sábado, 8 de enero de 2022

Plus - Plus (Melancólica Muchacha)

1978 - Plus (Melancólica Muchacha)

El cuarteto surgió en un momento convulsivo en la Argentina, poco antes del golpe de estado, por el cual el país caería en manos de la dictadura, y casi no había propuestas locales dentro de su estilo. La aparición de su disco debut No Pisar el Infinito, con el tema puntero "Noches de Rock and Roll", en la línea de Led Zeppelin, Deep Purple y otros grandes grupos internacionales de la época, representó una alternativa roquera en una escena que abundaba en grupos de fusión (jazz rock, progresivo, híbridos de tango y rock, etc) y nostalgia hippie, y se encontraba deprimida por la censura y el exilio de algunos de sus principales representantes. En aquel momento, salvo El Reloj o Vox Dei, prácticamente no había otra banda semejante en actividad a nivel local. Gracias al boca en boca y las exitosas presentaciones en vivo, lograron un contrato con la RCA para el segundo disco, que se tituló simplemente Plus pero fue rebautizado como "Melancólica Muchacha" por los fans a causa de la canción de once minutos que el disco contenía. Participaron como invitados en la grabación Celeste Carballo en coros y el violinista Fernando Suárez Paz, del quinteto de Astor Piazzolla. Sin embargo, este segundo intento no resultó tan efectivo o roquero, y el suceso de la banda decayó. Realizaron una sonada gira por Sudamérica que tuvo su cenit en Colombia, pero para cuando tuvieron a tiro un nuevo contrato discográfico con el sello Tonodisc, para el álbum Escuela de Rock 'n' Roll, de 1981, las diferencias internas resultaron insostenibles y el guitarrista Julio Sáez fue reemplazado, y emigró para encarar otros proyectos. La banda no tardó en disolverse, hacia 1982. 

Sáez, el bajista Hugo Racca y el baterista Cacho D'arias se integraron más tarde al efímero conjunto Dr. Silva del tenista Guillermo Vilas, que admiraba el sonido de Plus. Aunque, de todos los integrantes, el que realmente obtuvo posterior notoriedad fue Saúl Blanch, que se convirtió en el cantante con el que Rata Blanca grabó su primer disco homónimo, de 1988.

Hugo Racca falleció en 1998, mientras que Julio Sáez se convirtió, tras la separación de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, en mánager del Indio Solari.


"Plus era un grupo totalmente de autogestion. Pagábamos nuestras propias publicidades, nos conseguíamos solos las salas de recitales y eso molestaba un poco. Per eso el disco fue bastante discutido en el ambiente, pero a la gente le encantó Por ese entonces salía Queen y es posible que en el disco se note algo de esa veta, algu nas cosas inspiradas en la onda Killer Queen. La dirección que tomamos fue de hard rock. Creo que fuimos precursores de este estilo en Argentina con Melancólica Muchacha. El primer dieco había sido todo sangre, mientras que este segundo álbum muestra un grupo en crecimiento. Me gusta mucho aún hoy corno suena. Me parece impecable para la época. Lo trabajamos tan relajados que se nota. Hay mucha atención por el detalle, en cada parte, en cada solo, en cada aspecto de percusión (hasta usamos un mate para lograr un efecto especial), en todo se nota el afán de experimentación.

En síntesis, los dos primeros discos de Plus me gustan por igual. Uno por ese significado de explosión que representó para el grupo y Melancólica Muchacha, parque en él quisimos darle algo mas a la gente y creo que se percibe Es muy prolijo y a la vez aventurado. En el primer álbum tocamos todo juntos. En éste, en cambio, fuimos armando cada canción de a poquito, ubicando las partes meticulosamente y añadiendo instrumentos, arreglo de voces, efectos, en fin, todo lo que sentíamos que nacía falta para darle a cada terna su justa representación en el disco. Tuvimos el honor de contar con Celeste Carballo, que canta en dos temas". 

Julio Sáez - Guitarrista de Plus (1996)


Saúl Blanch: Voz solista, coros, percusión

Julio Sáez: Guitarras, piano acústico, voz solista, coros, percusión

Hugo Racca: Bajo, voz solista, coros, percusión

Cacho Darias: Batería, percusión, efectos especiales

Celeste Carballo: Voz (en Viejo y largo camino y Apagón de luces en la curva)


01- La muerte del maestro

02- Viejo y largo camino

03- Apagón de luces de la curva

04- Mil cielos del universo

05- Los que estuvieron conmigo

06- Melancólica muchacha

07- La reina del rock and roll

Bonus Tracks:

08- Tú puedes (Grabado el 7/2/80)

09- Contra el viento (Bob Seger) (Grabado el 16-9-80)




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https://drive.google.com/file/d/1bVK2ws4wpwjeR6Gc1FJlvbLFSxRYCb6c/view?usp=sharing

Jorge Pinchevsky - Su Violin Magico y La Pesada

1973 - Su Violin Magico y La Pesada

Jorge Pinchevsky (Rosario, 10/09/43) es el violinista más conocido del rock argentino, que se popularizó con La Pesada del Rock and Roll. La suya fue una formación clásica: Conservatorio, Orquesta Sinfónica, Orquesta de la Municipalidad y Orquesta de Cámara de la Universidad, todo en La Plata... hasta que dio con la Cofradía de la Flor Solar (donde se originó La Pesada). «Me encontraban por la calle y me decían que era un traidor a la causa clásica, un deformador de las ideas...», recuerda.

Además de participar en varios álbumes de La Pesada, como "Vol. 2" (conocido también como "el disco de la oreja"), "Tontos" y "Vol.4", Pinchevsky forma parte del elenco estable de músicos que tocaba en los álbumes individuales de los miembros de La Pesada y también participó en discos de músicos ajenos al grupo, en carácter de sesionista.

No era de extrañar, pues, que cuando consiguió un contrato para grabar un larga duración en solitario en el sello EMI, sus acompañantes naturales hayan sido sus compañeros de La Pesada, es decir, Medina, Claudio, Díaz y -por supuesto- Billy Bond en el rol de productor artístico "de facto" del álbum resultante, Jorge Pinchevsky, Su Violín Mágico y La Pesada.


"El disco empieza con una frase mía refiriéndome a Beethoven y en el momento en que la digo se liga con una historia que no había planeado. Medina se anota con el bajo, Gabis toca el piano. Kubero en la viola y empezamos a zapar. A ese tema le puse "La maravillosa Marta y la fuerza de las cosas", porque en ese momento vivía con una chica que se llamaba Marta y empezaba a experimentar la fuerza del amor. En el disco están un poco alterados los autores de los temas porque nosotros éramos una especie de cooperativa. Cuando a algún músico le faltaba cachet de derechos de autor para Sadaic, lo poníamos en algún tema". En "No nos alcanzarán las mariposas" canto yo. Es una cosa rarísima, porque me obligaron a cantar por la fuerza."Rock full track con semidesarrollo" se llama así porque no lo terminamos. Cuando lo grabamos, ocupamos todos los canales de la consola y los solos que teníamos planeado meter no entraron y quedó eso que está grabado".

                                                                                                                                     Jorge Pinchevsky 


Jorge Pinchevsky: Violín, voz

Alejandro Medina: Bajo, voz

Kubero Díaz: Guitarras

Y demas integrantes de La Pesada...


01- La maravillosa Marta y la fuerza de las cosas

02- Parte de baile para grupos solistas

03- Pegado a la rumba

04- Juan Manuelito Rock

05- No nos alcanzaran las mariposas

06- Rock full-track con semidesarrollo

07- Y así van pasando los años, señora






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https://drive.google.com/file/d/15koBPDPelxwdIXspp1hk8cT9TsU92mu2/view?usp=sharing


Arco Iris - Agitor Lucens V

1974 - Agitor Lucens V 

Otra obra fundamental de este magnifico grupo y la última con la formación clásica de Tokatlian, Santaolalla, Bordarampe y Gianello. Nuevamente un doble vinilo (al igual que su trabajo anterior). Con menor, aunque no ausente contenido folklórico, igualmente nos deleitan con esas zambas y malambos electricos que saben hacer. No dejan de utilizar instrumentos regionales aunque el protagonismo de los vientos y teclados en manos de Tokatlían y la personal guitarra de Santaolalla es predominante. Impecable como siempre el trabajo de Gianello en la batería apoyado por los otros miembros en la percusión. Abordan la temática de los extraterrestres y es interesante comentar que, mientras buscaban material para la obra, surge del encuentro con Fabio Serpa, un ex actor devenido en investigador de fenómenos sobrenaturales, la realización de la musica para un audiovisual llamado "El Cosmos y el quinto Hombre". Este material se conserva grabado y nunca ha sido publicado. Para las presentaciones entablan relación con Oscar Araiz, que participará con su ballet e incluso representará la obra en París.

En las letras que se aprecian en los temas y por su portada, uno se puede dar cuenta que la historia se basa en un ser extraterrestre que visita una civilizacion indigena nativa, donde este ser, Agitor Lucens V, miembro de alguna dinastia sideral baja de su nave madre y convive con dichos nativos. Si habria que calificar este disco conceptual en tres palabras, serian: "Metafisico, Espacial y Monumental" como lo son las culturas Inca y Maya.

Luego de este álbum Santaolalla y Gianello se separan de la agrupacion, fundamentamente por diferencias en el enfoque filosófico de la comunidad. Un par de años después editarán junto a otros músicos el álbum de Soluna "Energía Natural" (publicado en el blog). Arco Iris continúaria con Ara, Bordarampe y otros musicos. 


Gustavo Santaolalla: Voz, guitarra, charango, efectos de sonido

Ara Tokatlian: Teclados, flauta, saxo tenor alto y soprano, armonica, efectos de sonido

Guillermo Bordarampe: Bajo, contrabajo, voz

Horacio Gianello: Bateria, percusion


Temas - Disco 1:

01- Intro

02- Lucero Andino

03- Vientos Celestiales

04- (A) Bas Bus - (B) Si El Señor Me Dio Estas Manos

05- Principe Del Alba

06- Las Luces Eternas


Temas - Disco 2:

01- El Regreso del Pajaro Dorado

02- La Nave Madre

03- El Arcangel Miguel

04- Agitor

05- Sendero de Marcahuasi

06- Paraiso Sideral

07- Un Tiempo y Tiempos y La Mitad De Un tiempo

08- Lucens V

09- Las Huestes de Orion

10- Salmo a Cristo 






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Aquelarre - Aquelarre

1972 - Aquelarre 

Otro álbum imprescindible de la música argentina. Este trabajo de Aquelarre es el primer eslabón discográfico de uno de los grupos mas importantes del rock progresivo en nuestro país. Fue grabado durante los primeros meses de 1972, y lanzado al mercado ese mismo año por el sello independiente Trova.

Rodolfo García (1946 - 2021) Por Siempre. 

Al poco tiempo de disuelto Almendra, dos de sus integrantes, el baterista Rodolfo García y el bajista Emilio del Guercio, empezaron a ensayar con el guitarrista Héctor Starc (ex Alta Tensión -Trieste) en los ratos libres que permitía la colimba de Emilio. Como trío se presentaron en junio en el ciclo de Música Beat, en el teatro IFT. Al poco tiempo participaron en un evento en el Parque Lezama, organizado por el Centro de Artes y Ciencias, llamado Recital de las Antorchas, que terminó con una intervención policial. En septiembre se presentaron en el teatro Margarita Xirgu bajo el nombre de Rock Experimental con músicos invitados, entre los que se contaba Hugo González Neira. A partir de ahí, Hugo pasó a integrar el grupo a cargo de los teclados. Como cuarteto sin nombre tocaron en Barock II, que Starc abrió con un intenso solo de guitarra. Su actuación los colocó en la primera plana del rock nacional, lugar que confirmaron al cerrar el año con un recital en el cine Pueyrredón de Flores junto con Spinetta, Edelmiro Molinari y Gabriela. En ese recital, el 18 de diciembre, el grupo ya se llamaba Aquelarre. "Aquelarre, su música puede ser la gran revelación, no sólo de un nuevo sonido, sino de una flamante etapa de maduración y seriedad dentro del rock argentino." (Revista Pelo, enero de 1972.)

A comienzos del año se internaron en los estudios Ion para grabar su primer álbum, que llevaría el nombre del grupo y sería editado por Trova, un sello pequeño. En sus primeras actuaciones del año, Aquelarre ya mostró algunas de las características que lo diferenciarían del resto del rock argentino. En Aquelarre el trabajo cooperativo y el cuidado de lo visual fueron siempre una marca de fábrica. Todos los temas figuraban a nombre del grupo, demostrando un trabajo en conjunto que llamaba la atención. "Aquelarre ha evitado la enfermedad característica de la mayoría de los conjuntos argentinos: el vedettismo. Nadie, dentro de este flamante cuarteto, opera en beneficio del lucimiento personal." (Jorge H_ Andrés. diario La Opinión, 22 de marzo de 1972.) Con respecto a lo visual, los trabajos de Emilio del Guercio para los afiches y programas de recitales le dieron al grupo una imagen personal desde el principio. Y el disco confirmó eso: "Párrafo aparte merece la cuidada presentación". decía el diario La Nación en junio, en el comentario.

A mediados de año, los Aquelarre se habían juntado con Litto Nebbia, Color Humano y Gabriela con la intención de crear una productora independiente, A.M.A.R., (Agrupación de Músicos Argentinos de Rock), donde trabajaban todos democráticamente para organizar recitales y manejar la prensa. Antes de fin de año, Aquelarre sacó su segundo disco, "Candiles", en el que, según la crítica, confirmaron su trabajo cuidadoso en los arreglos y la permanente ampliación de los estilos musicales que abordaban.

"Digamos la verdad: después de los surgimientos de Almendra, Manal y Arco Iris, muchos pensaron que la exploración de un sonido nacional se había acabado. Es mentira. Y hoy está la prueba: se llama Aquelarre; dos músicos que participaron del proceso gestador y otros dos más recientes. Síntesis: una nueva (extensión) posibilidad para la música popular argentina. Hay varias cosas importantes en el primer long play de Aquelarre que lo hacen destacar de casi todas las últimas ediciones de grupos locales. Pero la primera es seguramente el resultado concreto del sonido del grupo que va más allá del clavicordio eléctrico de González Neira (novedoso por cierto) y de la eventual guitarra hawaiana de Héctor Starc, ese sonido está guardado en el contexto total: no hay yeites importados, ni clichés conocidos. Todo está realmente elaborado: los sutiles coros de "Aventura en el árbol", los precisos riffs de Starc en "Movimiento", la limitada voz de Emilio del Guercio sacando matices de la imaginación, cadencias naturales de sus vecinos de ciudad.

Todo el disco respira un aire de prolijidad (por momentos excesivo seamos sinceros), pero una prolijidad no demasiado habitual dentro de la progresiva local. No por eso perdieron el alma, un toque de pasión —amor que se trasluce en las letras: desde la naturalidad de "Cantemos tu nombre" al surrealismo hermético pero filtrable de "Canto". En general la temática del álbum traspasa la barrera de la experiencia íntima, personal (muchas veces desenfocada) de los intérpretes, para ubicar el mundo de los amigos ,de la infancia, del compromiso, en definitiva de la objetiva realidad circundante de un coetáneo de hoy. Las labores individuales son difíciles de destacar o valorizar en una formación compacta como la que Aquelarre está logrando. Segura-mente llamará la atención por lo nuevo el clavicordio de González Neira (desde Ciro Fogliatta probablemente el mejor tecleador argentino), pero no es menos eficaz la feliz conbinación rítmica que por momentos logran Del Guercio y Starc, ya anticipada en las zapadas que realizaron juntos aún antes de formar Aquelarre. García es quizás el más pulcro y meticuloso de los cuatro: una batería precisa, desapercibida cuando tiene que serlo y presente con todo en los momentos de fuerza. Este disco es muy importante para la consolidación de Aquelarre como grupo y como imagen necesaria dentro del rock, pero seguramente es más importante para el movimiento en general, mucho más allá de que haya opiniones contrarias o no demasiado entusiastas; su importancia se va a comprobar con el tiempo. Así como algunos años atrás hubo grupos que señalaron un camino. Aquelarre puede llegar a hacerlo también y quizás con más claridad en un ya necesario segundo long play. Los trabajos esbozados en este primer álbum dan la sensación de que el grupo no se termina allí, o que tiene que esperar un tiempito para madurar nuevas cosas. Son seis temas y el oyente esperaría tres o cuatro más. El grupo posee un repertorio más amplio, quedó demostrado en los recitales. Pero en las grabaciones parecen crecer, multiplicarse en la creación. Quizás por el esmerado trabajo que realizaron en los estudios, meticulosidad que ya fue comentada en números anteriores. Esa técnica es probable que arrastre opiniones a enjuiciar cierta frialdad en la música que transmite el disco. Si se lo separa en porciones puramente académica es probable esa conclusión. Pero el resultado total de lo hecho, el sentimiento del long play rebasa con autenticidad esos límites. Es indudable que estamos caminando por otros caminos, que son una herencia de los errores del pasado, y un resultado del refinamiento de ciertos resortes. La confección del álbum por ejemplo (una doble tapa impresa en negro) demuestra imaginación sin efecticismo y un sentido poco usual de lo necesario sin ostentación de fotos, ni colores de super estrellas. Todo indica que estamos transitando por una nueva etapa en el rock: por los grupos, los recitales, los discos como éste. Pero eso es un reflejo de que existe una vocación general por cambiar la cosa. Ellos también lo dicen: Oigan, vayamos a luchar, la historia se murió." 

Revista Pelo - Reseña del álbum (1972)

"El primer long play me parece el más interesante de todos porque es el que más demuestra lo que era el grupo. No hay ningún instrumento que no sea los que usara la banda original, el clavicordio, guitarra, bajo y batería, inclusive hay muy pocos playbacks, lo grabamos en 4 canales y junto con la mezcla usamos en total nada más que 90 horas. Es el disco que tiene el sonido más crudo de Aquelarre." 


Hector Starc - Guitarrista de Aquelarre

Emilio del Guercio: Bajo, voz

Héctor Starc: Guitarra, voz

Hugo González Neira: Teclados (clavinet), voz

Rodolfo García: Batería, coros


01- Canto

02- Yo seré el animal, vos serás mi dueño

03- Aventura en el árbol

04- Jugador, campos para luchar

05- Cantemos tu nombre

06- Movimiento





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Blue Cheer - Vincebus Eruptum [SACD] (2017 AF ISO)

1968 - Vincebus Eruptum [SACD] (2017 AF ISO)

Vincebus Eruptum es el álbum debut de la banda de rock estadounidense Blue Cheer. Lanzado el 16 de enero de 1968, el álbum presenta un sonido de blues pesado y atronador, que más tarde se conocería como heavy metal.

Vincebus Eruptum, un éxito comercial y de crítica, alcanzó el puesto número 11 en la lista de álbumes de Billboard 200 y generó la portada número 14 de "Summertime Blues" de Eddie Cochran. Siendo un ejemplo de hard rock, también es aclamado como uno de los primeros discos de heavy metal. La revista Spin lo colocó en el número 22 en su lista de los 40 mejores álbumes de metal.

El álbum debut de Blue Cheer fue grabado en 1967 en Amigo Studios en North Hollywood, California. En una entrevista, el líder Dickie Peterson explicó que "Algunas canciones que escribí han tardado 20 años en completarse. Y hay otras canciones como 'Doctor Please' o 'Fuera de foco' que escribí en diez minutos ".

En "Doctor Please" en particular, Peterson explicó que "cuando escribí la canción (en 1967), era una glorificación de las drogas. Estaba pasando por muchas preguntas de '¿Debo tomar este medicamento o no debo tomar este medicamento? Bla, bla, bla.' Hubo mucho examen de conciencia en el momento en que escribí esa canción, y de hecho decidí tomarla. De eso se trataba esa canción y de eso es sobre lo que la canté, una especie de himno de drogas para mí ". En la portada de "Summertime Blues" de Eddie Cochran, Peterson señaló que "Seguimos cambiándolo y agregando / quitando bits. También tiene que ver con grandes dosis de LSD".

Side one

1. "Summertime Blues" Eddie Cochran, Jerry Capehart 3:47

2. "Rock Me Baby" B.B. King, Joe Josea 4:22

3. "Doctor Please" Dickie Peterson 7:53

Side two

4. "Out of Focus" Peterson 3:58

5. "Parchment Farm" Mose Allison 5:49

6. "Second Time Around" Peterson 6:17


Dickie Peterson – vocals, bass

Leigh Stephens – guitar

Paul Whaley – drums








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Focus - In And Out Of Focus

1970 - In And Out Of Focus 

Este es el rock progresivo holandés. Los teclados son básicos: sobre todo órgano y piano. Algunas canciones son más pegadizas y accesibles con muy buenas voces principales y de acompañamiento ("Black Beauty", "Sugar Island"). Otras canciones son más instrumentales, con toneladas de batería y flauta a través de ritmos rápidos de bajo y guitarra eléctrica. Por ejemplo, "House of the King" tiene una flauta melódica que se roba el show frente a patrones rítmicos (es similar al JETHRO TULL de los 70's). El FOCUS instrumental está lleno de buen piano, órgano, tambores elaborados y notas altas de guitarra eléctrica que son incluso un poco románticas y cambiantes de ritmo.


1. Focus (instrumental) (9:45)

2. Why Dream? (3:57)

3. Happy Nightmare (Mescaline) (3:56)

4. Anonymus (7:00)

5. Black Beauty (3:05)

6. Sugar Island (3:03)

7. Focus (vocal) (2:44)


- Thijs van Leer / vocals, organ, flutes (not confirmed: piano, electric piano, Mellotron, harpsichord, vibes, trumpet)

- Jan Akkerman / electric & acoustic guitars

- Martijn Dresden / bass, vocals 

- Hans Cleuver / drums, vocals








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Tangerine Dream - Ricochet [SACD]

1975 - Ricochet [SACD] (2015 SHM-SACD ISO)

Sí, en mi humilde opinión, este es el mejor lanzamiento de álbum en vivo junto a Second's Out de Genesis y Yessongs del ilustre Yes. Ricochet se compone de dos partes, una y dos. Realmente es así de simple. La diferencia es que uno está inmerso en temas como Chopin, esplendor clásico y rock progresivo como insinuaciones. Esto no es mentira, recuerdo haberle jugado esto a mi abuelo (un clásico fanático de la cabeza) en 1978 y, para mi mayor incredulidad, reconoció que TD era creíble. Quizás aludió al hecho de que las personas de mente estrecha siempre salen perdiendo, especialmente en las culturas musicales modernas, pero también lo que reveló fue que incluso las mentes más inflexibles pueden ser conquistadas de vez en cuando. Ricochet lo hace y continuará haciéndolo durante muchos años ....... arrojar a la gente.


1. Ricochet Pt. 1 (17:03)

2. Ricochet Pt. 2 (21:11)


- Edgar Froese / synthesizer, bass, guitar, keyboards, composer

- Peter Bauman / keyboards, drums

- Christoph Franke / keyboards












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Supertramp - Even In The Quietest Moments (VINYL RIP 32 196)

1977 - Even In The Quietest Moments 

Even in the Quietest Moments ... es el quinto álbum de la banda de rock inglesa Supertramp, lanzado en abril de 1977. Fue grabado principalmente en Caribou Ranch Studios en Colorado con overdubs, voces y mezclas completadas en The Record Plant en Los Ángeles. Este fue el primer álbum de Supertramp que utilizó al ingeniero Peter Henderson, quien también trabajaría con la banda en sus próximos tres álbumes.

Incluso en los momentos más tranquilos ... alcanzó el número 16 en la lista de álbumes pop de Billboard en 1977 y, a los pocos meses de su lanzamiento, se convirtió en el primer álbum vendido de oro (500.000 copias o más) de Supertramp en los Estados Unidos. Además, "Give a Little Bit" se convirtió en un sencillo Top 20 de EE. UU. Y alcanzó el número 29 en la lista de sencillos del Reino Unido. Si bien "Give a Little Bit" fue el gran éxito, tanto "Fool's Overture" como la canción principal también obtuvieron una justa cantidad de reproducción de rock de álbum de FM.

En 1978, Even in the Quietest Moments ... ocupó el puesto 63 en The World Critic Lists, que reconoció los 200 mejores álbumes de todos los tiempos votados por notables críticos de rock y DJ.

Side one

1. "Give a Little Bit" Roger Hodgson 4:08

2. "Lover Boy" Rick Davies 6:49

3. "Even in the Quietest Moments" Hodgson 6:26

4. "Downstream" Davies 4:00

Side two

1. "Babaji" Hodgson 4:51

2. "From Now On" Davies 6:21

3. "Fool's Overture" Hodgson 10:52


Roger Hodgson – vocals, keyboards and guitars

Rick Davies – vocals and keyboards

Dougie Thomson – bass

John Helliwell – wind instruments and vocals

Bob Siebenberg (credited as Bob C. Benberg) – drums and percussion





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Bad Company - Burnin' Sky (ILS-80785, Japan)

1977 - Burnin' Sky (ILS-80785, Japan)

Burnin 'Sky es el cuarto álbum de estudio de la banda de rock inglesa Bad Company. Fue lanzado el 3 de marzo de 1977, Burning Sky se grabó en Francia en el Château d'Hérouville en julio y agosto de 1976 con el futuro ingeniero de los Rolling Stones, Chris Kimsey, pero su lanzamiento se retrasó hasta marzo de 1977 para no competir con la banda de entonces. -Album actual Run with the Pack.

El álbum alcanzó el puesto 15 en el Billboard 200 y el 17 en la lista de álbumes del Reino Unido. El álbum fue remasterizado y relanzado en 1994. La portada es similar al póster de la película de Sam Peckinpah de 1969 The Wild Bunch. En la película de 2000 Almost Famous, la primera camiseta de la banda ficticia Stillwater es sorprendentemente similar a la portada del álbum Burnin 'Sky.


1. "Burnin' Sky" 5:09

2. "Morning Sun" 4:07

3. "Leaving You" 3:23

4. "Like Water" Paul Rodgers, Machiko Shimizu 4:18

5. "Knapsack" Friedrich-Wilhelm Möller, Antonia Ridge 1:20

6. "Everything I Need" Paul Rodgers, Mick Ralphs, Simon Kirke, Boz Burrell 3:22


7. "Heartbeat" 2:36

8. "Peace of Mind" Simon Kirke 3:22

9. "Passing Time" 2:30

10. "Too Bad" Mick Ralphs 3:47

11. "Man Needs Woman" Mick Ralphs 3:43

12. "Master of Ceremony" Paul Rodgers, Mick Ralphs, Simon Kirke, Boz Burrell 7:10

 

Paul Rodgers – vocals, guitar, piano, accordion

Mick Ralphs – guitar, keyboards

Simon Kirke – drums

Boz Burrell – bass


Mel Collins – saxophone, flute

Tim Hinkley – keyboards












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