals; bass on Don't Renege On Our Love, Walking On A Wire, It's Just The Motion, and Shoot Out The lights

David Mattacks: drums

The Watersons (Norma, Mike, Lal, and Martin Carthy): backing vocals

Clive Gregson: backing vocals

Stephen Corbett: cornet

Brian Jones: cornet

Phil Goodwin: tuba

Stephen Barnett: trombone

Mark Cutts: trombone

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https://drive.google.com/file/d/1BtGUmnlxIWilJY_V239z5lX6mJzkxCMH/view?usp=sharing

NO PUEDO CON FACEBOOK..

 NO PUEDO HABILITAR NUEVAMENTE A FB, NO TENGO TELÉFONO, ESPERO DESPUÉS DE PODER MEJORAR MI SITUACIÓN DE ALOJAMIENTO Y VIDA, PUEDA COMPRARME UNO, AVISEN QUE EL EL BLOG FUNCIONA, GRACIAS UN ABRAZO A LA DISTANCIAS A TODOS LOS QUE SE PREOCUPARON POR MI...

Jethro Tull - Bursting Out (2 LP 24 96)

 1978 - Bursting Out (2 LP 24 96)

 Después de escuchar este álbum durante literalmente meses, finalmente me senté en mi flaco trasero para prestar un poco de tinta a la maravillosa grabación de JETHRO TULL "Bursting Out - Live". Ahora está remasterizado. Muchas gracias a Chrysalis/Capital Records por hacerlo, y a Ian ANDERSON, por supuesto, por estar allí para supervisar y dar tu toque personal con notas coloridas.

Este fue JETHRO TULLl en su apogeo; No tengo ninguna duda al respecto, particularmente después de algunos de sus lanzamientos más fuertes antes de este, "War Child", "Minstrel In The Gallery", "Songs From The Wood" y "Heavy Horses". Ciertamente fue un renacimiento musical clásico para la banda y el rock progresivo. En este período maravillosamente productivo, posiblemente surgió la mejor alineación de JT. Estoy seguro de que hay muchos fanáticos de JT que no estarán de acuerdo con mis evaluaciones de favoritos, pero esa es la belleza de ser un fan de TULL, hay tantos álbumes y alineaciones geniales para elegir. Bueno, he añadido otro álbum a mi creciente lista de favoritos.

Esta es la banda en plena forma y la remasterización ciertamente le dio a esta grabación una nueva nitidez y claridad. Ian tiene una voz espléndida y la banda está tan unida como iba a estar en esa gira en particular. Para aquellos de nosotros que desearíamos estar allí (atentamente) y aquellos que lo estuvieron, este conjunto de CD dobles es una adquisición imprescindible. No puedes decir que eres un verdadero fan de JT si este álbum no está en tu colección. Esta colección de pistas en vivo personifica el sonido JT de esa época.

[* EMI y Capitol/Chrysalis lanzaron esto en 2004, Reino Unido y Estados Unidos; Se dice que esta versión dura 15 minutos más que el lanzamiento original (y cualquier reedición posterior), aunque el contenido agregado, marcado con un *, no compensa esa diferencia.]

Live, released in 1978

1. No Lullaby (5:54)

2. Skating Away on the Thin Ice of the New Day (3:22)

3. Jack-In-The-Green (2:35)

4. One Brown Mouse (3:43)

5. A New Day Yesterday (2:49)

6. Flute Solo Improvisation / God Rest Ye Merry Gentlemen / Bourée (5:41)

7. Songs from the Wood (2:29)

8. Thick as a Brick (12:27)

9. Hunting Girl (5:17)

10. Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die (3:54)

11. Minstrel in the Gallery (5:44)

12. Cross-Eyed Mary (3:38)

13. Aqualung (8:33)

14. Locomotive Breath (6:37)

15. The Dambusters March / Medley (2:19)

2004 re-issue:

CD 1 (47:23)

1. (introduction by Claude Nobs) (0:50)

2. No Lullaby (4:47)

3. Sweet Dream (6:30)

4. Skating Away on the Thin Ice of the New Day (4:30)

5. Jack in the Green (3:12)

6. One Brown Mouse (3:53)

7. A New Day Yesterday (2:27)

8. Flute Solo Improvisation / God Rest Ye Merry Gentlemen / Bourée (6:08)

9. Songs from the Wood (2:40)

10. Thick as a Brick (12:26)

CD 2 (46:08)

1. (introduction by Ian Anderson) (0:42)

2. Hunting Girl (5:44)

3. Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die (3:56)

4. Conundrum (6:57)

5. Minstrel in the Gallery (5:41)

6. Cross-Eyed Mary (3:58)

7. Quatrain (1:33)

8. Aqualung (8:37)

9. Locomotive Breath (5:34)

10. The Dambusters March (3:26)

- Ian Anderson / vocals, flute, acoustic guitar

- Martin Barre / electric guitar, mandolin, marimba

- Barriemore Barlow / drums, glockenspiel

- John Glascock / bass guitar, vocals

- John Evan / piano, organ, accordion, synthesizers

- David Palmer / portative organ, synthesizers

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https://drive.google.com/file/d/1AeCfn3UCzSZteLOXZMXCcB6kpf5FzT-U/view?usp=sharing

Claudio Gabis - Convocatoria (1995-2013)

 Claudio Gabis - Convocatoria (1995-2013)

Habiendo pasado veinte años desde la edición de su último álbum solista, Claudio Gabis decide publicar un nuevo trabajo, contando con la participación de destacados artistas argentinos y españoles con los que ya había trabajado en ocasiones anteriores. De esas sesiones de grabación, realizadas en 1995, salen dos álbumes, Convocatoria I y Convocatoria II, editados en Argentina y Estados Unidos con dos años de diferencia entre ambos. Posteriormente el material completo fue publicado en un cd doble con dos bonus tracks anteriormente ineditos.

Este álbum contiene canciones nuevas como "Bluguala de la salina grande", viejas canciones inéditas como "Malas condiciones", "Blues del corazón destrozado", "Buenos Aires Shuffle", "Cuando quieras encontrarme", también hay temas que había grabado anteriormente con Manal, como "Jugo de tomate", "No hay tiempo de más", "Avenida Rivadavia", "No pibe", "Avellaneda Blues", temas de sus discos solistas como "Blues de un domingo lluvioso", "Boogie de Claudio", "Bajando a Buenos Aires", temas nuevos compuestos para la ocasión en colaboración con otros artistas "Maradona blues", "El vuelo de tu falda", "Negro como un blues", "En el fondo del mar" y versiones como "Desconfío" de Pappo's Blues, "Rock de la mujer perdida" de Los Gatos, "Estuve en la tierra" de Coque Malla, "Nena boba" de Pescado Rabioso, "Para que nos sirven" de La Pesada del Rock and Roll, como también "Buenos Aires blues" de La Mississippi Blues Band.

Las sesiones de grabación se realizaron en distintos estudios de Buenos Aires y Madrid.

Según palabras del propio Gabis, el álbum desde un principio fue pensado para editarse como álbum doble, pero por cuestiones de la discográfica se terminó editando por separado con dos años de diferencia. En diciembre de 2013 se reedita Convocatoria en álbum doble como había sido pensado en su primer momento. Se adicionaron las canciones "Mudanzas” y "Esto se acaba aquí", el primero se trata de un rock and roll de fines de los años 80, y el segundo es una canción compuesta originalmente en 1973, pero recientemente regrabada con la adición de una nueva estrofa.

La tapa del álbum muestra al artista parado frente a los afiches promocionales de los conciertos con que presentó los álbumes Convocatoria I y Convocatoria II. En diversos textos de estos afiches pueden verse los invitados con que contó en esa ocasión.

Temas y Musicos / Convocatoria 1:

01- Jugo de tomate (Javier Martínez) con Charly García

02- Nena boba (Luis Alberto Spinetta) con Fito Páez

03- Avellaneda Blues (Gabis/Martínez) con León Gieco

04- Blues del corazón destrozado (Claudio Gabis)  (instrumental)

05- Rock de la mujer perdida (Lito Nebbia) con Andrés Calamaro

06- Blues de un domingo lluvioso (Claudio Gabis) con Alejandro Medina

07- No pibe (Javier Martínez) con Claudia Puyó

08- El vuelo de tu falda (Guerra/Gabis) con Pedro Guerra

09- Negro como un blues (Sabina/Stivel/Gabis) con Joaquín Sabina

10- Estuve en la tierra (Coque Malla) con Coque Malla    

11- Avenida Rivadavia (Javier Martínez) con Horacio Fontova

12- Buenos Aires blues (Tapia/Robinson/Ginoi) con Ricardo Tapia

13- Esto se acaba aquí / Bonus Track  (Gabis)

Temas y Musicos / Convocatoria 2:

01- Bajando a Buenos Aires (Claudio Gabis) con Ricardo Tapia

02- No hay tiempo de más (Javier Martínez) con Ricardo Mollo

03- Maradona Blues (García/Gabis) con Charly García

04- Malas condiciones (Claudio Gabis) con León Gieco

05- Boogie de Claudio (Claudio Gabis) con Andrés Calamaro

06- Bluguala de la Salina Grande (Claudio Gabis) (Instrumental)

07- Para que nos sirven (Canterini/Álvarez) con Alejandro Medina

08- Buenos Aires Shuffle (Moris/Gabis) con Moris            

09- Desconfío (Pappo) con Ricardo Soulé     

10- En el fondo del mar (Calamaro/Gabis) con Teddy Bautista     

11- Cuando quieras encontrarme (Casal/Gabis) con Luz Casal    

12- El vuelo de tu falda (Guerra/Gabis) con Pedro Guerra

13- Mudanzas / Bonus Track (Gabis) 

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https://drive.google.com/file/d/1kdRVsE3M_zLxYCS8jebJH2sRv-9YaKGN/view?usp=sharing

Neil Young - Carnegie Hall 1970 (24-192)

2021 - Carnegie Hall 1970 (24-192)

A1 Down By The River 4:23

A2 Cinnamon Girl 3:33

A3 I Am A Child 2:50

A4 Expecting To Fly 4:01

A5 The Loner 5:28

A6 Wonderin' 2:00

B1 Helpless 4:14

B2 Southern Man 4:47

B3 Nowadays Clancy Can't Even Sing 5:31

B4 Sugar Mountain 8:13

C1 On The Way Home 3:27

C2 Tell Me Why 3:10

C3 Only Love Can Break Your Heart 3:04

C4 Old Man 3:31

C5 After The Gold Rush 5:13

C6 Flying On The Ground Is Wrong 4:15

D1 Cowgirl In The Sand 4:00

D2 Don't Let It Bring You Down 2:33

D3 Birds 3:13

D4 Bad Fog Of Loneliness 2:21

D5 Ohio 3:08

D6 See The Sky About To Rain 3:45

D7 Dance Dance Dance 3:14

Guitar, Harmonica, Piano, Vocals – Neil Young

Songwriter [All Songs By] – Neil Young

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https://drive.google.com/file/d/1EWsvuoh8C_ok88T6Wrzya3yl5yhO4X4C/view?usp=sharing

Bill Bruford & Michiel Borstlap - In Two Minds (Summerfold BBSF019CD, EU)

 2007 - In Two Minds (Summerfold BBSF019CD, EU)

En los años transcurridos desde Every Step a Dance, Every Word a Song (Summerfold, 2005) e In Concert in Holland (Summerfold, 2005), un CD y DVD que documenta el dúo naciente del baterista Bill Bruford con el teclista holandés Michiel Borstlap, la pareja ha seguido realizar a intervalos irregulares. Pero volver a reunirse después de un tiempo separados solo significa que hay mucho de qué hablar. Ambos llevan vidas activas aparte —Eldorado de Borstlap ( Gramercy Park, 2008) y Earthworks Underground Orchestra de Bruford , por ejemplo—, así que cuando se encuentran, no faltan nuevas ideas.

Seleccionado de presentaciones en vivo desde el Festival Punkt 2006 en Kristiansand, Noruega y tan reciente como junio de 2007 en Trondheim, In Two Minds es un gran paso adelante. Que no hay una conversación o planificación previa, solo dos jugadores que llegan al escenario corriendo; la música impulsada por una confluencia de cómo se sienten ese día, el espíritu del momento, la sensación de la sala y el ambiente de la audiencia, hace que el sonido estructurado de estas once miniaturas de improvisación y un estándar sea aún más notable. .

La sincronicidad inmediata encontrada en las primeras reuniones hace cuatro años solo se ha profundizado. Surgen períodos de expresionismo abierto y juego libre intransigentemente vanguardista, pero se trata en gran medida de dibujar miniaturas compositivas del éter. Las piezas individuales viajan a través de un terreno rítmico, melódico y dinámico considerable, pero hay un impulso inconfundible para crear una forma real donde no existía hace unos momentos.

"Kinship" es un comienzo elegante y lírico, aunque el toque ocasional de disonancia de Borstlap crea una delicada tensión y liberación. La evolución de Bruford como un jugador intuitivo y receptivo ha crecido casi exponencialmente, a medida que "Kinship" alcanza gradualmente su clímax dinámico, solo para regresar al silencio casi como si hubiera sido planeado de esa manera todo el tiempo.

La vibrante canción principal no solo es notable por su sentido de la forma, podría convertirse fácilmente en una composición formal, es la forma en que Bruford y Borstlap se unen en una serie de tomas puntuadas que hablan de la profundidad de su comprensión colaborativa. Puede ser In Two Minds , pero suena como si viniera de uno.

Borstlap se adhiere principalmente al piano acústico, pero Fender Rhodes y los sintetizadores también forman parte de la mezcla, sobre todo en el alto octanaje "From the Source, We Tumble Headlong", donde su lavado de sonidos sustenta una improvisación que alterna entre piano y sintetizador armonizado. líneas que recuerdan al difunto Joe Zawinul, mientras que Bruford se extiende a ambos lados de la línea entre el ritmo receptivo y las ideas instigadoras.

Bruford y Borstlap terminan con una versión similar a Monk de "All Blues" de Miles Davis, la única composición existente del set. Pero solo porque hay una forma predefinida, no es menos una interpretación emocionante y emocionante. Algunos amigos llegan a una zona de comodidad estática donde queda poco por decir. Bruford y Borstlap se sienten claramente más cómodos juntos, pero no faltan las buenas conversaciones, lo que convierte a In Two Minds en un gran avance para estos intrépidos y cautivadores compañeros musicales.

1. Kinship (4:00)

2. In Two Minds (4:55)

3. From the Source, We Tumble Headlong (6:43)

4. Flirt (3:09)

5. Low Tide, Camber Sands (4:12)

6. The Art of Conversation (7:44)

7. Conference of the Bees (4:27)

8. Sheer Reckless Abandon (3:31)

9. Duplicity (4:09)

10. Shadow Dance (5:13)

11. The Odd One Out (4:08)

12. All Blues (4:23)

- Michiel Borstlap / piano, keyboards

- Bill Bruford / drums, slit drum, producer

Recorded Live:

Tracks 1-3 at The Dokkhuset, Trondheim, Norway, June 1, 2007.

Tracks 4,10 at Punkt Festival, Kristiansand, Norway, August 25, 2006.

Tracks 5-8,11 at The Pavilion, Bath, UK, May 27, 2007.

Tracks 9,12 at The Sage, Gateshead, UK, March 16, 2007.

ENLACES

https://www.mediafire.com/file/nwbxc1uh627wst9/BB_MB-ITM07.rar/file

M.I.A. - Mágicos Juegos del Tiempo (2011 Remastered)

1977 - Mágicos Juegos del Tiempo (2011 Remastered)

 Segundo larga duración del grupo MIA. Un trabajo de rock progresivo a la altura de lo mejor que se hacía en la época en este estilo. Canciones y poesía de Alberto Muñoz, Lito Vitale, Nono Belvis, con la participación del Coro de MIA.

 

Todo comenzó a mediados de 1975, cuando los adolescentes, Liliana y Lito Vitale se juntaron con Alberto Muñoz y formaron un trio con el que presentaron una obra llamada "Saturno". Mas tarde la formacion se amplio con el ingreso del Nono Belvis y Juan Del Barrio. Desde su base se operaciones en Villa Adelina, los padres de Lito y Liliana, Rubens Vitale y Esther Soto, decidieron dar forma a una experiencia inédita en nuestra música. Dijo Pipo Lernoud én el Expreso Imaginario, en diciembre de 1976: "M.I.A. (Músicos Independientes Asociados) es una cooperativa musical independiente que le ha abierto un camino al talento, evitando totalmente los circuitos comerciales de difusión. Compuesta en su mayor parte por jóvenes menores de 20 años, produce sus propios recitales, discos y casettes, y ha conseguido reunir un amplio espectro de seguidores sin hacer publicidad". El grupo se fue formando alrededor de esa casa en la cual Rubens daba sus clases de piano y Esther organizaba la contabilidad y la producción de su pequeño sello independiente, Ciclo 3. Para sacar su primer disco Rubens Vitale hipotecó su casa. La novedad fue que, en los recitales, hacían llenar una ficha al público para formar un mailing, a través del cual mantenían informados a sus seguidores, y vendían los discos por suscripción, antes de editarlos. El primer album, "Transparencias" (1976), mostró a músicos y compositores de diferentes estilos trabajando juntos. Entre ellos podía destacarse el trabajo de Lito Vitale, quien desde su adolescencia demostró ser uno de los músicos más promisorios de la escena local. Su ciclo de presentaciones exhibió diferentes combinaciones de integrantes. Paulatinamente, los conciertos fueron trascendiendo a mayor cantidad de público. "Mágicos juegos del tiempo", editado a mediados de 1977, continuó con la carrera discográfica del grupo que, simultáneamente, formó a alumnos y profesionales de diferentes instrumentos mediante originales métodos de enseñanza.

La asociación continuó brindando recitales, clínicas, exposiciones, clases y charlas y, a mediados de 1978, editó un nuevo disco que fue vendido también por correo de manera anticipada y que llevó por título "Cornostipicum" (1978). En su seno, M.I.A. albergó desde grandes músicos como Lito Vitale, Juan Del Barrio, Daniel Curto, Nono Belvis, hasta iluminadores, pedagogos y dibujantes. En 1979 editó un álbum triple, "Conciertos", grabado prácticamente en vivo, donde deja al descubierto las combinaciones posibles de integrantes. El diseño de este álbum, como el de todos los álbumes de M.I.A., corrió por cuenta del baterista y excelente dibujante Kike Sanzol. La cooperativa continuó haciendo escuela en el camino de la producción independiente y comenzó a trabajar en una obra llamada "La Compañía del Circo Mágico", que recién fue montada a fines de 1982. La obra contó con máscaras, ropas y escenografías imaginadas entre todos.

Ese mismo año fueron soportes del brasileño Egberto Gismonti. Entrados los 80, su propuesta se transformó en el C.E.C.I. (Centro de Cultura Independiente), un centro destinado a la búsqueda creativa. 

 

"Al contemplar el trabajo artesanal que presenta la tapa de esta obra de MIA, el oyente se sitúa ante la alternativa de aguzar su sentido de observación y análisis, y aprestarse a abordar una realización artistica de incuestionables valores. La propuesta de MIA, no sólo artística sino también pedagógica, se muestra eminentemente efectiva a partir del momento en que sus integrantes basaron sus apertes en la abnegación y en la constancia. Este segundo trabajo discográfico, grabado en el sello que cuatro de los integrantes de MIA han creado, rubrica, además del esfuerzo realizativo de la agrupación, las bondades de un producto musical de gran nivel. Los trabajos instrumentales de los músicos que participan en esta entrega son correctos y precisos; entre ellos destacan los de Lito Vitale (teclados y voz, fundamentalmente), Nono Belvis (guitarra, bajo y voz), Alberto Muñoz (guitarra, bajo y voz) y Liliana Vitale (batería, flauta y voz ). Los temas, por lo general, ofrecen melodías muy bellas perfectamente arregladas, con pulcros tratamientos de voces, a través de los cuales se advierte un equilibrio armónico lucido. La estructuración de las composiciones refleja, por medio de variantes rítmicas, inteligentes compaginaciones sonoras como las apreciables en "Los molinos de la calma". El disco logra dos puntos musicales de muy alto nivel en la segunda parte de "Archipiélagos de Guernaclara" y en la excelente versión de "Corales de la cantata Saturno", donde participan trece voces.

Tapa: El buen gusto presente, en una presentación formidable que incluye un librito que describe todos y cada uno de los detalles técnicos del disco. Síntesis: Magnifica realización." 

Revista Pelo - Reseña del álbum (1977)

Lito Vitale: Teclados, piano, guitarra, bajo, voz

Alberto Muñoz: Voz, guitarra, bajo, bandurria

Liliana Vitale: Voz, batería, percusión, guitarra

Nono Belvis: Guitarra, bajo, voz

Daniel Curto: Efectos de campanas, contrabajo acústico 

Temas:

01- Lirica Del Sol    

02- Crisalida, Mi Niña    

03- Los Molinos De La Calma    

04- Antiguas Campanas Del Pueblo    

05- Archipiélagos De Gúernaclara    

06- Romanza Para Una Mujer Que Cose    

07- Corales De La Cantata Saturno 

Bonus Tracks:

08- Egloga A La Primera Carta De La Mañana (Teatro Santa Maria-1978)     

09- La Caja Del Viento (Teatro Santa Maria-1978)      

10- Las Brujas De Calamita (Teatro Santa Maria-1978)      

11- El Triste De Los Mares I (Teatro Santa Maria-1978)      

12- El Triste De Los Mares II (Teatro Santa Maria-1978)

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Jefferson Airplane - White Rabbit The Ultimate Jefferson Airplane Collection

2015 - White Rabbit The Ultimate Jefferson Airplane Collection 

Recientemente me di cuenta de que nunca había visto más de cerca a Jefferson Airplane, la legendaria banda de rock psicológico estadounidense cuyos mayores éxitos ('White Rabbit' y 'Somebody to Love') eran prácticamente todo lo que conocía. Esta situación se reparó mejor tomando prestada una compilación de varios discos de la biblioteca. Este conjunto de 3 discos se encuentra entre los últimos lanzados y resultó ser una opción más adecuada para mi propósito de lo que pensaba de antemano.

¿Porque? Debido a la forma en que este conjunto representa la mayoría del material del álbum de estudio de la banda desde 1966 hasta 1972. En el exterior, este conjunto es bastante barato y minimalista, lo que se habría evitado tan fácilmente. El paquete en sí pierde la información de origen del álbum (y la duración de las pistas, como de costumbre), pero investigué un poco y descubrí que procede cronológicamente álbum por álbum, incluso de manera tan simétrica que los discos 1 y 2 se extraen de dos álbumes cada uno. mientras que el disco 3 tiene casi el mismo enfoque excepto que termina con tres pistas del séptimo álbum de estudio. Cada disco tiene 15 pistas, no se incluyen cortes en vivo ni rarezas. Entonces, por el contenido real, es casi ideal para un recién llegado; sin embargo, es una pena por la información que falta.

Por supuesto, al no estar familiarizado con los álbumes originales, no puedo evaluar muy profundamente las opciones de pistas, pero como el número de canciones por álbum es de alrededor de siete, se puede suponer que la compilación ofrece una imagen bastante buena de esos álbumes. El debut Takes Off (1966) está musicalmente dominado por el guitarrista Marty Balin, quien escribió y cantó la mayor parte del material. Surrealistic Pillow (1967) es, con diferencia, el más célebre e interesante de los álbumes de JA, ya que la nueva integrante Grace Slick demostró ser no solo una intérprete fenomenal sino también una compositora talentosa. Los dos grandes éxitos mencionados anteriormente fueron suyos.

Los siguientes álbumes After Bathing at Baxter's (1967) y Crown of Creation (1968) representados en el disco 2 me parecen más desiguales. El sonido del grupo se volvió un poco más pesado, influenciado por Jimi Hendrix y Cream. Las canciones de Slick como 'Lather' tienden a ser las mejores. Como nota al margen, cabe mencionar que el guitarrista de blues Jorma Kaukonen, cuyo nombre es puramente finlandés, tiene abuelos finlandeses. Él y el bajista de Jefferson, Jack Casady, formaron Hot Tuna en el '69/70. Para el tercer disco aquí, comencé a sentir cierta decepción de que esta banda se preocupara menos por la voz y la composición de Grace Slick de lo que yo había deseado. Volunteers (1969) tiene dos aspectos destacados, el extenso 'Hey Frederick' de Slick y 'Wooden Ships' que Paul Kantner coescribió con David Crosby y Stephen Stills.

A pesar de las perspectivas baratas, esta compilación funciona muy bien como una representación de la existencia original de Jefferson Airplane (se reunieron a finales de los 80, pero esa es otra historia). 3½ estrellas redondeadas hacia abajo para la información que falta.

CD 1 (45:50)

1. Blues from an Airplane (2:12)

2. Let Me In (2:57)

3. Bringing Me Down (2:24)

4. Come Up the Years (2:32)

5 Reunámonos (3:35)

6. No es ningún secreto (2:38)

7. El camino del tabaco (3:29)

8. Alguien a quien amar (2:57)

9. Hoy (3:02)

10. Ella tiene Funny Cars (3:09)

11. White Rabbit (2:31)

12. Comin' Back to Me (5:16)

13. Embryonic Journey (1:53)

14. Plastic Fantastic Lover (2:34)

15. 3 /5 de una milla en 10 segundos (en vivo) (4:41)

CD 2 (54:50)

1. The Ballad of You & Me & Pooneil (4:32)

2. Watch Her Ride (3:17)

3. El último muro del castillo (2:40)

4. Martha (3:26)

5. Tomillo silvestre (3:09)

6. No lo intentarás / Sábado por la tarde (5:04)

7. Young Girl Sunday Blues (3:34)

8. Greasy Heart (3:25)

9. Crown of Creation (2:54)

10. The House at Esquinas de Pooneil (5:51)

11. Hacer espuma (2:57)

12. Si sientes (3:21)

13. Comparte una pequeña broma (3:07)

14. Tríada (4:54)

15. ¿Te gustaría un Merienda (2:39)

CD 3 (70:02)

1. Voluntarios (2:05)

2. Una canción para todas las estaciones (3:29)

3. Podemos estar juntos (5:49)

4. Buen Pastor (4 :22)

5. Barcos de madera (6:25)

6. Hola, Frederick (8:31)

7. Día azul esquimal (6:33)

8. Tercera semana en el Chelsea (4:36)

9. Cuando la tierra se mueva de nuevo (3:56)

10. Hombre ley (2:43)

11. Pretty as You Feel (4:30)

12. Wild Turkey (4:46)

13. Long John Silver (4:23)

14. Milk Train (3:18)

15. Eat Starch Mom (4:36)

- Signe Anderson / voz

- Grace Slick / voz, teclados

- Marty Balin / guitarra, voz

- Jack Casady / bajo

- Paul Kantner / guitarra, voz

- Jorma Kaukonen / guitarra, voz

- Marty Balin / guitarra, voz

- Skip Spence / batería

- Spencer Dryden / batería

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Fish - Farewell to Childhood

2017 - Farewell to Childhood

Derek William Dick - Nacido el 25 de abril de 1958 (Dalkeith, Escocia)

Debido a que le resulta muy agradable estar tumbado en la bañera durante horas, con su patito de goma, recibe este apodo de sus amigos: FISH. Más tarde, Derek usará este nombre como el nombre de su artista. Derek crece en el pequeño pueblo de Dalkeith, donde sus padres tienen un garaje. Está en la escuela allí, donde lo pasa bien y tiene buenos resultados. Derek también es fanático de THE BEATLES en ese período y quiere aprender a tocar un instrumento. Pero nunca pasa de jugar una raqueta de tenis frente al espejo. El primer sencillo que compra es "Lola" de THE KINKS.

El garaje de los papás se está convirtiendo en una forma cada vez mejor de ganarse la vida y Derek puede ir a la escuela secundaria (que es mucho más cara). Derek no está tan satisfecho con eso y prefiere quedarse en Dalkeith. Cuando Derek tiene unos 13 años, se interesa cada vez más por la música. Especialmente grupos como YES, ELP y por supuesto PINK FLOYD son sus favoritos. Le gusta la idea de tener una banda propia. Pero su problema es que no puede tocar ningún instrumento. Intenta tocar la batería, pero no es tan fácil como parece. Solo hay una cosa que Derek puede hacer sin muchos problemas: cantar. Y este es el comienzo de su carrera. Derek estudia mucho cantando junto con sus canciones favoritas de YES, ELTON JOHN y DEEP PURPLE.

Derek está envejeciendo y la escuela se vuelve cada vez menos interesante para él. Descubre la vida nocturna y comienza a disfrutar cada vez más de la vida. Cuando tiene 18 años y está listo para la escuela secundaria, todavía no sabe exactamente qué hacer. No le gusta la universidad, por lo que acepta un trabajo en la Comisión Forestal. Allí tiene la oportunidad de hacer un estudio de ingeniería de edificación, algo que le gusta porque eso significaría pasar mucho tiempo al aire libre. En 1979 parte en un viaje de estudios a Alemania. Cuando regresa, decide convertirse en cantante por fin. Derek cambia su nombre a FISH. No en el último lugar porque el apodo fuera del escenario de Chris SQUIRE también es FISH. Cuando conoce a Peter GABRIEL después de un concierto, y este chico resulta ser un ser humano normal, FISH piensa "entonces yo también puedo hacerlo". FISH busca una banda, y después de una audición fallida para NOT QUITE RED FOX, se encuentra con BLEWITT gracias a un viejo amigo. Aunque la banda no toca la música favorita de FISH, él se convierte en su cantante. FISH adquiere mucha experiencia en el escenario y gracias a eso su actuación y su voz aumentan en calidad. Se vuelve muy amigo del guitarrista de la banda, Frank Usher, quien le dice que está muy impresionado con la voz de FISH. Frank le aconseja que vaya a Londres y busque una banda que le quede mejor. quien le dice que está muy impresionado con la voz de FISH. Frank le aconseja que vaya a Londres y busque una banda que le quede mejor. quien le dice que está muy impresionado con la voz de FISH. Frank le aconseja que vaya a Londres y busque una banda que le quede mejor.

FISH lee muchos anuncios en los diferentes periódicos. Debido a que es difícil hacer todas las audiciones, FISH hace una especie de kit promocional de sí mismo que envía a las bandas. Un anuncio que le gusta es el de STONE DOME BAND. FISH reacciona y obtiene el número de teléfono del bajista, Diz Minnit. Aunque la música es más la música que le gusta a FISH, resulta ser una pequeña banda amateur. FISH y Diz, que se habían hecho amigos mientras tanto, van en busca de otra cosa. Juntos andan por Cambridge por un tiempo, pero no encuentran nada interesante. A fines de 1980 FISH regresa a Dalkeith. Obliga a Diz a venir también, y juntos intentan formar una banda. Eso falla, porque no tienen dinero, ni experiencia real ni canciones propias. FISH comienza a escribir sus propias canciones, y vuelve a cantar para Blewitt de vez en cuando. Para entonces, Diz muestra un anuncio de "Solo músicos". Una banda en Aylesbury está buscando un cantante/bajista. FISH contacta con la banda, que se llamaMARILLÓN . FISH deja sus estudios, algo que sus padres no aprecian tanto, y parte a principios de 1981 junto con Diz a Aylesbury. Resulta que la banda vive en una pequeña ruina y FISH sugiere continuar la reunión en un café. Cuando FISH está muy borracho y canta un número de GENESIS, la banda queda muy impresionada con sus capacidades vocales. Piensan que su voz es muy parecida a la de Peter GABRIEL, algo que FISH toma como un cumplido en ese momento.

Al día siguiente FISH y Diz ya trabajan juntos con la banda, y pronto nace la primera canción: The Web. El 15 de marzo de 1981 ocurre el primer concierto de MARILLION con FISH. FISH también es una especie de manager de la banda. Tiene buena relación con los dueños de los salones. Pero luego, de repente, eso se vuelve demasiado. FISH busca un agente de prensa y se encuentra con Keith Goodwin, un hombre que solía trabajar para YES y BLACK SABBATH. Ese hombre significa mucho para MARILLION y el camino hacia el éxito está abierto.

FISH y Steve Rothery escriben juntos la mayoría de las canciones. FISH está lejos de estar satisfecho con las habilidades de Brian Jelliman, y también quiere que Mick Pointer se vaya mejor que quedarse. Steve, a su vez, no le gusta la forma en que Diz toca el bajo, pero quiere que Mick se quede. Llegaron a un acuerdo y Brian y Diz fueron despedidos. Mark Kelly y Pete Trewavas se unen a la banda. El resto de la historia está en su caja de registro.

Luego, a fines del año 1988, llega la sorpresa fatal: FISH se ha ido. Ha discutido con la mayoría de los otros miembros de la banda y comienza una carrera en solitario. Los fanáticos están muy decepcionados y el futuro de MARILLION parece ser muy oscuro. FISH era al menos la cara de la banda. ¿Cómo es posible que alguna vez sea reemplazado por otra persona? Es posible, y cuando MARILLION en 1989 saca "Seasons End", FISH sigue con "Vigil in a Wilderness of Mirrors". El disco está hecho con algunos músicos de estudio y está siendo aceptado por la mayoría de los fans. "Vigilia." le siguen "Internal Exile" y "Songs from the Mirror". Estos álbumes se publican bajo Polydor, y ya no bajo EMI. FISH también discute con EMI, por lo que tuvo que dar el paso a otra empresa. Cuando finalmente FISH ya no puede cooperar con Polydor, comienza su propio sello discográfico y lanza sus propios discos ahora. Su cuarto álbum "Suits" ya no está siendo aceptado tan bien como los álbumes formales. Unos cuantos miembros de la banda se han ido de nuevo, y también los managers van y vienen. FISH debe hacerlo solo ahora. Ya no tiene compañías discográficas a las que culpar por el fracaso de un proyecto. Mientras tanto, FISH también intenta iniciar una carrera como actor. Esto da como resultado, por ejemplo, un papel en la serie de televisión "Zorro". Hasta entonces, sigue trabajando en su último proyecto de doble álbum "Ying and Yang", de nuevo un álbum de versiones. Esta vez con nuevas versiones de viejas canciones de MARILLION y nuevas versiones de viejas canciones de FISH. Luego de esto, FISH deja de hacer música por un tiempo.

Por Alberto Ramos - México

CD 1

1 Pipeline 9.41

2 Feast of Consequences 4.41

3 Long Cold Day 7.46

4 Family Business 5.53

5 The Perception of Johnny Punter 12.12

Total Time 40.12

CD 2

1 Pseudo Silk Kimono 2.39

2 Kayleigh 4.18

3 Lavender 2.37

4 Bitter Suite 8.26

5 Heart of Lothian 5.26

6 Waterhole (Expresso Bongo) 1.47

7 Lords of the Backstage 2.19

8 Blind Curve 14.04

9 Childhoods End? 4.43

10 White Feather 5.33

11 Market Square Heroes 6.52

12 The Company 5.26

- Fish / vocals

- Robin Boult / Guitars

- John Beck / Keyboards

- Steve Vantsis / Bass

- Gavin Griffiths / drums

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Galahad - Battle Scars

2012 - Battle Scars 

Antes de escuchar 'Battle Scars' por primera vez, volví y toqué algo de 'Nothing Is Write'. Increíblemente ese álbum tiene más de 20 años, ya principios de los 90 vi a esta banda tocar muchas veces. La formación cambió entre este álbum y el siguiente, 'Sleepers', que salió en el '95. pero unos 17 años después, cuatro de los mismos cinco estaban involucrados en 'Battle Scars'. Sin embargo, el bajista Neil Pepper había dejado la banda por un tiempo y no había regresado por mucho tiempo. Fue un shock increíble para todos que a Neil le diagnosticaran cáncer, pero de alguna manera sobrevivió a las sesiones de grabación. El hecho de que falleciera en septiembre de 2011 a la edad de solo 44 años, dejando una viuda y una familia joven es algo que a muchos de nosotros todavía nos resulta difícil de manejar.

Entonces, en muchos sentidos, este siempre iba a ser un álbum difícil de revisar para mí. Cualquier opinión siempre será subjetiva, no importa cuán objetivo intente ser el crítico, y no solo tengo una larga historia con la banda, sino que estaba consciente de que realmente quería que este fuera un gran álbum, un legado apropiado por así decirlo. Pero seria?

Como dije, antes de tocar 'Battle Scars' escuché 'Nothing Is Write'. cuando la banda había ganado Radio 1 Rock Wars y habían sido invitados en The Friday Rock Show con Tommy Vance (esos eran los días). En ese entonces eran jóvenes y dinámicos, con mucho que demostrar. Aquí, todos estos años después, no son tan jóvenes como eran y, en muchos sentidos, son algo así como los estadistas mayores del movimiento progresista. Pero esta no es una banda que descanse en sus logros pasados, como lo demuestra ampliamente su último álbum de estudio 'Empires Never Last'. Esta es una banda que está orgullosa de lo que han hecho anteriormente, pero también entienden que necesitan madurar y este es un álbum que demuestra que han hecho precisamente eso.

En 'el chico nuevo', Dean Baker, tienen un teclista con una paleta enorme y poder tocar muchos sonidos diferentes les ha permitido implementar diferentes técnicas con gran efecto. El corte del título inicia el álbum y los suaves efectos corales y orquestales pronto dan paso a un coro al estilo de Freddie Mercury donde finalmente se le permite a Roy subir la guitarra y desplegar algunos riffs fuertes. Stu siempre ha tenido una voz muy melódica, pero se las ha arreglado para agregar solo un toque de amenaza cuando surge la necesidad, lo que le da a la canción un toque extra.

La producción de Karl Groom, como siempre, está muy pulida y permite que todos los músicos brillen. este es un material complejo, pero se une de una manera inmediata y melódica. Es música que se puede disfrutar en la primera escucha, pero cuantas más veces se reproduzca, más sacará el oyente de ella. Spencer y Neil se encerraron como si nunca hubieran estado separados y esta fuerte sección rítmica permite que Dean y Roy se desenfrenen. Me encantaría escuchar "Reach For The Sun'" en vivo, ya que la impresión es que esto ha sido escrito para que realmente puedan subirlo y explotar. Puede haber algunos sonidos de teclado al estilo de Ozric, pero la estrella de esto es el riff repetido y la pasión controlada.

Galahad en 2012 produjo un álbum que sería muy reconocible para las personas que solían ir a verlos a Mr Kyps en Poole, pero también es en gran medida la banda que en estos días encabeza los festivales progresivos en Europa. Al final del álbum hay un guiño a tiempos pasados, ya que revisan el corte del título de su álbum de 1995 'Sleepers', y en muchos sentidos es bastante diferente al resto. mostrando cuánto ha cambiado la banda. Pero es genial escucharlo, ya que siempre pensé que contenía las mejores líneas de bajo de Neil y, una vez más, demuestra lo gran músico que era. A finales de este año, Galahad lanzará otro álbum, 'Beyond the Realms of Euphoria', que se grabó al mismo tiempo. Será interesante ver cómo se comparará eso, ya que 'Battle Scars' es un ganador en todos los aspectos. www.galahadonline.

1. Battle Scars (7:04)

2. Reach for the Sun (3:54)

3. Singularity (7:32)

4. Bitter and Twisted (6:58)

5. Suspended Animation (4:05)

6. Beyond the Barbed Wire (5:03)

7. Seize the Day (8:34)

8. Sleepers 2012 (bonus track) (14:07)

- Stuart Nicholson / vocals

- Roy Keyworth / guitars

- Dean Baker / keyboards

- Neil Pepper / bass, guitar & keyboards

- Spencer Luckman / drums

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