sábado, 9 de octubre de 2021

Pescado Rabioso - Artaud

1973 - Artaud  (Vinilo FLAC 24 Bits )

Artaud es el tercer álbum de estudio de Pescado Rabioso y el segundo como solista del músico de rock argentino Luis Alberto Spinetta, lanzado en 1973. El disco fue acreditado a Pescado Rabioso por razones complejas, pero fue elaborado y grabado por Luis Alberto Spinetta como solista, quien a su vez recurrió a la colaboración de su hermano Gustavo Spinetta, Rodolfo García y Emilio del Guercio, estos dos últimos excompañeros de Spinetta en la banda Almendra.

El título del álbum hace referencia al poeta francés y creador del Teatro de la crueldad, Antonin Artaud, a quién está dedicado. El concepto del disco está influido por su vida y obra, y expresa la reacción de Spinetta ante la misma.

Se trata de una de las obras culminantes de la música latinoamericana, considerada en reiteradas oportunidades, no solo como el mejor disco de Spinetta, sino también del rock argentino.

El tema "Cantata de puentes amarillos" fue incluida en la posición n.º 16 entre las 100 mejores de la historia del rock argentino, en la encuesta realizada por el sitio rock.com.ar.​ Las canciones "Bajan", "Por",​ "Todas las hojas son del viento",​ y "Cementerio Club",7​ también han sido destacadas entre las 10 mejores del músico.

En 2009, Spinetta eligió dos temas del álbum, "Bajan" y "Cementerio Club", para incluirlos en el recital histórico Spinetta y las Bandas Eternas, en el que repasó toda su obra.

Todas las canciones escritas y compuestas por Luis Alberto Spinetta.

«Todas las hojas son del viento» 2:12

«Cementerio Club» 4:55

«Por» 1:45

«Superchería» 4:21

«La sed verdadera» 3:32

«Cantata de puentes amarillos» 9:12

«Bajan» 3:26

«A Starosta, el idiota» 3:15

«Las habladurías del mundo» 4:03


Luis Alberto Spinetta: Guitarras, maracas, platillos, piano y voz.

Carlos Gustavo Spinetta: Batería en Cementerio Club y Bajan.

Rodolfo García: Batería, cencerro y coros en Superchería y Las habladurías del mundo.

Emilio del Guercio: Bajo y coros en Bajan, Cementerio Club, Superchería y Las habladurías del mundo.






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https://drive.google.com/file/d/16hr1bQvGd3lDXXn0iS5hFajm-JNEghej/view?usp=sharing

Nito Mestre y Los Desconocidos de Siempre - Volumen I

 1977 - Nito Mestre y Los Desconocidos de Siempre - Volumen I 

Nito Mestre y Los Desconocidos de Siempre fue una banda argentina de folk rock formada en 1976. Liderada por Nito Mestre tras la separación de su anterior grupo (Sui Generis), la banda se afirmó rápidamente como uno de los números principales del rock argentino de la era dictatorial, y cumplió destacadas actuaciones hasta su disolución en 1980. Su clásica canción "Fabricante de mentiras" (1977) ha sido considerada como la Nº 65 entre "las 100 mejores canciones de la historia del rock argentino" por el sitio web rock.com.ar.

Inmediatamente después de la disolución en 1976 de Sui Generis (el exitoso grupo que formó con Charly García), Nito Mestre formó una nueva banda con varios músicos con los que tenía cercano contacto. La primera vez que se presentaron en vivo se hicieron llamar Nito Mestre y Amigos, pero luego María Rosa Yorio (esposa de Charly García) le dio a la banda su nombre definitivo: Nito Mestre y Los Desconocidos de Siempre.

En cierto modo la banda fue una sucesora espiritual de Los Gatos (banda pionera del beat contestatario y contracultural en Argentina, que dio inicio a una nueva etapa en la historia del rock argentino con su mega-exitoso sencillo La balsa), contaba con dos exintegrantes de Los Gatos: el tecladista Ciro Fogliatta y el bajista Alfredo Toth.

La banda cambió varios tecladistas (Calo, Lerner, Zvetelman) hasta que permaneció estable Ciro Fogliatta. el ex-Los Gatos. María Rosa Yorio había sido corista de Sui Generis y se consagró con PorSuiGieco (1974-1976).

Desarrollaron un estilo folk, similar al de Sui Generis, liderando el panorama musical local al lanzar su primer disco. Llegaron a ser la banda más popular del momento. Históricamente les tocó actuar en uno de los momentos más trágicos y oscurantistas de la historia argentina, correspondiente a la dictadura militar autodenominada Proceso de Reorganización Nacional (1976-1983).


Nito Mestre (guitarra y voz)

Alfredo Toth (bajo y voz)

Ciro Fogliatta (teclados)

Juan Carlos "Mono" Fontana (batería y teclados)

María Rosa Yorio (voz)

Rodolfo Gorosito (guitarra)

Nito Mestre y los Desconocidos de Siempre I (1977)


Lado A

«Y las aves vuelan» Nito Mestre/León Gieco 4:21

«El tiempo para descubrir el mal» Nito Mestre 3:55

«Tema de Goro» Rodolfo Gorosito 6:13

«Juego de voces» (Instrumental) Nito Mestre 4:11

Lado B

«Mientras no tenga miedo de hablar» Nito Mestre/María Rosa Yorio 3:05

«Fabricante de mentiras» Charly García 5:14

«Los días de marzo» Nito Mestre/Leo Sujatovich 3:22

«Finalmente nos dejaron esperando» Nito Mestre 5:49




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Invisible - Invisible

 1974 - Invisible - Invisible (Vinilo FLAC_24 Bits)

Invisible, de 1974, es el primer álbum de estudio de la banda de rock argentina Invisible y el séptimo en el que tiene participación decisiva Luis Alberto Spinetta. La banda, integrada por el propio Spinetta (voz y guitarra), Pomo Lorenzo (batería) y Machi Rufino (bajo), se había propuesto realizar un sonido diferente del que predominaba en el rock nacional e internacional en aquel momento, tocando sin distorsión y buscando un sonido más claro y aleatorio.

El arte de tapa, al igual que las ilustraciones que acompañan las letras de los temas en el sobre interior, son dibujos del artista plástico holandés M.C. Escher, en cuya obra Spinetta encontró inspiración,3​ así como en las culturas indígenas originarias.

En la primera edición en vinilo de 1974, el álbum se organizó como un álbum doble, integrado por un LP y un simple titulado La llave del mandala. El sobre traía ambos discos y tenía todas las letras del álbum y del simple, cada una de ellas encabezada por una imagen, cuatro de ellas obras de Escher. La reedición del álbum en 1985, prescindió tanto del simple adicional, como de las letras de ambos temas en la contratapa. La reedición del álbum en CD, en la década de 1990, incluyó los dos temas del simple, como bonus tracks, junto a los otros dos simples editados por la banda.

Ha sido incluido en la posición #65 entre los 100 mejores álbumes del rock argentino por la revista Rolling Stone. Notablemente ninguno de sus temas figuran en las listas de las mejores canciones de Spinetta.

En el mega recital Spinetta y las Bandas Eternas organizado por Luis Alberto Spinetta en 2009 para celebrar sus 40 años en la música, Spinetta interpretó dos temas del álbum, "Jugo de lúcuma" y "Lo que nos ocupa es esa abuela, la conciencia que regula el mundo", este último del simple anexo.

Fue grabado en Estudios Phonalex en abril del año 1974. El álbum era presentado en un espectáculo audiovisual, que incluía películas y actuaciones dramáticas.

Lado A

Jugo de lúcuma (4:29)

El diluvio y la pasajera (8:46)

Suspensión (5:42)

Lado B

Tema de Elmo Lesto (2:24)

Azafata del tren fantasma (8:21)

Irregular (7:37)


Machi (Carlos Rufino): Bajo y voz.

Pomo (Héctor Lorenzo): Batería y percusión.

Luis Alberto Spinetta: Primera voz y Guitarras.








enlaces

https://drive.google.com/file/d/1Aj03rtVqkI14b9e8KX0vPBOFaEp26iLy/view?usp=sharing

El Reloj - El Reloj II

1976 - El Reloj II

Esta banda fundamental del heavy-rock de nuestro pais fue creada en 1971 con marcadas influencias de Deep Purple. Debutaron en el cine Monumental y por sus filas pasaron varios guitarristas invitados: Osvaldo Frascino, Osvaldo Blanco y Carlos Mira. La formación original de la banda estaba integrada por Luis Valenti (teclados y voz), Willy Gardi (guitarras), Osvaldo Zabala (guitarras), Eduardo Freza (bajo) y Juan Espósito (batería).

En 1973 grabaron el primer simple: "El mandato" / "Vuelve el día a reinar", con el cual lograron vender 30.000 unidades. Continuaron presentándose en pubs y reingresaron a los estudios para el segundo simple ("Alguien más en quien confiar" / "Blues del atardecer"), que vendió 100.000 copias. El primer LP (publicado en el blog), se grabó en 1974.

En 1976, se editan los simples "El hombre y el perro / Camino al estucofen"; y "Al borde del abismo / Harto y confundido"; Omar Díaz se incorpora en guitarra por un breve periodo y posteriormente se edita su segundo disco El Reloj II, con la participación de Carlos Mira en guitarra, siendo este un trabajo más sinfónico, lo cual incrementa la popularidad de la banda, reflejo de esto fueron los dos Estadio Luna Park llenos y las extensas giras por el interior del país.

Los conflictos internos por diferencias personales y musicales ya eran evidentes en ese momento pero por cuestiones contractuales recién se separan en febrero de 1977, luego de la edición de este segundo trabajo.

En 1983 Willy Gardi decidió reflotar el nombre El Reloj para editar un nuevo trabajo, "La esencia es la misma"(disco publicado en el blog), aunque con una nueva formación. Gardi falleceria en un accidente automivilístico, en 1995, luego de la edición del album "Santos y verdugos". Actualmente El Reloj continúa presentándose en escenarios de todo el país.

Willy Gardi: Guitarra líder, voz (QEPD)

Luis Alberto Valenti: Teclados, voz

Eduardo Frezza: Bajo, voz

Osvaldo Zabala: Segunda guitarra

Juan Esposito: Batería, voz  (QEPD)


01- El hombre y el perro

02- Camino al estucofen

03- Al borde del abismo

04- Tema triste

05- La ciudad desconocida

06- Aquel triangulo

07- Harto y confundido

08- Tema de todas las épocas

09- Aquella dulce victoria

10- Egolatría





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Crucis - Los Delirios Del Mariscal

1977 - Los Delirios Del Mariscal (Vinilo FLAC-24 Bits)

Los Delirios del Mariscal es el segundo álbum de la banda argentina de rock progresivo Crucis. Con un bellísimo trabajo de arte para su portada realizado por Juan Orestes Gatti, autor de varias de las tapas de álbumes más destacadas del rock argentino. Fue mezclado en Nueva York y lanzado en el año 1977. La presentación de este material tuvo lugar en el Luna Park. La entonces importantísima revista Pelo llegó a sacar un transfer cómo se decía entonces con la portada. Realizaron una gira por Estados Unidos, donde impresionaron por el virtuosismo de algunos temas. Poco después del regreso se dio a conocer, imprevistamente, la decisión de separarse.

El álbum ha sido considerado por la revista Rolling Stone y la cadena MTV como el #76 entre los cien mejores discos de la historia del rock argentino.1​ Mientras que la canción homónima fue considerada por la página Rock.com.ar como la 67° mejor canción del rock argentino de la lista de Las 100 de los 402​ en 2007.

"Despojados de algunas notorias influencias contenidas en su primer álbum, Crucis ha crecido con este segundo trabajo a un espacio realmente emocionante. Muchos, quizás. aún estén haciéndose la pregunta: ¿cómo. casi de la nada y de repente. puede surgir un grupo con tan buena música e instrumentos de alto nivel?. Si en un principio asombraban la velocidad e imaginación del guitarrista Pino Marrone y la vehemencia del batero Gonzalo Farrugia, ahora también resaltan los teclados de Kerpel y el trabajo en el bajo de Gustavo Montesano. Plenas de vigor, las escalas de Crucis son de una solidez nunca oída en el rock del sur. Pero, de pronto, hay también melodías sugeridas detrás de la historia rítmica, y grandes momentos —casi explosivos— donde se nota la expresión pletórica, la gracia y la diversión del encuentro del sendero. Este álbum debería haber tenido otro nombre. Quizás algo así como "En la Argentina hay energía y alegría. si queremos". Pino Marrone es quizás el que lleva adelante la alegria sin doble faz, porque, aparte de ser uno de los más limpios digitadores, toca para afuera, brinda todo. Sin duda, de los cuatro temas del álbum, la composición más lograda es "Los delirios del mariscal", una obra que ya se introduce en el terreno aún fronterizo de la música rockafónica. La faz técnica, felizmente, ha estado a la altura de la proposición de la obra. No sólo por el ya famoso corte de Jack Adams, en Criteria de Miami, sino también por el sonido del grupo logrado en estudios argentinos.

Tapa: Una de las tres me-jores que se hicieron en el rock argentino: pertenece a Juan Gatti.

Síntesis: Para muchos este álbum será el más logrado de todos los editados en la Argentina en los últimos tiempos. Pero quizás dé para más: algo de lo mejor que se ha grabado desde 1968 a hoy." 

Revista Pelo - Critica del album (1977)

«No me separen de mí» Gustavo Montesano 6:10

«Los Delirios del Mariscal» (Instrumental) Aníbal Kerpel 10:08

«Pollo Frito» (Instrumental) Pino Marrone 05:46

«Abismo Terrenal» (Instrumental) Gustavo Montesano, Aníbal Kerpel, Gonzalo Farrugia, Pino Marrone 12:33


Gustavo Montesano: bajo y voz.

Pino Marrone: guitarra eléctrica.

Aníbal Kerpel: piano, piano eléctrico, sintetizador Moog, melotrón y órgano Hammond.

Gonzalo Farrugia: batería y percusión.





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Ce-Ce Cutaia - Rota Tierra Rota

1979 - Rota Tierra Rota 

Carlos Miguel Cutaia (Buenos Aires, 4 de noviembre de 1941) es un músico argentino conocido por haber sido tecladista de Pescado Rabioso y La Máquina de Hacer Pájaros. Compuso diversas bandas sonoras para espectáculos de danza y teatro.

Junto a Miguel Abuelo y Pomo Lorenzo formó El Huevo, un trío de rock-fusión. En 1972 fue convocado a participar de la banda Pescado Rabioso fundada por Luis Alberto Spinetta en la que tocaba el órgano Hammond y el piano. Luego de que el grupo se separó, en 1976 lo llamaron para tocar en el proyecto sinfónico de Charly García, La Máquina de Hacer Pájaros.

En 1979 fundó, con su esposa, Carola el dúo Ce.Ce.Cutaia. Juntos grabaron Rota tierra rota.

Su primer disco solista lo grabó en 1983 Ciudad de tonos lejanos, junto a Oscar Moro. En 1985 grabó su segundo disco solista Carlos Cutaia Orquesta junto con Daniel Melero y Alejandro Oucinde. Dirigió la comedia musical Chicago en Santiago de Chile, compuso la ópera rock Romeo y Julieta (estrenada en el Teatro Coliseo de Buenos Aires). Integró la banda de músicos de dicha performance junto a Ricardo Lew, Fats Fernández, Jorge Navarro, Aquiles Roggero, Hugo Pierre, Osvaldo Fattoruso, Ricardo Sanz y Oscar Tissera, editado en 1983, para luego formar una productora de música publicitaria. Realizó los arreglos para la Sinfónica Nacional para la presentación junto a Memphis La Blusera en la grabación del disco En vivo en el Teatro Colón (2004).

Con Daniel Pipi Piazzolla en batería, Ezequiel Cutaia en contrabajo y Liliana Barrios en voz, grabó Para la guerra del tango (2004), trabajo por el cual recibió el Premio Carlos Gardel 2005 en la categoría «Tango - Nuevas formas». Una propuesta donde compone con una intención tanguera, incorporando libremente influencias de otros géneros musicales como el jazz, clásica contemporánea y el rock.

En el 2005 lanzó Sensación melancólica, acompañado por su hijo Ezequiel en contrabajo, Pipi Piazzolla en batería, Alejandro Guerschberg en bandoneón, Luis Roggero en violín y Liliana Barrios en voz, con la participación de Daniel Melingo en voz y Néstor Marconi en bandoneón.

"Hace algunos años atrás, Carola Cutaia hacía su debut dis-cográfico con el álbum "Damas negras", y se convertía en la segunda mujer que se aventuraba en el rock argentino. En aquella oportunidad tuvo el acompañamiento de músicos de primer nivel, entre los que se encontraba su marido, Carlos Cutaía. Pasó el tiempo, y Carola y Carlos atravesaron diferentes experiencias artísticas, algunas relacionadas con la música y otras no. En ese lapso, tanto uno como el otro intentaron desarrollar su proyecto personal, aunque no siempre consiguieron sus objetivos. De los dos, Carlos fue el que aunque siempre participando en grupos ajenos, consiguió experimentar su música. Finalmente, ambos decidieron reunirse bajo un nombre y un proyecto común: C. C. Cutaia (como se llamó originalmente). Con mucha tranquilidad grabaron este primer álbum. Relax, eso es lo primero que transmite "Rota tierra rota". Un tempo justo en cada canción, dado por el brillante trabajo en los teclados de Carlos Cutaia, perfectamente secundado por Julio Presas (guitarra), Ricardo Sanz (bajo) y Carlos Riganti (batería). Todos hicieron un aporte completo a la música de los Cutaia, tal vez porque aunque no son demasiado conocidos resultan brillantes en sus instrumentos. Ricardo Sanz es el único bajista en estos momentos capaz de sacar un sonido funk y hasta disco de su bajo. Carlos Riganti es un estupendo baterista que ya había demostrado su nivel con Raúl Porcehtto. Carola es una especie de Kate Bush autóctona, que canta con una voz muy aguda y de inflexiones desgarrantes. Aunque progresó bastante desde la época de "Damas negras", aún no logró hacer brotar los matices que pueden hacer de ella una cantante de excepción. Por eso se destaca cuando el tema se amolda a su estilo, pero tambalea cuando debe seguir ella los lineamientos de la canción. Carlos Cutaia es un músico experimentado, técnico y de buen gusto. Su manera de instrumentar las canciones está directamente emparentada con las corrientes y variantes de la música de fusión, como el funk y el jazz-rock. "Rota tierra rota" tiene algunos de los vicios y las virtudes que aquejaron al rock nacional en estos últimos tiempos. Representa claramente el amplio espectro musical que influyó en los músicos en estos dos últimos años, y al que Cutaia no pudo escapar. Los Cutaia hicieron un disco interesante que no tiene momentos de excepción, pero es bastante parejo. Ambos tienen las cualidades musicales como para poder seguir avanzando y hacer la música que ambicionan". 

Revista Pelo - Reseña del álbum (1979)


Carola: Voz

Carlos Cutaia: Teclados

Carlos Riganti: Bateria

Julia Telechea: Coros

Julio Presas: Guitarras

Ricardo Sanz: Bajo


1. Rota tierra rota

2. Rosa diamante

3. Un viaje fuere de aqui

4. Nena miel

5. Luna cruel

6. Heroina del azar

7. La gente quiere saber

8. El dragon y la princesa





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Alas - Pinta tu aldea

1977 - Pinta tu aldea

Pinta tu aldea es el segundo disco de la banda argentina Alas formada por Gustavo Moretto en teclados, Carlos Riganti en batería y Pedro Aznar en bajo y guitarra,y en reemplazo del exmiembro Alex Zucker.1​ Grabado en 1977, el álbum recién salió a la venta en 1983, cuando la banda llevaba ya cinco años separada.  El álbum se caracterizó por su orientación hacia géneros como el jazz y el tango mezclado con el rock progresivo.


"A quiénes sino" - 9:54

"Pinta tu aldea" - 10:12

"La caza del mosquito" - 7:04

"Silencio de aguas profundas - 13:31


Pedro Aznar: bajo, guitarra.

Carlos Riganti: batería y percusión.

Gustavo Moretto: teclados, trompeta y voz


Cecilia Tanconi: flauta

Daniel Binelli: bandoneón

Néstor Marconi: bandoneón








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Renaissance – Turn Of The Cards (Vinyl Rip 24-96)

1974 – Turn Of The Cards (2015) (Vinyl Rip 24-96)

Turn of the Cards es el quinto álbum de estudio de la banda inglesa de rock progresivo Renaissance , lanzado en 1974. Fue el último álbum de estudio de Renaissance que incluyó extractos de piezas clásicas existentes. 

En el Reino Unido, este fue el primer lanzamiento (BTM 1000) del incipiente sello de Miles Copeland , BTM Records (British Talent Managers). En 1977, después de lanzar un total de 10 álbumes, incluidos 2 más de Renaissance (BTM 1006: Scheherazade and Other Stories , y el LP doble, BTM 2001, Live at Carnegie Hall ), el sello se retiró debido a la quiebra. 

La imagen de la portada muestra el castillo de Warwick . Las primeras ediciones de BTM UK tenían una contraportada alternativa, con un retrato de primer plano de Annie Haslam enmarcado en una de las "tarjetas". Se agregaron impresiones posteriores, y en los EE. UU., Una imagen bastante sosa consistente en estilo y tamaño con los retratos de los otros miembros.

"Things I Don't Understand" fue la última contribución del miembro fundador Jim McCarty a la banda. "Running Hard" cita una frase melódica utilizada por primera vez en "Mr. Pine" del álbum Illusion , así como la pieza "Litanies" del compositor francés Jehan Alain . La música de "Cold Is Being" está tomada en su totalidad de " Adagio in G minor " (atribuida a Tomaso Albinoni , pero en realidad compuesta por Remo Giazotto ) y, contrariamente a los créditos del álbum, no fue compuesta por Michael Dunford; fue, sin embargo, acreditado en las notas traseras ("Gracias a Jehan Alain por la pieza inicial de RUNNING HARD y Albinoni por COLD IS BEING"). Jon Camp cita a "Madre Rusia" como un caso en el que hizo importantes contribuciones compositivas sin que se le reconozca el mérito de ellas. 

Algunos créditos del álbum original fueron luego inexplicablemente recortados: "Muchas gracias a Miles Copeland, Julian, Shirley" había leído originalmente, "Muchas gracias a Miles Copeland, Julian, Shirley, Richard y Natalie Halem".

Side one

1. "Running Hard" Dunford, Thatcher[nb 1] 9:36

2. "I Think of You" 3:08

3. "Things I Don't Understand" Dunford, Jim McCarty 9:28

Side two

4. "Black Flame" 6:25

5. "Cold Is Being" Dunford, Thatcher[nb 2] 3:02

6. "Mother Russia" 9:18


Annie Haslam – lead and backing vocals

Michael Dunford – acoustic guitar, backing vocals

Jon Camp (listed as "John Camp") – bass, co-lead vocals on track 3, backing vocals

John Tout – keyboards, backing vocals

Terence Sullivan – drums, backing vocals, percussion

Jimmy Horowitz – orchestral arrangements




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Rare Bird - Attention! Rare Bird! (Vinyl Rip 24-48)

1974 - Attention! Rare Bird! (Vinyl Rip 24-48)

Rare Bird fue una banda inglesa de rock progresivo , formada en 1969. Tuvieron más éxito en otros países europeos . Lanzaron cinco álbumes de estudio entre 1969 y 1974. En el Reino Unido, nunca llegaron a las listas con un álbum, sino que lo hicieron con un sencillo, la pista de órgano " Sympathy ", que alcanzó el puesto 27. Vendió un millón de copias en todo el mundo.

Steve Gould (b. Stephen Burt Gould, 25 March 1950, Battersea, South London) - lead vocals & bass, rhythm guitar

David Kaffinetti (b. David Franklyn Ewer, 17 April 1946, Folkestone, Kent) - pianos & assorted keyboards

Graham Field (b. Graham Frederick Stansfield, 3 May 1940, Beaminster, West Dorset; d. 13 April 2018) - organ & assorted keyboards

Mark Ashton (b. Mark Ian McVey, 23 June 1949, Herne Bay, Kent) - drums & backing vocals


A1 Sympathy 2:30

A2 Down On The Floor 2:35

A3 Nature Fruits 2:32

A4 As Your Mind Flies By 9:48

B1 What You Want To Know 5:54

B2 Bird On A Wing 4:13

B3 Hammerhead 3:29

B4 Times 4:00







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King Crimson - Red (Vinyl Rip 24-96)

 1974 (2013) Red (Vinyl Rip 24-96)

Red es el séptimo álbum de estudio de la banda inglesa de rock progresivo King Crimson . Fue lanzado el 6 de octubre de 1974 a través de Island Records en el Reino Unido y Atlantic Records en Norteamérica y Japón. El álbum fue grabado en los Olympic Studios de Londres en julio y agosto de 1974, y fue producido por la propia banda. El tema "Providence" fue una improvisación libre grabada en su concierto del 30 de junio de 1974 en el Palace Theatre de la ciudad del mismo nombre . Partes de algunas de las piezas fueron concebidas durante improvisaciones previas realizadas por la banda en vivo. " Sin estrellas"se consideró originalmente para su álbum anterior, Starless and Bible Black (1974), pero se consideró incompleto en ese momento. La versión extensa incluida en este álbum se refinó y se realizó durante los conciertos a lo largo de 1974.

Red es un álbum de rock progresivo con un sonido notablemente más pesado que sus álbumes anteriores; Posteriormente, Q lo llamó uno de los 50 "álbumes más pesados ​​de todos los tiempos" . Esto se logró con las actuaciones de solo tres miembros de la banda: el guitarrista Robert Fripp , el bajista y vocalista John Wetton y el baterista Bill Bruford . El sonido denso del álbum fue creado mediante el uso de capas significativas, múltiples sobregrabaciones de guitarra y apariciones especiales de músicos como el miembro fundador de King Crimson, Ian McDonald , el oboísta clásico Robin Miller y el trompetista de jazz inglés Marc Charig .

Aproximadamente dos semanas antes del lanzamiento de Red , King Crimson se disolvió. El álbum resultó ser su álbum más bajo en ese momento, pasando solo una semana en la lista de álbumes del Reino Unido en el n. ° 45 y en el Billboard 200 de los EE. UU . En el n. ° 66. Sin embargo, fue bien recibido entre los fanáticos y críticos. Ha recibido más elogios retrospectivamente, siendo reconocido como uno de los mejores trabajos de la banda, y ha sido reeditado muchas veces.

Cerca de la conclusión de la gira de King Crimson por Estados Unidos y Canadá en 1974, se tomó la decisión de pedirle a David Cross que dejara la banda. EG , la gerencia de la banda, instó a Fripp a que no le dijera a Cross hasta después de la fecha final de la gira, pero no podría hacerlo de todos modos ya que Fripp no ​​regresaría de los Estados Unidos hasta después de que Cross regresara a Europa . Fripp llegó a un acuerdo con la gerencia de EG de que le dirían a Cross, "con la condición de que le dijeran a [Cross] que yo me oponía a no decírselo personalmente". A pesar de llegar a este acuerdo, EG no se lo dijo a Cross hasta el día antes de que comenzara la grabación de Red . [1]En su lugar, la banda trajo de regreso a varios colaboradores de álbumes pasados: Robin Miller en oboe , Marc Charig en cornet , los ex miembros de King Crimson Ian McDonald y Mel Collins en saxofones , así como un violonchelista y bajista acústico no acreditado . 

Red ve a King Crimson seguir la dirección establecida por sus dos álbumes anteriores, Larks 'Tongues in Aspic y Starless y Bible Black , pero en contraste con esos álbumes, Red presenta una producción más en capas con múltiples sobregrabaciones , así como el regreso del anterior. instrumentación de los jugadores invitados. El tono más pesado del rojo se debió en gran parte a la influencia de la sección rítmica , Wetton y Bruford, a quienes Fripp se ha referido como "una pared de ladrillos voladores". Durante la grabación del álbum, Fripp tomó un "asiento trasero" al tomar decisiones importantes.  Había decidido tomar "un año sabático ... en Bennett ' y le ofreció la idea de que McDonald se reincorporara a la banda en su ausencia a EG. Cuando esta idea se encontró con falta de interés, Fripp disolvió abruptamente King Crimson el 24 de septiembre de 1974, y Red fue liberada dos semanas después. 

Gran parte del material de Red tiene su origen en la improvisación. Los motivos que eventualmente se usarían para "Fallen Angel" fueron interpretados por primera vez por Robert Fripp en 1972, como parte de improvisaciones realizadas con la formación del quinteto que grabaría Larks 'Tongues In Aspic . Estas improvisaciones están documentadas como "Fallen Angel" y "Fallen Angel Hullabaloo" en Larks 'Tongues en Aspic: The Complete Recordings , así como lanzamientos independientes de sus respectivos conciertos. La distintiva introducción a "One More Red Nightmare" también fue implementada por John Wetton y Robert Fripp en varias improvisaciones a lo largo de 1974, que se pueden escuchar en Starless (box set) y The Road to Red.conjuntos de caja. Una actuación notable que incluye esta introducción se titula "The Golden Walnut". Por último, "Providence" en sí fue una improvisación, tomada del show del grupo el 30 de junio en Providence, Rhode Island . Se incluyó en su forma sin cortes como parte de varios sets en vivo, como The Great Deceiver , así como la edición del 40 aniversario de Red .

"Red" fue compuesta únicamente por Robert Fripp. En un análisis de la pieza de Andrew Keeling , describe "Red" como "una pieza instrumental anotada para guitarra eléctrica (multipista en tres capas), bajo y batería", así como "una de las piezas más musculosas de Robert Fripp, en particular, el despliegue de cuerdas abiertas y bajos y batería fuertemente atacados y sincopados ". En un diario en línea de 2012, Robert Fripp habla sobre el desarrollo de "Red": "Un motivo; movido de [la pieza que falta]" Blue "a" Red ": el tema de apertura y cierre de" Red "en sí . La figura contundente e implacable que la sigue, y la figura del medio tocada por los bajos, no fueron suficientes para una pieza completa ".Larks 'Tongues in Aspic: The Complete Recordings box set, dice: "Después de que acabáramos de grabar la pista" Red "en [Olympic Studios] ... la reproducimos y Bill dijo:' No lo entiendo, pero si me dices que es bueno, confío en ti '. ... Dije: 'No tenemos que usarlo'. John no tenía ninguna duda: 'Lo usaremos' ". Una variación no utilizada de la sección central de la canción surgiría más tarde en 1983, durante los ensayos de escritura de Three of a Perfect Pair . Aunque no se usó, finalmente vio la luz en 1995, más de dos décadas después, como la sección intermedia del instrumental "VROOOM VROOOM" en THRAK .

"Starless" fue escrita originalmente por Wetton, con la intención de ser la canción principal de Starless y Bible Black . En ese momento, la pieza consistía solo en la sección vocal de la canción, y Wetton afirma que tuvo una "fría recepción" tanto de Robert Fripp como de Bill Bruford. Más tarde, un tema introductorio fue escrito por Robert Fripp e interpretado en violín por David Cross , y se agregaron dos secciones adicionales después de la voz, una de las cuales fue aportada por Bruford.  La sección final repite varios temas de antes en la canción, y también reutiliza una parte de bajo que fue escrita originalmente para la canción "Fracture".  Este arreglo inicial de "Fracture"box set, así como los lanzamientos independientes de sus respectivos conciertos. La letra pasó por varias iteraciones, con un verso temprano incluido más tarde por Wetton en "Caesar's Palace Blues", una canción que interpretaría con UK  Dado que el título "Starless and Bible Black" ya se usaba para una improvisación en el grupo. álbum anterior, el título de la canción se redujo a "Starless".  En Red , "Starless" se le atribuye al cuarteto, así como al letrista Richard Palmer-James .

Las letras de las tres canciones del álbum no se incluyeron originalmente como parte del paquete del álbum, a diferencia de todos los álbumes de estudio de Crimson anteriores, que siempre tenían letras impresas en el interior de las portadas plegables o en las mangas internas personalizadas. Esto llevó a una confusión ocasional entre los oyentes acerca de lo que se estaba cantando, particularmente en la canción "One More Red Nightmare".  La primera impresión de la letra se produciría 26 años después del lanzamiento inicial del álbum, en el lanzamiento de 2000 '30th Anniversary Edition'.

Lanzado en octubre de 1974, Red pasó solo una semana en las listas británicas, en el n. ° 45, mientras que todos los álbumes de estudio anteriores de la banda habían alcanzado el Top 30. En los Estados Unidos, alcanzó el n. ° 66 en el Billboard 200 . Sin embargo, siguió siendo un álbum popular entre fanáticos y críticos.

Las revisiones retrospectivas fueron rotundamente positivas. En el suyo, AllMusic declaró que Red era más débil que sus dos predecesores, pero no obstante un trabajo superlativo: "pocos grupos intactos podrían haber juntado un álbum tan bueno como Red . El hecho de que fue creado por una banda en su agonía hace es un logro aún más impresionante ". Robert Christgau también aplaudió el álbum, habiendo sido generalmente crítico del trabajo anterior del grupo, llamándolo "Grandioso, poderoso, irritante y sorprendentemente lírico" y comentando que "esto hace por la fusión de rock clásico lo que John McLaughlin 's Devotion hizo para la fusión de jazz y rock ". El crítico consideró a Red como "un paseo por un pasillo sin luz y un contrapeso infeliz y feroz a las travesuras de los comienzos de King Crimson", y lo describió como "oscuro, melancólico y cargado de secciones muy distorsionadas y una vibra decididamente melancólica". 

Como la mayoría del catálogo de King Crimson, Red se ha relanzado en numerosas ocasiones desde 1974. Publicado por primera vez en disco compacto en 1986, también se ha lanzado como parte de la serie "Definitive Edition" en 1989 y la "30th Anniversary Edition". en 1999. En 2009, Red fue elegida, junto con In the Court of the Crimson King y Lizard , para lanzar la serie "40th Anniversary Edition". Como parte de esta serie, cada álbum se presenta en un paquete de CD / DVD-A, con nuevas mezclas estéreo y envolventes 5.1 creadas por Steven Wilson . Sin embargo, a diferencia de las otras ediciones de la serie, Redlanzado sin nueva mezcla estéreo. En 2013, Wilson y Fripp crearon una nueva mezcla estéreo para el set en caja The Road To Red , y esta mezcla también se emitió por separado como parte de un paquete de 2CD.

En 2001, la revista Q nombró a Red como uno de los "50 álbumes más pesados ​​de todos los tiempos"  y Pitchfork clasificó a Red en el puesto 72 en su lista de "100 mejores álbumes de la década de 1970", afirmando que "para una banda que era muy obviamente a punto de romperse, la música de King Crimson suena notablemente a una sola mente. En Red , lograron un equilibrio notable entre brutalidad aplastante y complejidad cerebral ".  Rolling Stone clasificó el álbum en el número 15 en su lista de los 50 mejores álbumes de rock progresivo de todos los tiempos.  Según los informes, Kurt Cobain había citado el álbum como una gran influencia.

"Red" fue versionada por la banda de rock canadiense Glueleg en su debut Heroic Doses en 1994 , con esta versión con saxofón y trompeta.  "Red" también fue clasificada como la mejor canción de rock XX progresiva de todos los tiempos por PopMatters  , así como el número 87 de la revista Rolling Stone ' lista de 'Las 100 canciones más grandes de la guitarra' s. Además, "Red" se ha considerado una influencia en el metal de vanguardia . 

Los musicólogos Eric Tamm y Edward Macan consideran que Red , particularmente la pista " Starless ", es el punto culminante de la producción grabada de King Crimson. "Starless" se juega sobre los títulos de apertura de la película de terror de 2018 Mandy 

Side A

1. "Red" Robert Fripp 6:20

2. "Fallen Angel" Fripp, John Wetton, Richard Palmer-James 6:00

3. "One More Red Nightmare" Fripp, Wetton 7:07

Side B

4. "Providence" David Cross, Fripp, Wetton, Bill Bruford 8:08

5. "Starless" Cross, Fripp, Wetton, Bruford, Palmer-James 12:18


Robert Fripp – electric guitar (all tracks), acoustic guitar (2), Mellotron (2, 4, 5), Hohner pianet (5)

John Wetton – bass (all tracks), vocals (2–3, 5)

Bill Bruford – drums (all tracks), percussion (3–5)

David Cross – violin (4)

Mel Collins – soprano saxophone (5)

Ian McDonald – alto saxophone (3, 5)

Additional personnel

Mark Charig – cornet (2)

Robin Miller – oboe (2)






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Grateful Dead - From The Mars Hotel [SACD]

1974 - From The Mars Hotel [SACD] (2019 MFSL ISO)

From the Mars Hotel es el séptimo álbum de estudio de la banda de rock Grateful Dead . Se grabó principalmente en abril de 1974 y se lanzó originalmente el 27 de junio de 1974. Fue el segundo álbum de la banda en su propiosello Grateful Dead Records . From the Mars Hotel llegó menos de un año después de su álbum anterior, Wake of the Flood , y fue el último antes de la pausa indefinida de la banda de las giras en vivo, que comenzó en octubre de 1974. 

Side one

1. "U.S. Blues" 4:37

2. "China Doll" 4:09

3. "Unbroken Chain" (Phil Lesh and Robert Petersen) Phil Lesh 6:45

4. "Loose Lucy" 3:23

Side two

1. "Scarlet Begonias" 4:19

2. "Pride of Cucamonga" (Lesh and Petersen) Phil Lesh 4:16

3. "Money Money" (Bob Weir and John Perry Barlow) Bob Weir 4:21

4. "Ship of Fools" 5:22


Jerry Garcia – lead guitar, vocals, production

Donna Jean Godchaux – vocals, production

Keith Godchaux – keyboards, vocals, production

Bill Kreutzmann – drums, production

Phil Lesh – bass guitar, vocals, production

Bob Weir – guitar, vocals, production


Ned Lagin – synthesizers on "Unbroken Chain"

John McFee – pedal steel guitar on "Pride of Cucamonga"



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Gong - You (Vinyl Rip 24-48)

1974 - You (V 2019, UK)(Vinyl Rip 24-48)

You es el quinto álbum de estudio de la banda de rock progresivo Gong , lanzado por Virgin Records en octubre de 1974. Es el último álbum dela versión de Daevid Allen del grupo hasta Shapeshifter de 1992. Grabado en Virgin's Manor Studios en Oxfordshire, Inglaterra, la cara 1 se mezcló en Pye Studios, Marble Arch, Londres, mientras que la cara 2 se mezcló en The Manor. Fue producido por Simon Heyworth y Gong "bajo la influencia universal de COIT, la Compagnie d'Opera Invisible de Thibet", y también diseñado por Heyworth.

You es el tercero de la trilogía de álbumes "Radio Gnome Invisible", después de Flying Teapot y Angel's Egg . La trilogía forma una parte central de la mitología Gong . La estructura del álbum mezcla piezas narrativas breves con largos instrumentales de jazz (como "Master Builder", "A Sprinkling of Clouds" e "Isle of Everywhere"), llegando a un clímax / conclusión con "You Never Blow Yr Trip Forever". ".


1. "Thoughts for Naught" (listed as "Thought for Naught" on original LP sleeve) Daevid Allen, Tim Blake, Steve Hillage, Mike Howlett, Didier Malherbe, Pierre Moerlen 1:32

2. "A P.H.P.'s advice" Allen, Blake, Hillage, Howlett, Malherbe, Moerlen 1:47

3. "Magick Mother Invocation" Allen, Blake, Hillage, Howlett, Malherbe, P. Moerlen, Mireille Bauer, Miquette Giraudy, Benoit Moerlen, Gilli Smyth 2:06

4. "Master Builder" Allen, Blake, Hillage, Howlett, Malherbe, P. Moerlen, B. Moerlen, Bauer, Giraudy, Smyth 6:07

5. "A Sprinkling of Clouds" Allen, Blake, Hillage, Howlett, Malherbe, Moerlen 8:55


6. "Perfect Mystery" (listed as "Perfect Mistery" on original LP sleeve) Allen, Blake, Hillage, Howlett, Malherbe, Moerlen 2:29

7. "The Isle of Everywhere" Allen, Blake, Hillage, Howlett, Malherbe, Moerlen 10:20

8. "You Never Blow Yr Trip Forever" Allen, Blake, Hillage, Howlett, Malherbe, P. Moerlen, B. Moerlen, Bauer, Giraudy, Smyth 11:22


Daevid Allen ("Dingo Virgin") – gliss guitar, vocals ("vocal locust and glissandoz guitar")

Gilli Smyth ("Shakti Yoni") – vocals ("poems and space whisper")

Didier Malherbe ("Bloomdido Bad de Grasse") – wind instruments and vocals

Tim Blake ("Hi T Moonweed") – Moog, EMS synthesizer, Mellotron

Miquette Giraudy ("Bambaloni Yoni") – vocals ("wee voices and chourousings")

Steve Hillage – lead guitar

Mike Howlett – bass guitar

Pierre Moerlen – drums, percussion

Mireille Bauer – pitched percussion

Benoit Moerlen – pitched percussion






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Genesis - The Lamb Lies Down On Broadway [LP 32-192]

1974 The Lamb Lies Down On Broadway [LP 32-192]

The Lamb Lies Down on Broadway es el sexto álbum de estudio de la banda inglesa de rock progresivo Genesis . Fue lanzado como un álbum doble el 18 de noviembre de 1974 por Charisma Records y es el último en presentar al líder original Peter Gabriel . Alcanzó el puesto número 10 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 41 en el Billboard 200 en los EE. UU.

Mientras la banda trabajaba en nuevo material en Hedley Grange durante tres meses, decidieron producir un álbum conceptual con una historia ideada por Gabriel sobre Rael, un joven puertorriqueño de la ciudad de Nueva York que de repente se embarca en un viaje de autodescubrimiento y encuentra incidentes y personajes extraños en el camino. El álbum estuvo marcado por un aumento de las tensiones dentro de la banda cuando Gabriel, quien insistió en escribir todas las letras, se fue temporalmente a trabajar con el cineasta William Friedkin y necesitaba tiempo para estar con su familia. La mayoría de las canciones fueron desarrolladas por el resto de la banda a través de sesiones de improvisación y fueron grabadas en Glaspant Manor en Gales usando un estudio móvil.

El álbum recibió una reacción crítica mixta al principio, pero ganó elogios en los años siguientes y tiene seguidores de culto . Las canciones "Counting Out Time" y " The Carpet Crawlers " fueron lanzadas como singles en el Reino Unido en 1974 y 1975, respectivamente; ambos fallaron en trazar. En Estados Unidos se lanzó un sencillo de "The Lamb Lies Down on Broadway". Genesis promocionó el álbum con su gira 1974–75 por América del Norte y Europa, reproduciendo el álbum en su totalidad. El álbum alcanzó la certificación Gold en el Reino Unido y los Estados Unidos. El álbum fue remasterizado en 1994 y 2007, este último como parte de la caja Genesis 1970-1975 que contiene una mezcla de sonido envolvente 5.1 y material extra.


Side one

1. "The Lamb Lies Down on Broadway" Banks, Gabriel 4:52

2. "Fly on a Windshield" ([a]) Rutherford, Banks 2:45

3. "Broadway Melody of 1974" Rutherford, Banks 2:11

4. "Cuckoo Cocoon" Hackett, John Hackett[87] 2:12

5. "In the Cage" Banks 8:13

6. "The Grand Parade of Lifeless Packaging" Banks 2:49

Side two

1. "Back in N.Y.C." Rutherford, Banks 5:46

2. "Hairless Heart" (instrumental) Hackett, Banks 2:10

3. "Counting Out Time" Gabriel 3:42

4. "Carpet Crawlers" ([b]) Gabriel, Banks, Rutherford, Collins 5:16

5. "The Chamber of 32 Doors" Gabriel, Hackett, Banks 5:46

Side three

1. "Lilywhite Lilith" Collins, Banks, Hackett, Rutherford 2:50

2. "The Waiting Room" (instrumental) Hackett, Banks, Collins, Rutherford 5:18

3. "Anyway" Banks 3:18

4. "Here Comes the Supernatural Anaesthetist" ([c]) Hackett 2:50

5. "The Lamia" Banks 6:58

6. "Silent Sorrow in Empty Boats" (instrumental) Rutherford, Banks 3:02

Side four

1. "The Colony of Slippermen"

a. "The Arrival"

b. "A Visit to the Doktor"

c. "The Raven"

  Banks, Hackett, Rutherford, Collins 8:20

2. "Ravine" (instrumental) Rutherford, Hackett 2:05

3. "The Light Dies Down on Broadway" Banks, Rutherford Banks, Gabriel 3:33

4. "Riding the Scree" Banks, Rutherford 4:08

5. "In the Rapids" Rutherford 2:23

6. "it" ([d]) Banks, Hackett 4:20


Peter Gabriel – lead vocals, flute, varied instruments, "experiments with foreign sounds"

Steve Hackett – acoustic and electric guitars

Mike Rutherford – bass guitar, 12-string guitar

Tony Banks – Hammond T-102 organ, RMI 368 Electra Piano and Harpsichord, Mellotron M-400, ARP Pro Soloist synthesizer, Elka Rhapsody string synthesizer, acoustic piano

Phil Collins – drums, percussion, vibraphone, backing vocals, second lead vocal on "Counting out Time", "The Supernatural Anaesthetist" and "The Colony of Slippermen"





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Blue Oyster Cult - Secret Treaties [SACD]

1974 - Secret Treaties [SACD] (2016 AF Remaster ISO)

Secret Treaties es el tercer álbum de estudio de labanda de rock estadounidense Blue Öyster Cult , lanzado en abril de 1974 por Columbia . 

El álbum pasó 14 semanas en las listas de álbumes de Estados Unidos, alcanzando el puesto 53.  Fue certificado oro por la RIAA en 1992. 

En 1975, una encuesta de lectores de la revista británica Melody Maker votó a Secret Treaties como el "Mejor álbum de rock de todos los tiempos". En 2010, Rhapsody lo llamó uno de los mejores álbumes de "proto-metal" de todos los tiempos. 

Todas las canciones del álbum llegaron a las listas de reproducción de BÖC durante los años siguientes, excepto "Cagey Cretins". [ cita requerida ] Es el único álbum de BÖC que no incluye una pista con la voz principal cantada por el guitarrista Donald "Buck Dharma" Roeser . La banda tampoco escribió ninguna de las letras del álbum, entregando ese deber al productor Sandy Pearlman , al crítico de rock Richard Meltzer y a la cantante Patti Smith .


1. "Career of Evil" Patti Smith Albert Bouchard Bloom, A Bouchard 3:59

2. "Subhuman" Sandy Pearlman Eric Bloom Bloom 4:39

3. "Dominance and Submission" Pearlman Bloom, A. Bouchard A. Bouchard 5:23

4. "ME 262" Pearlman Bloom, Donald Roeser Bloom 4:48


5. "Cagey Cretins" Richard Meltzer A. Bouchard Bloom, A. Bouchard, Joe Bouchard 3:16

6. "Harvester of Eyes" Meltzer Bloom, Roeser Bloom 4:42

7. "Flaming Telepaths" Pearlman Bloom, A. Bouchard, Roeser Bloom 5:20

8. "Astronomy" Pearlman A. Bouchard, J. Bouchard Bloom 6:28


Eric Bloom – vocals, rhythm guitar, keyboards

Donald "Buck Dharma" Roeser – lead guitar

Allen Lanier – keyboards, rhythm guitar, synthesizers, second lead guitar on track 11

Joe Bouchard – bass, vocals

Albert Bouchard – drums, vocals




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