B.B. Muñoz - Civilizacion

 1974 - Civilizacion 

"Este trabajo es el comienzo de un largo camino insinuado en el anterior L.P. "Maximiliano", aquí dispongo de la sensación absoluta de volar sin tiempo medido en las canciones, estas fluyen naturalmente sin interrupciones de producción, nace la música en total libertad y retorna luego de mucho tiempo humildemente decidido y fuerte B.B.Muñoz, sin la pesada mochila de la fama ganada dignamente, sin máscaras, dado que asumo mi pasado testimonial representando una época de intensos cambios en las costumbres del mundo, que como siempre se ve reflejada en la maravillosa multidimencionalidad de la musica. España se abre ante mis ojos con sus colores, su historia y su maravillosa geografia, como queda plasmado en la portada de este L.P., en el complejo montañoso de Navacerrada a 40 km de Madrid. "Civilizacion" coincide con la primera crisis mundial del petroleo, que cambió la economía de la tierra tan profundamente que llegó hasta nuestros dias de hoy."

                                                                                                                     B.B. Muñoz 

"Grabé en el '71 mi último disco acá, y al año siguiente decidí irme a España, encontrándome totalmente perdido en un principio porque lo único que se escuchaba de Argentina era folklore tradicional y algo de tango. Recién un año después la RCA me llamó para grabar mi primer disco en aquél país: "Civilización". Tuve varias peripecias antes de llegar a esto, porque no se entendía bien claramente que un argentino haga rock, debido a la carencia de difusión del movimiento.

 'Civilización', fue publicado por RCA, que mandó copias para acá, pero no se editó. Salieron muy buenas notas en España sobre este disco, empezaron a aparecer nuevas radios que tenían mi long-play y el de Miguel Ríos como predilectos para la difusión. Se empezó a mover todo, no había managers ni lugares de trabajo; pero a la larga aparecieron, los necesitábamos y ellos nos necesitaban a nosotros. A mi me llamaban 'progre", que era la forma que tenían ellos de denominar a aquél que no tenían muy en claro la música que hacía. Después llegó Morís, me llamó, yo no lo conocía personalmente, empezamos a tratarnos, a ayudarnos mutuamente. También llegaron Miguel Cantilo, Roque Narvaja, Aquelarre, que de entrada anduvo muy bien, pero lamentablemente no llegó a grabar."

                                                                                                           B.B. Muñoz - Ravista Pelo (1982)             

01- Pueblo ahora    

02- Un velero de papel    

03- De que sirvo?    

04- Canción para una niña    

05- Sólo un gorrión    

06- No me importa caminar    

07- Dónde está la flor?    

08- Civilización

09- Sólo un gorrión (version alternativa) 

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Moris - Ciudad de guitarras callejeras

1974 Ciudad de guitarras callejeras 

Ciudad De Guitarras Callejeras es el segundo album de estudio de Moris, grabado cuatro años después del innovador 30 Minutos De Vida. Este fue a su vez su primer disco para la RCA, que estuvo muy renuente de firmar con Moris debido a sus constantes desplantes, pero fue convencido por Litto Nebbia (a la postre uno de los artistas más vendedores del sello gracias a los álbumes de Los Gatos) quien además ayudó a Birabent tocando el bajo en la mayor parte del disco. Litto fue sólo una de las figuras que aparecen en este álbum, que incluye también a otro ex gato, Ciro Fogliatta, en el piano y a Rodolfo Alchourron en su omnipresente función de arreglador de cuerdas. Este es el mejor disco de Moris, pues sus canciones son excelentes y aparecen adecuadamente arregladas en lo instrumental, más rockeras y menos sombrías que las aparecidas en "30 Minutos De Vida" que habia sido grabado en forma mas precaria unos años antes. La épica “Muchacho Del Taller Y La Oficina” (censurada en los ‘70) con sus dos movimientos, las rockeras “Tengo 40 Millones” y “Te Tocarán El Timbre”, la melancolía de “El Mendigo Del Dock Sud” y “Mi Querido Amigo Pipo” (casi tanguera esta última) son algunos ejemplos de la implacable poética de Moris que aparecen en este insigne LP.

Producido por Horacio Martinez, que fue manager de los Beatniks y Los Gatos, el disco volvio a colocar a Moris en su lugar de compositor personal y directo.

Ademas, Moris formo, por primera vez, desde que era integrante de los Beatniks, un grupo estable. Lo formaban el uruguayo Daniel Ruso en bajo (posteriormente ingresaria Beto Satragni en su remplazo, tambien uruguayo) y Ricardo Santillan en bateria. 

"Este álbum es la concreción de una etapa de Morís, Temas escritos ayer, orquestados con ideas de hoy por un staff de músicos que vienen de ayer y otros de hoy. Es Una eterna combinación. Como lo es eL mismo Morís: dual en su voz (esforzado en el falsete, expresivo y prófundo en su voz de bajo), serpenteante en la composición (de claros tangos a viejos rocks), polar en las letras (sus referencias al vértigo ciudadano no obstaculizan una cálida añoranza por lo campestre). Maris es el único modelador del rock argentino que se mantuvo solitario en una linea que, obviamente, forma parte de su estilo, pero que implica también una experiencia inexplotada en esa porción del ritmo: la canción. Muchas de las cosas de Moris son básicamente canciones que invitan al canto colectivo. Sencillas en sus estructuras tonales, pueden ser tomadas como carentes de riqueza o evolución.,Pero no parece ser ésa la meta de Morís, porque sus temas per, siguen el efecto en el golpe emocional directo, a través de las letras o de la crudeza de la música. Los que buscan otras cosas en su musica, pedirán algo que él no pretende dar. Correctamente acompañado por todos los músicos intervinientes, los arreglos de Rodolfo Alchourrón, en cambio, parecen desprendidos de la realidad de Morís.

Tapa: sencilla, lograda y sobria. Contratapa muy buena: fotos de los participantes, comentarios de los temas. Información sobre instrumentos y formas de grabación.

Sintesis: Moris es el cursador de un camino sólo por él transitado. Quizás por eso mismo sea en parte incomprendido hoy, en este disco, y siempre. Ante esa eventualidad. su empecinamiento cobra valor en un ambiente donde lo habitual (pero nunca confeso) es la copia, la imitación o simplemente la aceptación de las ondas reinantes. Encuadrar algunos de sus temas como "tango" o "balada bolero" demuestra que está en su camino, limpiamente y sin prejuicios. Ya sólo por eso, vale mucho." 

Reseña del álbum - Revista Pelo 1974

Moris: Voz, guitarra y coros

Ciro Fogliatta: Piano

Daniel Russo: Bajo y piano

Ricardo Santillán: Batería

Litto Nebbia: Bajo

Corre López: Batería

Ricardo Jelice: Bajo

Víctor Gómez y Rubén Parra: Coros

Lalo Fransen: Tumbadoras

01- Mi querido amigo Pipo

02- Rock de campana

03- Muchacho del taller y la oficina

04- El mendigo del Dock Sud

05- Tengo 40 millones

06- A veces estoy cansado

07- Cabalgando por el campo

08- Te tocarán el timbre

09- De aquí adónde ire

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Luis Alberto Spinetta - A 18' Del Sol

1977 - A 18' Del Sol 

Editado en 1977, “A 18 minutos del sol” fue el tercer disco solista de Spinetta y el décimo de su carrera musical. A pesar de su escasa difusión, es una de las obras más sofisticadas y de mayor calidad del Flaco. Tratándose de su álbum más cercano al jazz fusion, en donde sobresale la impecable ejecución y el virtuosismo de Luis y sus músicos. La atmósfera del disco, algo alejada del rock, es delicada y suave.

 

A pocos meses de la separación de Invisible, Spinetta sorprendió al mundo musical componiendo un trabajo de estudio con nuevas orientaciones estilisticas: A 18' del sol. El álbum surgió principalmente de la influencia que tuvo sobre Spinetta el haber empezado a trabajar con Diego Rapoport, por mediación del ex Alma y Vida Gustavo Moretto. Rapaport le abre las puertas a las posibilidades musicales que ofrecía el jazz-rock de ese momento, sobre todo el que expresaba la Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin. Para interpretar A 18' del sol, Spinetta organizó una banda con el propio Rapoport en teclados, Machi Rufino en el bajo (continuando la relación de Invisible) y Osvaldo Adrián López en batería. También contó con la participación de su hermano Gustavo y Marcelo Vidal en el tema "Viento del azur". Así comenzó lo que Spinetta llamaba su "proyecto jazzero", y a formarse la banda con la que Spinetta tocó en esos años finales de la década de 1970, conocida con el nombre de "Banda Spinetta".

El álbum contiene temas como "Canción para los días de la vida", tomado de la ópera inédita de la época de Almendra, "Toda la vida tiene música hoy" y temas instrumentales como "Telgopor" y "A dieciocho minutos del sol".

Este trabajo no fue bien recibido por el público (vinculado aún al sonido de Pescado Rabioso e Invisible) ni por la crítica, pero con el paso de los años y la revisión de la amplísima obra de Spinetta, A 18' del sol comenzó a ser considerado como uno de los grandes discos del flaco. Para Spinetta "esa fue la mejor grabación que hice en mi vida". Aquí comienza la relación musical de Spinetta cada vez más frecuente con músicos de jazz. Quien ha relacionado este período jazzístico con el nacimiento de su hijo, Dante.

A fines de 1977, la "Banda Spinetta" se fue ampliando por la convocatoria a nuevos músicos para profundizar este período de orientación al jazz de Spinetta, como Leo Sujatovich (teclados), Gustavo Bazterrica (guitarra), Rinaldo Rafanelli (bajo), por primera vez instrumentos de viento a cargo de Bernardo Baraj (saxo), Gustavo Moretto (trompeta), Ricardo Sanz (bajo), Eduardo Zvetelman (teclados) y Luis Ceravolo (batería). Alineación recordada principalmente por haber dado una serie de recitales en abril de 1978 presentando un repertorio conformado por temas que quedaron inéditos: "Tríptico del eterno verdor! (una extensa suite de más de 20 minutos), "Covadonga", "Las alas del grillo", "Tanino", "Tu destino es el de morir de amor", "Estrella gris", "El Turquito", "Bahiana split" y "Los espacios amados". Esta última, le daría nombre al álbum truncado que incluiría dicho repertorio. Se conservan, de todos modos, grabaciones en vivo de aquellos recitales.

A principios de 1979, la banda ya había sufrido otra modificación y habían adoptado el nombre de Experiencia Demente con el que dieron un recital en el mes de enero en Mar del Plata. Con Gustavo Bazterrica -que venía de La Máquina de Hacer Pájaros recientemente disuelta-, Luis Cerávolo en batería y Rinaldo Rafanelli -ex Polifemo- en bajo, presentaron canciones como "Pájaros de la fe", "El sueño de Chita", "Ondas y caderas" y "Viento celeste". Sin embargo, dicho proyecto se vio abortado por el viaje de Spinetta a Estados Unidos a grabar Only love can sustain, cuyos interludios titulados "Jade", darían a Spinetta la idea para el nombre de su próxima banda. Los sonidos de Luis ya mutaban hacia otra parte y lo instrumental se iba extinguiendo en aras de un formato más de canción que desarrollaría en Spinetta Jade, aún con sonido cercano al jazz rock.

Luis Alberto Spinetta: Guitarra, voz.

Carlos Alberto Machi Rufino: Bajo

Diego Rapoport: Teclados.

Osvaldo Adrián López: Batería.

Marcelo Vidal: Bajo (en Viento del azur)

Gustavo Spinetta: Batería (en Viento del azur)

01- Viento del azur

02- Telgopor

03- Viejas mascarillas

05- A dieciocho minutos del sol

06- Canción para los días de la vida

07- Toda la vida tiene música hoy

08- ¿Dónde está el topacio?

09- La eternidad imaginaria

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Alma y Vida - Del Gemido de un Gorrion

 1973 - Del Gemido de un Gorrion

Pionero del jazz-rock en la argentina, Alma y Vida nació como acompañamiento del cantante Leonardo Favio, de quien se abrieron en 1970. Esta fue una agrupación fundada por músicos enamorados del jazz que se habían volcado paulatinamente al rock y a la llamada música beat de principios de los '70 sin olvidar sus raíces. Los primeros pasos de la agrupación estuvieron directamente emparentados con el estilo de bandas extranjeras como Blood, Sweet & Tears y Chicago, formaciones que también contaban con una raíz jazzística pero que se movían cerca del rock.

Alma y vida debutó durante un ciclo efectuado los domingos por la mañana en el teatro Opera, junto a nombres como los de Manal, Arco Iris y Vox Dei.

Con el ingreso de Gustavo Moretto en reemplazo de Mario Salvador, Alma y Vida encontró su mejor forma y cumplió una destacada actuación en las dos primeras ediciones del mítico festival B.A.Rock, en el ex velódromo Municipal. Este éxito los impulsó a registrar el primer álbum, en 1971. A base de varios hits como "Salven a Sebastián" u "Hoy te queremos cantar", la banda consiguió gran repercusión entre un público no estrictamente rockero y de ese modo logró erigirse en una asidua animadora de bailes en los clubes "de moda".

A fines de 1974 Gustavo Moretto se alejó de la formación para incursionar en una música mucho más compleja y elaborada con el trío Alas. Su partida aceleró un proceso de crisis interna en la agrupación que el ingreso del vientista Osvaldo Lacunza no pudo salvar.

En 1976, Alma y Vida grabó su quinto y último LP de la primera etapa de la banda y a poco de editado, la agrupación se desmembró a raíz de la partida de Carlos Mellino.

 "El tercer disco de Alma y Vida es el único que lleva como título un nombre y no una sigla. El camino que se vislumbra en el Vol II parece querer reanudarse en este disco. Se incluyen arreglos más arriesgados, como el inusitado pasaje casi experimental que rompe el clima de balada de "Bussi a las 3 y Media", temas más roqueros como "Carna, Rock y Suficiente" con una atractiva participación de la guitarra eláctrica de Barrueco (al igual que en en final de "Vos te Equivocaste Amigo") y alcanzan su mayor compromiso sociopolítico en cuanto a letras en "Es la Hora". Claro que la hermosa canción que presta titulo al álbum es de las más recordadas por los seguidores de la banda."

                                                                                                        (progresiva70s.com) 

Carlos Mellino: Teclados y voz

Carlos Villalba: Bajo

Bernardo Baraj: Saxo y flauta traversa

Gustavo Moretto: Trompeta

Juan Barrueco: Guitarra

Alberto Hualde: Batería

01- Vos te equivocaste, amigo

02- Bussi a las 3 y media

03- También aquellos caminos

04- Del gemido de un gorrión

05- Pintare de poemas la ciudad

06- Vamos hermano americano

07- Carna, rock y suficiente

08- Es la hora

09- Un largo silencio

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Alas - Alas

 1976 - Alas

El proyecto musical de Alas tomó forma hacia fines de 1974, cuando el trompetista, tecladista y cantante Gustavo Moretto se alejó de Alma y Vida, banda pionera del género jazz rock en Argentina y decidió formar una nueva banda junto a Carlos Riganti (exbaterista de la banda Materia Gris) y a Álex Zuker (bajista y guitarrista de Pedro y Pablo).

El trío pasó a desarrollar una música de gran riqueza técnica. Un sonido sofisticado que se asentaba en los múltiples teclados de Moretto y que experimentaba en la fusión de rock progresivo y sinfónico con ritmos tangueros y folclóricos.

Después de un auspicioso debut en el teatro IFT, en Buenos Aires, Alas realiza una minigira por las principales ciudades de Argentina, antes de debutar en la empresa discográfica EMI con un simple que contenía los temas «Aire (Surgente)» y «Rincón, mi viejo rincón». A mediados de 1976 apareció su álbum debut, Alas, que contenía solo dos extensas composiciones: "Buenos Aires solo es piedra" y "La Muerte contó el dinero", divididas en seis y siete subtemas respectivamente. En este primer trabajo predominaba un sonido tanguero, mientras que en el segundo estaba basado en un ritmo de vidala. Moretto, sin embargo, reconocía que el uso del elemento folclórico estaba condicionado por el entorno urbano.

La carrera de Alas se interrumpió a principios de 1978, cuando Gustavo Moretto decidió viajar a la ciudad de Boston para perfeccionar sus estudios musicales. Esto motivó que el lanzamiento del segundo larga duración de la banda se demorase indefinidamente. Por fin, Pinta tu aldea apareció en 1983, pero para ese entonces la escena del rock nacional había cambiado sensiblemente, lo cual hizo que no tuviera el eco que su música merecía.

Gustavo Moretto: Teclados, flauta, trompeta, voz

Alex Zucker: Bajo, guitarras

Carlos Riganti: Bateria, percusión 

01. Buenos Aires Solo Es Piedra - Incluye:

      a). Tango

      b). Sueño

      c). Recuerdo

      d). Trompetango

      e). Tanguito

      f). Soldó

02. La Muerte Contó El Dinero - Incluye:

      a). Vidala

      b). Smog

      c). Galope

      d). Mal-ambo

      e). Vidala Again

      f). Amanecer/Tormenta

      g). Final

Bonus Tracks:

03. Aire Surgente (single, 1975)

04. Rincón, Mi Viejo Rincón (single, 1975)

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Bryan Ferry - These Foolish Things (2015 SHM-SACD ISO)

1973 - These Foolish Things (2015 SHM-SACD ISO)

Es el debut en solitario de estudio álbum por Bryan Ferry , quien en ese momento era todavía Roxy Music vocalista 's. El álbum fue lanzado en octubre de 1973 en Island Records en el Reino Unido y Atlantic Records en los Estados Unidos. Se considera que se aparta del sonido de Roxy Music, ya que consta en su totalidad de versiones, principalmente de canciones estándar. These Foolish Things fue un éxito comercial y de crítica, llegando al número cinco en la lista de álbumes del Reino Unido . Recibió una certificación de orode la industria fonográfica británica en mayo de 1974. 

La mayoría de las pistas del álbum eran las favoritas de Ferry y abarcaron varias décadas desde los estándares de la década de 1930, como la canción principal, pasando por Elvis Presley de la década de 1950, hasta Bob Dylan y los Rolling Stones .

" A Hard Rain's a-Gonna Fall " fue lanzado como single y alcanzó el número 10 en la lista de singles del Reino Unido en septiembre de 1973.

1. "A Hard Rain's a-Gonna Fall" (Bob Dylan cover from the album The Freewheelin' Bob Dylan (1963)) Bob Dylan 5:19

2. "River of Salt" (Ketty Lester cover from the album Love Letters (1962)) Irving Brown, Bernard Zackery, Jan Zackery 1:48

3. "Don't Ever Change" (cover) Gerry Goffin, Carole King 2:15

4. "Piece of My Heart" (Erma Franklin cover from the 1967 single) Jerry Ragovoy, Bert Berns 3:06

5. "Baby I Don't Care" (cover) Jerry Leiber, Mike Stoller 1:50

6. "It's My Party" (Lesley Gore cover from the album I'll Cry If I Want to (1963)) Walter Gold, John Gluck Jr., Herb Weiner 2:00

7. "Don't Worry Baby" (The Beach Boys cover from the album Shut Down Volume 2 (1964)) Brian Wilson, Roger Christian 4:13

8. "Sympathy for the Devil" (The Rolling Stones cover from the album Beggars Banquet (1968)) Mick Jagger, Keith Richards 5:50

9. "The Tracks of My Tears" (The Miracles cover from the album Going to a Go-Go (1965)) William "Smokey" Robinson, Jr., Warren Moore, Marvin Tarplin 3:04

10. "You Won't See Me" (The Beatles cover from the album Rubber Soul (1965)) John Lennon, Paul McCartney 2:32

11. "I Love How You Love Me" (The Paris Sisters cover from the 1961 single) Barry Mann, Larry Kolber 3:02

12. "Loving You Is Sweeter Than Ever" (Four Tops cover from the album On Top (1966)) Ivy Jo Hunter, Stevie Wonder 3:06

13. "These Foolish Things" (cover) Jack Strachey (music), Eric Maschwitz (lyrics) 5:41

Bryan Ferry – lead vocals, acoustic piano

Eddie Jobson – keyboards, synthesizers, violin

David Skinner – acoustic piano

John Porter – guitars, bass

Phil Manzanera – guitar solo (10)

Paul Thompson – drums

John Punter – additional drums (7, 8)

Roger Ball – alto saxophone, baritone saxophone, horn arrangements

Ruan O'Lochlainn – alto saxophone solo (11)

Malcolm Duncan – tenor saxophone

Henry Lowther – trumpet

Robbie Montgomery – backing vocals (1, 8)

Jessie Davis – backing vocals (1, 8)

The Angelettes – backing vocals (2–7, 9–13)

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The Gary Moore Band - Grinding Stone (LP 32 196)

1973 - Grinding Stone

Grinding Stone es el único álbum de The Gary Moore Band . Lanzado en 1973, se grabó entre la partida de Moore de Skid Row y su incorporación a Thin Lizzy .

Contiene una mezcla de estilos que se diferencian de su trabajo en solitario posterior. Moore no lanzó otro álbum en solitario hasta Back on the Streets de 1978 .

Moore juntó a la banda después de dejar el grupo Skid Row y firmar con CBS Records . En ese momento, Moore no estaba seguro de en qué dirección quería llevar su música y, en consecuencia, el álbum presenta una variedad de estilos. Estos incluyeron el blues shuffle de la pista principal, guitarras solistas de doble pista en "Time To Heal" y "Spirit", ritmos latinos que recuerdan a Santana y guitarra slide en "Boogie My Way Back Home". El tecladista Jan Schelhaas participó como invitado en el álbum, al igual que el guitarrista irlandés Philip Donnelly . 

Moore dividió la banda para poder unirse a Thin Lizzy como reemplazo de Eric Bell . El baterista Pearse Kelly cubrió brevemente a Brian Downey de Thin Lizzy mientras este último estaba enfermo. Volvería a visitar algunos de los estilos de fusión de jazz explorados en el álbum con el grupo Colosseum II . 

Side One

1. "Grinding Stone" (instrumental) 9:42

2. "Time to Heal" 6:22

3. "Sail Across the Mountain" 6:59

Side Two

4. "The Energy Dance" (instrumental) 2:29

5. "Spirit" 17:16

6. "Boogie My Way Back Home" 5:38

Gary Moore – lead guitar, vocals

John Curtis – bass guitar

Pearse Kelly – drums, percussion

Frank Boylan – bass guitar

Philip Donnelly – rhythm guitar

Jan Schelhaas – keyboards

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Weather Report - Mysterious Traveller (25AP 946, Japan)

1974 Mysterious Traveller (25AP 946, Japan)

Escucharás el final de una era en “American Tango”, la última composición de Weather Report que presenta al miembro fundador Miroslav Vitous. Es una pieza típicamente etérea, un canto de cisne apropiado del extraño pato musical en un país de aves en constante cambio. Mysterious Traveller sigue siendo un récord de transición; de hecho, no hay dos canciones que suenen exactamente iguales. De nuevo hay una nueva sección rítmica, esta vez con Alphonso Johnson en el bajo eléctrico (echa un vistazo al swing "Cucumber Slumber" para escuchar su influencia funky) y un nuevo par de dobles bateristas (Skip Hadden, Ishmael Wilburn). Otra nueva arruga es la adición de voces; coral en el caso de la apertura "Nubian Sundance" (que recuerda las jams extendidas de Sweetnighter ) y la voz principal real de Josef Zawinul en el bonito patio de recreo musical de "El libro de la selva".

La banda continúa abriendo nuevos caminos musicales con cada álbum. En “Mysterious Traveller”, parece que Wayne Shorter y Z están creando un nuevo lenguaje musical a medida que el realismo y el cataclismo chocan. En "Blackthorn Rose", los dos se reconcilian brevemente por un jazz notablemente moderado, y en el mundo de Weather Report, la moderación es casi un acto de sabotaje. En el fúnebre "Scarlet Woman", Sweetnighter proyecta una vez más su sombra.

Una buena mitad de Mysterious Traveller retoma el mismo terreno que su último disco, mientras que la otra mitad introduce los ritmos funky, elementos africanos y el picante maridaje de saxo y teclados que marcaron un cambio en el clima. Al igual que con su último, Mysterious Traveller se considera un álbum clásico de Weather Report con algunos defectos menores, la mayoría de ellos atribuibles al espíritu experimental e inquieto de la banda. Es un buen disco, con momentos ("El libro de la selva", "Blackthorn Rose") que es poco probable que escuches en ningún otro lugar de su catálogo, y algunas canciones ("Cucumber Slumber", "American Tango", "Mysterious Traveller") que se han quedado conmigo a lo largo de los años.

A1. Nubian Sundance (Josef Zawinul) (10:39)

A2. American Tango (Josef Zawinul/Miroslav Vitous) (3:39)

A3. Cucumber Slumber (Josef Zawinul/Alphonso Johnson) (8:20)

B1. Mysterious Traveller (Wayne Shorter) (7:21)

B2. Blackthorn Rose (Wayne Shorter) (5:00)

B3. Scarlet Woman (Alphonso Johnson/Wayne Shorter/Josef Zawinul) (5:43)

B4. Jungle Book (Josef Zawinul) (7:22)

Skip Hadden (drums), 

Alphonso Johnson (electric bass), 

Wayne Shorter (soprano sax, tenor sax, tac piano, sea shell), 

Dom Um Romao (percussion, drums, triangle, tambourine, cabassa), 

Ishmael Wilburn (drums), 

Josef Zawinul (vocal, pianos, Fender Rhodes electric piano, acoustic piano, synthesizer, EML synthesizer, meruga, percussion, melodica, guitar, clay drum, tamboura, tac piano, kalimba, maracas, organ) with James Auger Adderley (vocal on track 2), 

Ray Baretto (percussion on track 3), 

Billie Barnum (vocals on track 1), 

James Gilstrad (vocals on track 1), 

Isacoff (table and finger cymbals on track 7), 

Steve Little (timpani on track 6), 

Marti McCall (vocals on track 1), 

Jessica Smith (vocals on track 1), 

Miroslav Vitous (bass on track 2), 

Edna Wright (vocals on track 1). 

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Keith Jarrett - Treasure Island (ART-2000)

1974 - Treasure Island (TAV ART-2000)

Treasure Island es un álbum grabado en febrero de 1974 por Keith Jarrett y originalmente lanzado por Impulse! en 1974. Cuenta con el futuro "American Quartet" de Jarrett ( Dewey Redman , Charlie Haden , Paul Motian ) más el guitarrista Sam Brown y los percusionistas Guilherme Franco y Danny Johnson. Dos meses después de grabar Treasure Island , en abril de 1974, Jarrett entraría en un estudio en Noruega para grabar Belonging con un grupo de músicos escandinavos, más tarde llamado el "grupo europeo" de Jarrett.

En 2009, el álbum fue reeditado en un estuche digipak por Verve Music Group / Universal Music Group .

"The Rich (And the Poor)" – 9:24

"Blue Streak" – 2:35

"Fullsuvollivus (Fools of All of Us)" – 6:29

"Treasure Island" – 4:14

"Introduction/Yaqui Indian Folk Song" (Jarrett/traditional) – 2:16

"Le Mistral" – 9:25

"Angles (Without Edges)" – 5:24

"Sister Fortune" – 4:27

Keith Jarrett – piano, soprano saxophone (7) and OSI drum

Dewey Redman – tenor saxophone, tambourine (tracks 1, 2, 3, 5, 6, 7)

Sam Brown – guitar (tracks 4, 8)

Charlie Haden – bass

Paul Motian – drums, percussion

Guilherme Franco – percussion

Danny Johnson – percussion

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Manhattan Transfer - Manhattan Transfer [SACD]

1975 - Manhattan Transfer [SACD]

The Manhattan Transfer es un grupo vocal de jazz ganador de un premio Grammy fundado en 1969 que ha explorado a capella , vocalese, swing, estándares, jazz brasileño, rhythm and blues y música pop.

Ha habido dos ediciones de Manhattan Transfer, siendo Tim Hauser la única persona que forma parte de ambas. El primer grupo estaba formado por Hauser, Erin Dickins, Marty Nelson, Pat Rosalia y Gene Pistilli. La segunda versión del grupo, formado en 1972, estaba formado por Hauser, Alan Paul , Janis Siegel y Laurel Massé . En 1979, Massé abandonó el grupo tras resultar gravemente herido en un accidente de coche y fue sustituido por Cheryl Bentyne . El pianista de muchos años del grupo, Yaron Gershovsky, acompañó al grupo en la gira y se desempeñó como director musical . Trist Curless del grupo m- pact a cappella de Los Ángelesse convirtió en miembro permanente en octubre de 2014 tras la muerte de Hauser. 

A1 Tuxedo Junction

Tenor Saxophone – Mike Rod

3:03

A2 Sweet Talking Guy

Arranged By – Tim Hauser

Tambourine – Laurel Massé

2:25

A3 Operator

Organ – Richard Tee

Tenor Saxophone – Michael Brecker

3:09

A4 Candy 3:26

A5 Gloria 2:57

A6 Clap Your Hands 2:55

B1 That Cat Is High 2:53

B2 You Can Depend On Me

Tenor Saxophone – Zoot Sims

3:30

B3 Blue Champagne 2:21

B4 Java Jive 2:44

B5 Occapella

Congas – Daniel Ben Zebulon

3:04

B6 Heart's Desire

Concertmaster – Gene Orloff

2:36

Alto Saxophone – Dave Sanborne*, George Dorsey, George Young (2), Harvey Estrin, Jerry Dodgion, Phil Bodner

Baritone Saxophone – Lew Delgatto*, Wally Kane

Bass – Andy Muson (pistas: A1 to B3, B5 to B6)

Clarinet – Phil Bodner, Seldon Powell, Wally Kane

Concertmaster – Gene Orloff

Drums – Roy Markowitz (pistas: A1 to B3, B5 to B6)

Guitar – Ira Newborn, Jerry Friedman (pistas: A3, A6, B5)

Organ, Piano – Murray Weinstock (pistas: A2, A5, B2)

Piano, Electric Piano, Clavinet – Don Grolnick (pistas: A1 to A4, A6, B1, B3, B5 to B6)

Tambourine – Laurel Massé

Tenor Saxophone – Frank Vicari, Michael Brecker, Mike Rod, Seldon Powell

Trombone – Alan Raph, Garnett Brown, Mickey Gravine, Paul Favlise*, Quentin Jackson, Wayne Andre

Trumpet – Alan Rubin, Bob McCoy, John Faddis*, Marky Markowitz, Marvin Stamm, Mel Davis, Randy Brecker

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Bob Dylan - Blood On The Tracks [1st Press US]

1975 - Blood On The Tracks [1st Press US]

Blood on the Tracks es el decimoquinto álbum de estudio del cantautor estadounidense Bob Dylan , lanzado el 20 de enero de 1975 por Columbia Records . El álbum marcó el regreso de Dylan a Columbia Records después de una temporada de dos álbumes con Asylum Records . Dylan comenzó a grabar el álbum en la ciudad de Nueva York en septiembre de 1974. En diciembre, poco antes de que Columbia lanzara el álbum, Dylan regrabó abruptamente gran parte del material en un estudio de Minneapolis . El álbum final contiene cinco pistas grabadas en Nueva York y cinco de Minneapolis.

Blood on the Tracks inicialmente recibió críticas mixtas, pero posteriormente fue aclamado como uno de los mejores álbumes de Dylan tanto por críticos como por fanáticos. Las canciones se han relacionado con tensiones en la vida personal de Dylan, incluido su distanciamiento de su entonces esposa Sara . Uno de sus hijos, Jakob Dylan , ha descrito las canciones como "mis padres hablando". El álbum es considerado un ejemplo sobresaliente del oficio del cantautor confesional, habiendo sido llamado "el relato más verdadero y honesto de una historia de amor de punta a popa jamás grabada en cinta magnética". En entrevistas, Dylan ha negado que las canciones del álbum sean autobiográficas. 

El álbum alcanzó el número 1 en las listas de Billboard 200 y el número 4 en la lista de álbumes del Reino Unido , con el sencillo " Tangled Up in Blue " alcanzando el número 31 en la lista de sencillos de Billboard Hot 100 . El álbum sigue siendo uno de los lanzamientos de estudio más vendidos de Dylan, con una certificación estadounidense de doble platino otorgada por la Recording Industry Association of America (RIAA). En 2015, fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy . [6] Fue votado como el número 7 en la tercera edición del libro All Time Top 1000 Albums (2000) de Colin Larkin , en 2003, el álbum ocupó el puesto número 16 en la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos , llegando al puesto número 9 en la revisión de 2020 de esa misma lista. En 2004, se colocó en el puesto número 5 en la lista de Pitchfork de los 100 mejores álbumes de la década de 1970. 

Una edición de sonido envolvente 5.1 de alta definición del álbum fue lanzada en SACD por Columbia en 2003. 

Side one

1. "Tangled Up in Blue" December 30, 1974, in Minneapolis 5:42

2. "Simple Twist of Fate" September 19, 1974, in New York City 4:19

3. "You're a Big Girl Now" December 27, 1974, in Minneapolis 4:36

4. "Idiot Wind" December 27, 1974, in Minneapolis 7:48

5. "You're Gonna Make Me Lonesome When You Go" September 17, 1974, in New York City 2:55

Side two

1. "Meet Me in the Morning" September 16, 1974, in New York City 4:22

2. "Lily, Rosemary and the Jack of Hearts" December 30, 1974, in Minneapolis 8:51

3. "If You See Her, Say Hello" December 30, 1974, in Minneapolis 4:49

4. "Shelter from the Storm" September 17, 1974, in New York City 5:02

5. "Buckets of Rain" September 19, 1974, in New York City 3:22

Bob Dylan – vocals, guitar (1–10), harmonica (1–5, 7, 9), Hammond organ (4), mandolin (8), production

Kevin Odegard – guitar (1, 3, 4, 7, 8)

Chris Weber – guitar (1, 3, 4, 7), 12-string guitar (8)

Gregg Inhofer – keyboards (1), piano (3–4), Hammond organ (7–8)

Billy Peterson – bass guitar (1, 4, 7)

Bill Berg – drums (1, 3, 4, 7, 8)

Tony Brown – bass guitar (2, 5, 6, 9, 10)

Eric Weissberg – guitar (6)

Charles Brown III – guitar (6)

Buddy Cage – pedal steel guitar (6)

Thomas McFaul – keyboards (6)

Richard Crooks – drums (6)

Peter Ostroushko – mandolin (8)

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