YES - Going For The One Tour 1977 (Bootleg Collection 1)

 Going For The One Tour 1977 (Bootleg Collection)

Yes apoyó a Going for the One con una gira de conciertos por América del Norte y Europa que se llevó a cabo del 30 de julio al 6 de diciembre de 1977. Cada espectáculo presentaba a Donovan como acto de apertura, y cada pista de Going for the One se interpretó en vivo. La gira incluyó un récord de seis noches consecutivas con entradas agotadas en el Wembley Arena de Londres a las que asistieron más de 50.000 personas. El escenario tenía un diseño mucho más simple en comparación con sus tres recorridos anteriores, que habían presentado grandes objetos y escenarios, y se hizo mayor énfasis en la iluminación. Los teclados de Wakeman estaban dispuestos en dos niveles, y Anderson se iluminó con varios colores mientras cantaba "Colors of the Rainbow", una sección de "The Beautiful Land" del musical The Roar of the Greasepaint - The Smell of the Crowd (1964). . Para tocar todas las partes de bajo en "Awaken" en el escenario, Squire usó un bajo de triple cuello personalizado por Wal que fue originalmente hecho en 1975 para Roger Newell, bajista de la banda de Wakeman, The English Rock Ensemble. El segundo álbum en vivo de la banda, Yesshows (1981), contiene grabaciones de la gira europea.

Yes seleccionó Going for the One para su primera gira temática de un álbum desde marzo de 2013 hasta junio de 2014, con el álbum interpretado en vivo en su totalidad por primera vez desde 1977, y en el orden de las canciones.

Jon Anderson

Steve Howe

Chris Squire

Rick Wakeman

Alan White

"Parallels" (Squire)

"I've Seen All Good People" (Anderson, Squire)

"Close to the Edge" (Anderson, Howe)

"Wonderous Stories"

"Turn of the Century" (Anderson, Howe, White)

"Count Your Blessings" (Anderson) (Between 17 September 1977 and 23 September 1977)

"And You and I" (Anderson, Squire, Howe, Bruford)

"Ram" (Howe) (Dropped after 31 July 1977)

"Going for the One" (Added on 22 August 1977)

"Flight Jam" (Anderson)

"Awaken" (Anderson, Howe)

"Roundabout" (Anderson, Howe)

"Starship Trooper" (Anderson, Squire, Howe) or "Yours Is No Disgrace" (Anderson, Squire, Howe, Kaye, Bruford), sometimes both

"Colours of the Rainbow" (Bricusse, Newley) (Played on 3 August 1977, 6 August 1977, 7 August 1977, and 5 December 1977)

"In the Midnight Hour" (Picket, Cropper) (Played on 23 September 1977)

"Siberian Khatru" (Anderson, Howe, Wakeman) (Replaced "Awaken" on 31 August 1977)

"Leaves of Green" (Anderson, Howe, Squire, Wakeman, White) (On 25 August 1977 and 26 August 1977)

"Ritual (Nous Sommes du Soleil)" (Anderson, Squire, Howe, Wakeman, White) (Played on 21 November 1977, 2 December 1977, 4 December 1977, 5 December 1977, and 6 December 1977)

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ZZ Top - Tres Hombres (Vinyl Rip 24-96)

1973 - Tres Hombres (Warner Bros. Records 274492, Remastered, US 2006)

Tres Hombres es el tercer álbum de estudio de la banda de rock estadounidense ZZ Top. Fue lanzado por London Records en julio de 1973 y fue la primera colaboración de la banda con el ingeniero Terry Manning. Fue el avance comercial de la banda; en los Estados Unidos, el álbum entró en el top ten, mientras que el sencillo "La Grange" alcanzó el número 41 en el Billboard Hot 100.

Side one

1. "Waitin' for the Bus" Billy Gibbons, Dusty Hill 2:59

2. "Jesus Just Left Chicago" Gibbons, Hill, Rube Beard 3:29

3. "Beer Drinkers & Hell Raisers" Gibbons, Hill, Beard 3:23

4. "Master of Sparks" Gibbons 3:33

5. "Hot, Blue and Righteous" Gibbons 3:14

Side two

1. "Move Me on Down the Line" Gibbons, Hill 2:30

2. "Precious and Grace" Gibbons, Hill, Beard 3:09

3. "La Grange" Gibbons, Hill, Beard 3:51

4. "Shiek" Gibbons, Hill 4:04

5. "Have You Heard?" Gibbons, Hill 3:14

2006 remaster bonus tracks

11. "Waitin' for the Bus" (live) Gibbons, Hill 2:42

12. "Jesus Just Left Chicago" (live) Gibbons, Hill, Beard 4:03

13. "La Grange" (live) Gibbons, Hill, Beard 4:44

Billy Gibbons – guitar, vocals, harmonica on "Waitin' for the Bus"

Dusty Hill – bass guitar, backing vocals, co-lead vocals on "Beer Drinkers and Hell Raisers"

Frank Beard – drums, percussion (credited as "Rube Beard")

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Yes - Yes [LP 32-192]

1969 - Yes [LP 32-192]

Yes es el primer álbum de estudio de la banda de rock ingles Yes, lanzado el 25 de julio de 1969 por Atlantic Records. Después de formarse a mediados de 1968, la banda viajó extensamente por el Reino Unido con sets que incluían tanto material original como versiones de portada reorganizadas. Firmaron con Atlantic en marzo de 1969 y entraron en Advision y Trident Studios en Londres para grabar su primer álbum. Sí, incluye versiones de "Every Little Thing" de los Beatles y "I See You" de los Byrds.

Yes recibió algunas críticas positivas de la crítica en el Reino Unido y Estados Unidos, pero no fue un éxito comercial y no logró ingresar a las listas de éxitos. Se lanzaron dos sencillos del álbum: "Sweetness" y "Looking Around". El álbum fue remasterizado en 1994 y 2003, este último contiene varias pistas inéditas, incluida una versión de "Something's Coming" de West Side Story.

En agosto de 1968, Yes se formó con una formación del cantante Jon Anderson, el bajista Chris Squire, el guitarrista Peter Banks, el baterista Bill Bruford y el tecladista Tony Kaye; la banda tocó su primer concierto bajo el nombre el 4 de agosto. Hicieron una extensa gira por el Reino Unido, tocando sets con material original y versiones reorganizadas de artistas de rock, pop, funk y jazz. Bruford dejó la banda temporalmente con el objetivo de seguir estudios en la universidad, pero la formación volvió a su formación original en noviembre de 1968. En el curso de la búsqueda de un sello discográfico, el gerente Roy Flynn y el director gerente de Atlantic, Frank Fenter, obtuvieron un acuerdo para que Yes haga una audición en el Speakeasy Club de Londres para Ahmet Ertegun de Atlantic Records. El concierto fue un éxito, y la prensa informó de la noticia de la firma de la banda con el sello en marzo de 1969.

Con su contrato asegurado, Yes grabó su álbum debut en la primavera de 1969, principalmente en Advision con sesiones adicionales en Trident Studios en Londres. Anderson y Banks recordaron que la banda estuvo en el estudio entre una y cuatro semanas. A ellos se unieron el productor Paul Clay y el ingeniero Gerald Chevin (y John Anthony en Trident). Banks no estaba seguro de cómo Clay se involucró en el álbum; consideraba que Clay no era apto para el trabajo, ya que había trabajado en bandas sonoras de películas y sabía poco sobre cómo trabajar con bandas de rock, lo que provocó que el álbum careciera de calidad como resultado, con la batería de Bruford sonando "como latas de galletas" y la guitarra de Banks sonando "clangy". Banks apodó a Chevin "La comadreja" o "El hurón", por su pequeña estatura y sus lentes que le hacían parecer "un científico espacial de los años 50", y por su disgusto general por la música rock. Chevin también le pidió constantemente a la banda que bajara sus niveles, para disgusto de Banks, quien subía los niveles de su guitarra cuando nadie estaba mirando.

La grabación también se encontró con dificultades técnicas, y el grupo pasó dos días tratando de conseguir un órgano Hammond para que Kaye lo tocara para que funcionara correctamente. Contrataron uno para usar, ya que Kaye tenía un Vox Continental disfrazado de Hammond. Esta fue la primera vez que Bruford estuvo en un estudio de grabación profesional, y fue solo cuando el álbum estuvo casi completo que se dio cuenta de que podía alterar los niveles de volumen de los instrumentos de los otros miembros de la banda en sus auriculares. En cambio, grabó sus partes con la guitarra fuerte en un oído "y nada más en el otro". Bruford describió su forma de tocar en el álbum como "una mezcla de todo lo que había escuchado" y más tarde reconoció su forma ingenua de tocar, específicamente para "balancear los platillos". Alrededor del tercer día de grabación, Ertegun visitó el estudio para escuchar lo que se había escrito, pero la banda no tenía nada que tocar para él.

"Beyond and Before" fue escrita por Squire y Clive Bailey, ex cantante y guitarrista de Mabel Greer's Toyshop, la banda de rock precursora de Yes. La banda abriría sus shows en vivo con esta melodía, que presenta armonías en tres partes. Años más tarde, Banks todavía no estaba seguro de lo que significaba la letra, pero sugirió que eran "inducidas por drogas". Squire lo describió como "una de esas canciones de rock ácido" con sus letras psicodélicas. "I See You" es una versión del original interpretada por la banda de rock estadounidense The Byrds. Banks estaba decepcionado con la versión grabada para el álbum, ya que luego reconoció los errores en él. La sección instrumental con el solo de guitarra a menudo se extendía durante varios minutos cuando se tocaba en vivo, a veces terminando con Banks arrojando su guitarra al aire y golpeándola en el escenario. "Yesterday and Today" fue una de las pistas grabadas en Trident Studios y presenta a Bruford tocando el vibráfono, a pesar de decirle a la banda que puede tocar el instrumento y Banks recuerda que el baterista se puso nervioso cuando se trataba de grabar. "Looking Around" siguió siendo una de las canciones favoritas de Squire en el álbum. A la hora de grabarlo, la banda tuvo algunas dificultades con su tono, ya que no estaban seguros de en qué tono estaba la canción.

"Harold Land" obtuvo su título de Bruford, quien recordó a alguien preguntando en voz alta cómo debería llamarse la pista. "Recuerdo que alguien dijo ... 'Quiero escribir una canción sobre un hombre llamado ...' y yo dije, 'Harold Land' mientras caminaba por la habitación". La canción lleva el nombre de Harold Land, un saxofonista tenor estadounidense, pero la letra de la canción trata sobre los efectos de la guerra en el personaje nombrado. La segunda versión del álbum es "Every Little Thing" de los Beatles. Squire no se dio cuenta de cuánto le gustaba la versión de la banda hasta que encendió la radio después de actuar en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York en 1984 y le gustó la instrumentación, sin reconocer que era la versión de la banda que se estaba reproduciendo hasta que se escuchó la voz de Anderson. "Sweetness" fue la primera canción en la que Anderson y Squire colaboraron después de su reunión inicial. Aparece en la película de comedia dramática Buffalo '66 (1998), la primera película con Vincent Gallo como director. "Survival" fue una canción que tuvo contribuciones de toda la banda, pero no se trabajó completamente debido al tiempo limitado que tenían para terminar el álbum. Más tarde se volvió molesto para Bruford, debido a sus letras inspiradas en la ecología y su melodía "goteante".

El álbum estaba empaquetado en una portada desplegable, con la impresión del Reino Unido con una portada de la palabra "YES" en azul y rojo dentro de un bocadillo sobre un fondo negro liso. La portada fue diseñada por Cosby / Fletcher / Forbes, un diseño colaboración entre los diseñadores gráficos Theo Crosby, Alan Fletcher y Colin Forbes, con el trabajo de diseño adicional de Haig Adishian. El periodista musical y biógrafo de la banda Chris Welch escribió más tarde: "Aunque la portada no estaba adornada con el tipo de arte de portada elaborado que Roger Dean introduciría en el álbum Fragile de 1971, la ... portada fue más efectiva". La portada de las grabaciones de Estados Unidos y Canadá muestra una fotografía de la banda en un centro arquitectónico en Fulham, tomada por el fotógrafo estadounidense David Gahr. También se incluyó en el lanzamiento remasterizado del álbum de 2003. La portada incluye una fotografía de grupo y tomas de mitad de concierto tomadas por Nicky Wright en Parliament Hill Fields en el norte de Londres. Cuando se trataba de producir las notas del forro, Flynn solicitó que su nombre fuera omitido de la lista de créditos. Anderson se acredita en el lanzamiento original como "John"; eliminó la "h" de su nombre en 1970.

Side one

1. "Beyond and Before" Chris Squire, Clive Bailey 4:52

2. "I See You" Jim McGuinn, David Crosby 6:47

3. "Yesterday and Today" Jon Anderson 2:49

4. "Looking Around" Anderson, Squire 3:58

Side two

1. "Harold Land" Anderson, Squire, Bill Bruford 5:40

2. "Every Little Thing" John Lennon, Paul McCartney 5:41

3. "Sweetness" Anderson, Squire, Bailey 4:31

4. "Survival" Anderson 6:18

Jon Anderson – lead vocals, incidental percussion

Peter Banks – guitars, backing vocals

Chris Squire – bass, backing vocals

Tony Kaye – organ, piano

Bill Bruford – drums, vibraphone

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King Crimson - Islands (Vinyl Rip 24-96)

1971 - Islands (Vinyl Rip 24-96)

Islands es el cuarto álbum de estudio de la banda inglesa King Crimson, lanzado en diciembre de 1971 en el sello discográfico Island. Islands es el único álbum de estudio que presenta la formación de gira de 1971-1972 de Robert Fripp, Mel Collins, Boz Burrell e Ian Wallace. Este sería el último álbum antes de que un grupo completamente nuevo grabara la trilogía de Larks 'Tongues in Aspic, Starless y Bible Black and Red entre 1973-1974. Este es también el último álbum que presenta la letra del miembro cofundador Peter Sinfield.

La base armónica de la melodía "The Letters" se deriva de la canción de Giles, Giles y Fripp "Why Don't You Just Drop In", disponible en la compilación The Brondesbury Tapes. La sección del puente también está tomada de la versión King Crimson de la canción, interpretada por la formación original, titulada simplemente "Drop In" y luego lanzada en el álbum en vivo Epitaph.

El primer lanzamiento en vinilo del álbum presenta una pista oculta. Al final de la cara dos hay una grabación de charla en el estudio seguida de Fripp diciendo, entre otras cosas, "... Qué vamos a hacer, umm ... hazlo dos veces más, una vez con el oboe, una vez sin y luego ... terminamos ". Esto se incluyó en el lanzamiento inicial del CD, pero accidentalmente se dejó de lado en las primeras ediciones del remaster del CD de la Edición Definitiva de 1989. Se restauró en todas las reediciones posteriores y se ha utilizado como música para "caminar" en todos los programas a partir de 2014.

La portada original del Reino Unido y Europa representa la Nebulosa Trífida en Sagitario y no muestra ni el nombre de la banda ni el título. La portada del álbum original de Estados Unidos y Canadá (publicada por Atlantic) era una pintura de Peter Sinfield de color blanquecino con "islas" de colores. Esto se usó como una funda plegable interna en el Reino Unido. Cuando EG volvió a publicar el catálogo de King Crimson, se estandarizaron en la portada de "Trifid Nebula" en todo el mundo.

El álbum fue relanzado en 2010 como el quinto lanzamiento de la serie 40th Anniversary de King Crimson, con nuevas mezclas estéreo y envolventes 5.1 (por Steven Wilson y Robert Fripp), notas de portada de Sid Smith y copiosas pistas adicionales y versiones alternativas. El CD presenta un remix estéreo completo de Steven Wilson y Robert Fripp junto con un grupo de pistas adicionales que representan un álbum alternativo casi completo de tomas de estudio, pasadas y mezclas. El DVD-A presenta una mezcla completa de sonido envolvente 5.1 de Steven Wilson, una versión estéreo de alta resolución de la mezcla de 2010, una versión estéreo de alta resolución de la mezcla del álbum original tomada de la fuente maestra del 30 aniversario y casi 90 minutos de material, la gran mayoría inédito, incluidas muchas tomas de estudio mezcladas de las sesiones de grabación originales específicamente para este lanzamiento. El material abarca todo, desde los primeros ensayos de "Pictures of a City" (una de las últimas canciones nuevas interpretadas por la formación de 1969) hasta "A Peacemaking Stint Unrolls", nunca antes escuchada (que muestra las primeras ideas y elementos que aparecerían en una forma completamente realizada en álbumes posteriores de KC), un fragmento de Fripp tocando la melodía de "Islands" en un mellotron, un "Sailor's Tale" en vivo del Zoom Club y mucho más.

Side A

1. "Formentera Lady" 10:18

2. "Sailor's Tale" (instrumental) 7:29

3. "The Letters" 4:28

Side B

4. "Ladies of the Road" 5:31

5. "Prelude: Song of the Gulls" (instrumental) 4:14

6. "Islands" (includes minute of silence and hidden track) 11:51

Robert Fripp – guitar, mellotron, harmonium (6), sundry implements, production

Peter Sinfield – lyrics, sounds and visions, cover design and painting, production

Mel Collins – saxophones, flute, bass flute (6), backing vocals, production

Ian Wallace – drums, percussion, backing vocals, production

Boz – bass, lead vocals, choreography, production

Paulina Lucas – soprano vocals (1)

Keith Tippett – piano

Robin Miller – oboe

Mark Charig – cornet

Harry Miller – double bass (1, 6)

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Deep Purple - In Rock (Vinyl Rip 24-96)

1970 - In Rock (Reissue 1981)

Deep Purple in Rock, o simplemente In Rock, es el cuarto álbum de estudio de la banda británica de hard rock Deep Purple, publicado el 3 de junio de 1970 en el Reino Unido a través de la discográfica Harvest Records y en Estados Unidos a través de Warner Bros. Records. Este trabajo supone el debut del bajista Roger Glover y del vocalista Ian Gillan, que junto a los miembros fundadores Ian Paice, Ritchie Blackmore y Jon Lord, compondrían la formación más exitosa de la banda, conocida como Mark II.

In Rock obtuvo buenas reseñas y ventas, y está considerado como uno de los primeros álbumes de heavy metal por publicaciones como Rolling Stone o Allmusic. Entre las canciones del disco se encuentran «Speed ​​King», un tema rápido y agresivo que abre el álbum, y «Child in Time», de más de diez minutos de duración y en el que destacan el registro vocal de Gillan y el solo de guitarra de Blackmore. En algunos países también se incluyó el sencillo «Black Night», grabado durante las sesiones del álbum.

En junio de 1969, Deep Purple publicó su tercer trabajo, titulado de manera homónima. Poco después el bajista Nick Simper y el vocalista Rod Evans dejaron la banda. Los miembros restantes del grupo, el teclista Jon Lord, el batería Ian Paice y el guitarrista Ritchie Blackmore, decidieron cambiar la dirección musical y contrataron al vocalista Ian Gillan y Roger Glover, ambos miembros de Episode Six. Esta nueva formación comenzó a componer nuevas canciones, más agresivas que las anteriores. Por su parte, Lord retomó su idea de combinar la música clásica de los grandes compositores con el rock. A pesar de que los restantes miembros recelaron de la idea, los gerentes de su discográfica estaban entusiasmados con ella, ya que permitía a la banda conseguir una mayor atención. El resultado del plan de Lord fue un concierto realizado con la Orquesta Filarmónica Real, publicado con el nombre de Concierto para grupo y orquesta en septiembre de ese año.

La grabación del álbum comenzó en octubre de 1969, pero la mala situación económica obligó a la banda a realizar conciertos durante las sesiones. Tetragrammaton Records, la discográfica que se encargaba de publicar los trabajos de Deep Purple en Estados Unidos, estaba en bancarrota y no pudo promocionar el álbum. Finalmente, Warner Bros. Records compró Tetragrammaton a principios de 1970 y pagó además las deudas acumuladas por la banda.

Las grabaciones terminaron en abril de 1970, después de casi ocho meses. Deep Purple utilizó dos estudios, IBC y De Lane Lea, en función de su disponibilidad; Andy Knight fue el productor de las sesiones realizadas en el primero y Martin Birch de las del segundo. Además, la banda también grabó algunos temas en los estudios Abbey Road, con la producción de Philip McDonald.

Durante las grabaciones, Ritchie Blackmore se reunió con su ex compañero en The Outlaws, Mick Underwood, que estaba grabando un disco del proyecto Quatermass. Underwood le mostró la canción «Black Sheep of the Family» que entusiasmó al guitarrista. 15 Años más tarde, durante las sesiones de grabación del disco Stormbringer, Blackmore quiso versionar este tema pero los demás miembros se negaron. Este hecho provocó que el músico se retirara del grupo en 1975 y formara Rainbow.

Cara A

«Speed King» 5:48

«Bloodsucker» 4:10

«Child in Time» 10:14

Cara B

«Flight Of The Rat» 7:51

«Into The Fire» 3:28

«Living Wreck» 4:27

«Hard Lovin' Man» 7:11

41:46

Ritchie Blackmore - guitarra

Ian Gillan - voz

Jon Lord - teclados

Ian Paice - batería

Roger Glover - bajo

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Jethro Tull - Thick As A Brick (Vinyl Rip 32-192)

1972 - Thick As A Brick (USA) [32-192]

Thick as a Brick es el quinto álbum de estudio de la banda de rock británica Jethro Tull, lanzado en marzo de 1972. El álbum contiene una pieza musical continua, dividida en dos caras de un disco LP, y es una parodia del género de álbumes conceptuales. El empaque original, diseñado como un periódico, afirma que el álbum es una adaptación musical de un poema épico del genio ficticio de ocho años Gerald Bostock, aunque la letra en realidad fue escrita por el líder de la banda, Ian Anderson.

El álbum fue grabado a finales de 1971, con música compuesta por Anderson y arreglada con la contribución de todos los miembros de la banda. El álbum fue el primero en incluir al baterista Barrie "Barriemore" Barlow, reemplazando al anterior baterista de la banda, Clive Bunker. El espectáculo en vivo que promociona el álbum incluyó la reproducción de la suite completa, con varios interludios cómicos. Thick as a Brick es considerado por los críticos como el primer lanzamiento de Jethro Tull que consiste enteramente en música rock progresiva. Recibió críticas mixtas en su lanzamiento, pero fue un éxito comercial y encabezó varias listas en 1972. Hoy en día es considerado como un clásico del rock progresivo y ha recibido varios elogios. Anderson produjo una continuación del álbum en 2012, centrándose en la vida adulta del ficticio Gerald Bostock.

El líder y compositor de Jethro Tull, Ian Anderson, se sorprendió cuando los críticos llamaron al anterior álbum de la banda, Aqualung (1971), un "álbum conceptual". Rechazó esto, pensando que era simplemente una colección de canciones, por lo que en respuesta decidió "inventar algo que realmente sea la madre de todos los álbumes conceptuales". Tomando el humor surrealista inglés de Monty Python como influencia, comenzó a escribir una pieza que combinaría música compleja con sentido del humor, con la idea de que se burlaría alegremente de la banda, el público y los críticos musicales. . También pretendía satirizar el género de rock progresivo que era popular en ese momento. Su esposa Jennie también fue una inspiración, a quien atribuyó haber ideado el personaje y la letra de "Aqualung". Le había escrito una carta a Anderson mientras él estaba de gira por el álbum, diez líneas de las que Anderson utilizó como inspiración para el nuevo material.

Anderson también ha dicho que "el álbum era una parodia de los álbumes de Yes y Emerson, Lake & Palmer, muy parecido a lo que había sido la película Airplane! concepto de álbumes conceptuales basados ​​en el gran rock ". Aunque Anderson escribió toda la música y las letras, co-acreditó la escritura a un colegial ficticio llamado Gerald Bostock. El humor fue lo suficientemente sutil como para que algunos fanáticos creyeran que Bostock era real. Al revisar la reedición del 40 aniversario, Noel Murray sugirió que muchos oyentes del álbum original "se perdieron la broma".

El grupo realizó dos semanas de ensayos en el estudio del sótano de los Rolling Stones en Bermondsey. No tenían la intención de grabar una sola pieza continua; la banda ideó segmentos de canciones individuales, luego decidió escribir piezas musicales cortas para unirlas.

La grabación comenzó en diciembre de 1971 en Morgan Studios, Londres. A diferencia de álbumes anteriores, en los que Anderson generalmente había escrito canciones por adelantado, solo se había elaborado la sección inicial del álbum cuando la banda entró en el estudio. El resto de la suite fue escrito durante las sesiones de grabación. Para compensar la falta de material, Anderson se levantaba temprano cada mañana para preparar música para que el resto de la banda la aprendiera durante la sesión de ese día. Las letras se escribieron primero, con la música construida para encajar en ellas. Anderson recuerda que el álbum tardó unas dos semanas en grabarse y otras dos o tres en sobregrabar y mezclar. El trabajo final abarcó toda la longitud de un disco LP, dividido en dos caras.

El grupo recordó que la grabación fue un proceso feliz, con un fuerte sentimiento de camaradería y diversión, con numerosas bromas pesadas. Eran fanáticos de Python, y este estilo de humor influyó en las letras y el concepto general. El guitarrista Martin Barre recuerda que toda la banda proponía varias ideas para la música. Algunas partes se grabaron en una sola toma y cada miembro tuvo una contribución, incluidas las contribuciones significativas del teclista John Evan.

Algunos críticos vieron a Thick as a Brick como el primer álbum de rock progresivo de Jethro Tull. El álbum tiene una variedad de temas musicales, cambios de compás y cambios de tempo, todos los cuales fueron características de la escena del rock progresivo. Aunque el álbum terminado se ejecuta como una pieza continua, se compone de un popurrí de canciones individuales que se encuentran entre sí, ninguna de las cuales dura más de 3-5 minutos individualmente. Algunas partes de la suite combinan música clásica y folclórica en el marco típico de la música rock.

El álbum presenta de manera prominente flauta, guitarras acústicas y eléctricas y un órgano Hammond, que se había usado anteriormente, pero la instrumentación incluye clavicémbalo, xilófono, timbal, violín, laúd, trompeta, saxofón y una sección de cuerdas, todos poco comunes en los primeros blues de la banda. -inspirado en el rock. Anderson dijo más tarde que la letra se derivaba en parte de sus propias experiencias infantiles, aunque el tema general era el intento de Bostock de darle sentido a la vida desde su punto de vista.

La portada original del LP fue diseñada como una parodia de un periódico inglés de una pequeña ciudad de 12 x 16 pulgadas (305 x 406 mm), titulado The St. Cleve Chronicle y Linwell Advertiser, con artículos, concursos y anuncios satirizando el típico periodismo parroquial y aficionado. de la prensa local inglesa. La compañía discográfica de la banda, Chrysalis Records, se quejó de que la portada sería demasiado cara de producir, pero Anderson respondió que si se pudiera producir un periódico real, también sería práctica una parodia de uno.

El periódico simulado, fechado el 7 de enero de 1972, también incluye la letra completa de "Thick as a Brick" (impresa en la página 7), que se presenta como un poema escrito por Bostock, cuya descalificación de un concurso de poesía es el tema central de la portada. -historia de la página. En este artículo se afirma que aunque Bostock inicialmente ganó el concurso, la decisión de los jueces fue derogada luego de protestas y amenazas sobre el carácter ofensivo del poema, junto con la sospecha de inestabilidad psicológica del niño. siendo el padre del hijo de su amiga Julia, de 14 años. El interior del artículo presenta una reseña simulada de "Julian Stone-Mason BA", un seudónimo de Anderson.

El contenido del periódico fue escrito principalmente por Anderson, el bajista Jeffrey Hammond y el tecladista John Evan. Si bien algunas de las piezas eran obviamente tontas, como "El propio magistrado multas", había una larga historia titulada "No me veas, conejo" sobre un piloto en la Batalla de Gran Bretaña que fue derribado por un Messerschmitt Bf 109. El diseño general fue diseñado por Roy Eldridge de Chrysalis, quien anteriormente había trabajado como periodista. La mayoría de los personajes del periódico eran miembros de la banda, su gerencia, equipo de gira o colegas; por ejemplo, el ingeniero de grabación Robin Black interpretó a un campeón local de patinaje sobre ruedas. Anderson recuerda que la portada tardó más en producirse que la música.

El periódico satírico fue muy abreviado para los folletos de CD convencionales, pero la portada del CD de edición especial del 25 aniversario está más cerca del original, y la versión en caja del 40 aniversario contiene la mayor parte del contenido del periódico original.

Side one

1. "Thick as a Brick, Part I" 22:40

Side two

2. "Thick as a Brick, Part II" 21:06

Ian Anderson – vocals, acoustic guitar, flute, violin, trumpet, saxophone, accordion

Martin Barre – electric guitar, lute, flute

John Evan – piano, organ, harpsichord

Jeffrey Hammond (as "Jeffrey Hammond-Hammond") – bass guitar, spoken word

Barriemore Barlow – drums, percussion, timpani

Dee Palmer – orchestral arrangements

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Miles Davis Por Tres Vol. 3 Round About Midnight, Miles Ahead & Sketches Of Spain

Round About Midnight, Miles Ahead & Sketches Of Spain

Round About Midnight

En el Festival de Jazz de Newport en 1955, Davis interpretó la canción "'Round Midnight" como parte de una jam session de estrellas, con el compositor de la canción Thelonious Monk, junto con Connie Kay y Percy Heath del Modern Jazz Quartet, Zoot Sims, y Gerry Mulligan. El solo de Davis recibió una recepción positiva por parte de muchos fanáticos y críticos del jazz. Su respuesta a esta actuación fue típicamente lacónica: "¿De qué están hablando? Simplemente jugué como siempre juego". George Avakian de Columbia Records estaba entre el público, y su hermano Aram lo convenció de que debía fichar a Davis por el sello.

Davis firmó con Columbia y formó su "primer gran quinteto" con John Coltrane en el saxofón. Round About Midnight fue su primer álbum para el sello. Todavía estaba bajo contrato con Prestige, pero tenía un acuerdo de que podía grabar material para que Columbia lo publicara después de la expiración de su contrato con Prestige. La grabación tuvo lugar en los estudios de Columbia; la primera sesión fue el 26 de octubre de 1955 en Studio D, durante la cual se grabó el tema "Ah-Leu-Cha" con tres temas que no aparecían en el álbum. Esta es la primera grabación de estudio del quinteto. El resto del álbum se grabó durante las sesiones del 5 de junio de 1956 ("Dear Old Stockholm", "Bye Bye Blackbird" y "Tadd's Delight") y el 10 de septiembre de 1956 ("All of You" y el título "Round Midnight ") en 30th Street Studio de Columbia. Durante el mismo período, Miles Davis Quintet también estuvo grabando sesiones para cumplir con su contrato con Prestige.

Side one

1. "'Round Midnight" Thelonious Monk, Bernie Hanighen, Cootie Williams 5:58

2. "Ah-Leu-Cha" Charlie Parker 5:53

3. "All of You" Cole Porter 7:03

Side two

1. "Bye Bye Blackbird" Mort Dixon, Ray Henderson 7:57

2. "Tadd's Delight" Tadd Dameron 4:29

3. "Dear Old Stockholm" traditional; arranged by Stan Getz 7:52

Miles Davis – trumpet

John Coltrane – tenor saxophone

Red Garland – piano

Paul Chambers – double bass

Philly Joe Jones – drumset

Miles Ahead

Miles Ahead es un álbum de Miles Davis que fue lanzado en octubre de 1957 por Columbia Records. Fue la primera colaboración de Davis con el arreglista Gil Evans después de las sesiones de Birth of the Cool. Junto con sus posteriores colaboraciones Porgy y Bess (1959) y Sketches of Spain (1960), Miles Ahead es una de las grabaciones más famosas de Third Stream, una fusión de jazz, música clásica europea y músicas del mundo. Davis tocó fliscorno en todo momento.

"Springsville" (John Carisi) – 3:27

"The Maids of Cadiz" (Léo Delibes) – 3:53

"The Duke" (Dave Brubeck) – 3:35

"My Ship" (Kurt Weill, Ira Gershwin) – 4:28

"Miles Ahead" (Davis, Evans) – 3:29

"Blues for Pablo" (Evans) – 5:18

"New Rhumba" (Ahmad Jamal) – 4:37

Medley Pt. 1: "The Meaning of the Blues" (Bobby Troup, Leah Worth) – 2:48

Medley Pt. 2: "Lament" (J. J. Johnson) – 2:14

"I Don't Wanna Be Kissed (By Anyone but You)" (Harold Spina, Jack Elliot) – 3:05

Miles Davis – Flugelhorn

Bernie Glow – Lead trumpet

Ernie Royal – Trumpet

Louis Mucci – Trumpet

Taft Jordan – Trumpet

John Carisi – Trumpet

Frank Rehak – Trombone

Jimmy Cleveland – Trombone

Joe Bennett – Trombone

Tom Mitchell – Bass trombone

Willie Ruff – French horn

Tony Miranda – French horn

Jim Buffington – French horn

Bill Barber – Tuba

Lee Konitz – Alto sax

Danny Bank – Bass clarinet

Romeo Penque – Flute and clarinet

Sid Cooper – Flute and clarinet

Paul Chambers – Double bass

Art Taylor – Drums

Wynton Kelly – Piano

Gil Evans – Arranger and Conductor

Sketches Of Spain

Sketches of Spain es un álbum de Miles Davis, grabado entre noviembre de 1959 y marzo de 1960 en el Columbia 30th Street Studio en la ciudad de Nueva York. Se incluye una versión ampliada del segundo movimiento del Concierto de Aranjuez (1939) de Joaquín Rodrigo, así como una pieza titulada "Will o 'the Wisp", del ballet El amor brujo (1914-1915) de Manuel de Falla. Sketches of Spain se considera una grabación ejemplar de Third Stream, una fusión musical de jazz, clásicos europeos y estilos de músicas del mundo.

Side one

1. "Concierto de Aranjuez (Adagio)" Joaquín Rodrigo 16:19

2. "Will o' the Wisp" Manuel de Falla 3:47

Side two

1. "The Pan Piper (Alborada de Vigo)" Traditional 3:52

2. "Saeta" Gil Evans 5:06

3. "Solea" Gil Evans 12:15

 

Danny Bank – bass clarinet

Bill Barber – tuba

John Barrows – French horn

Albert Block – flute

James Buffington – French horn

Eddie Caine – flute

Paul Chambers – bass

Earl Chapin – French horn

Jimmy Cobb – drums

Johnny Coles – trumpet

Miles Davis – arranger, trumpet, flugelhorn

Gil Evans – arranger, conductor

Harold Feldman – clarinet, flute, oboe

Bernie Glow – trumpet

Dick Hixon – trombone

Elvin Jones – percussion

Taft Jordan – trumpet

Jack Knitzer – bassoon

Jose Mangual – percussion

Jimmy McAllister – tuba

Tony Miranda – French horn

Louis Mucci – trumpet

Romeo Penque – oboe

Janet Putnam – harp

Frank Rehak – trombone

Ernie Royal – trumpet

Joe Singer – French horn

ENLACES

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Rock Nacional Parte 3 b (1971, 1972, 1975 & 1980)

David Lebon, Espiritu, Voix Dei & Manal.

David Lebon - Nayla (1980)

Nayla es el segundo álbum solista de David Lebón, lanzado a principios de 1980 por Sazam Records. Un verdadero tesoro oculto que en su momento pasó un tanto (y muy injustamente) desapercibido, 'tapado' por el suceso de Serú Giran.

Originalmente concebido como LP doble, el álbum fue gestado mientras Lebón formaba parte de Serú Girán, aunque finalmente fue editado como LP sencillo, ante la negativa de la compañía discográfica.

Las canciones de este disco formaban parte del repertorio de Seleste, grupo de rock de Lebón antes de formar Serú Girán, que fusionaba estilos como el jazz rock y el rock progresivo, el proyecto duraría sólo un año, hasta que en 1978 Lebón aceptó la propuesta de Charly García para formar Serú Girán, e irse a Búzios (Brasil).

La salida del LP se retrasó casi un año a causa del accidente sufrido por la hija de David, Nayla, a quien se le debe el nombre del disco.

Contó con la participación de Pedro Aznar, sumado a Oscar Moro, Diego Rapoport y Rinaldo Raffanelli. Fue presentado al público el 22 de marzo de 1980 en el Teatro Premier de Buenos Aires, donde estuvo nuevamente junto a Pedro y los músicos mencionados anteriormente.

David Lebón: Guitarra, batería, teclados, piano acústico, voz.

Pedro Aznar: Bajo fretless, teclados.

Rinaldo Rafanelli: Bajo

Diego Rapoport: Piano Yamaha

Oscar Moro: Batería

Espiritu - Crisalida (1975)

"Nunca antes un grupo que debutaba en el disco había provocado tantas expectativas y, tampoco, ninguno en su ópera prima se había arriesgado tanto. Típico producto de una naciente tercera generación de rock argentina, Espíritu no sólo la representa por una cuestión de edad, sino que también es el fiel reflejo de nuevas corrientes musicales e instrumentales, iniciadas en todo el mundo a poco de Inciada la década de los setenta. El proyecto de la obra "Crisálida" no sólo era ambicioso por el hecho de serlo, sino que, además, representaba un encuadramiento multifónico. Las vallas fueron superadas —es visible— merced a un esmero a veces maníaco, pero siempre efectivo. Aunque, justo es resaltarlo, gran parte de esa efectividad está sustanciada en la mesa de control de las grabaciones; es decir, en el trabajo de Billy Bond (a esta altura el mejor logrador de sonidos en Argentina). Espíritu tiene. a partir de este álbum, las puertas abiertas de una difícil percepción de la música. Lo que ellos intentan no es fácil. Con "Crisálida" han hecho un esfuerzo memorable que modificará las pautas de trabajo de muchos otros grupos; aún entre aquellos que, aparentemente se encuentran en estadios superiores. No es una cuestión de mejor a peor música, no se trata de eso, el asunto es un nuevo concepto y encaramiento de la música a niveles de mayor elaboración y de liberación a través de la polifonía, del meticuloso enfrentamiento con las estructuras melódicas. TAPA: buen trabajo de Juan Gatti; excelentes imágenes gráficas en la contratapa: información nula.

SINTESIS: En un año donde las ediciones son escasas y los aportes válidos pocos, Espíritu se convierte en una catapulta de optimismo para el rock de Argentina."

                                                                                                    

Revista Pelo: Critica del disco (1975)

Fernando Berge: Voz

Osvaldo Favrot: Guitarras, coros

Gustavo Fedel: Teclados

Claudio Martinez: Bajo

Carlos Goler: Bateria, percusion, coros

Manal - El Leon (1971)

El León es el segundo álbum de estudio del trío Manal (Alejandro Medina, Claudio Gabis y Javier Martínez), considerado junto a Los Gatos y Almendra grupo fundacional del movimiento de rock argentino1 y el primero en abordar el género blues cantando letras en castellano. El álbum salió a la venta en 1971, y poco después la banda se disolvió.

En comparación con Manal, primer álbum del grupo, El León posee una sonoridad más rockera y está interpretado con más energía que su predecesor. Tanto los arreglos instrumentales como los vocales de Javier Martínez se inscriben en un estilo de rock más pesado. La guitarra explota casi invariablemente el timbre distorsionado, y la sección rítmica suena siempre en primer plano (por ejemplo en "Paula quiero ver donde estas", una canción con un estilo parecido a "I Want You" de The Troggs o incluso a "Dazed and Confused" de Led Zeppelin). El álbum comienza con mayor velocidad, gracias a "No hay tiempo de más".

Aunque para muchos Manal es un trabajo más refinado que El León, los fans del rock duro lo consideran como un álbum de igual calidad que el anterior.

Javier Martinez: Bateria, percusion, voz

Claudio Gabis: Guitarras electricas

Alejandro Medina: Bajo electrico, guitarra, voz

Vox Dei - Cuero Caliente (1972)

"En el 72 regrabamos el LP "Caliente" con el título de "Cuero caliente" porque al quebrar Mandioca y ser embargada se paró la venta de ese LP. Liberamos el material con el permiso del editor, Jorge Álvarez. Los títulos diferentes es porque cuando grabamos en Mandioca no éramos socios de Sadaic y poníamos el título que nos daba la gana. Cuando nos asociamos, al presentar los títulos algunos fueron aceptados, entonces pusimos opciones. Así por ejemplo. "Presente" quedó como "El momento en que estás (presente)". Como "Canción para una mujer" ya estaba registrada, le pusimos "Canción para una mujer (que no está)". Así la gente se daba cuenta. "Reflejos" se llamó "Reflejos tuyos y míos". "Total qué" se llamó "A nadie le interesa si quedás atrás (total qué)". "Cuero" se convirtió en "Tan solo estás recordándome". Sustancialmente era la misma milonga. . . Varió el sonido y la onda de los temas. El primer LP había sido grabado entre 5 personas, teníamos un tumbador negro y a Godoy. La segunda vez lo hicimos en trío. Cambió la forma de tocar". 

Rubén Basoalto (Revista Pelo-1978)

Willy Quiroga: Bajo, voz y coros

Ricardo Soulé: Guitarras, organo, voz y coros

Rubén Basoalto: Batería, voz y coros

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Rock Nacional Parte 3 a (1974, 1975, 1976 & 1977)

Aquelarre, Crucis, Invisible & La Maquina de Hacer Pajaros

Aquelarre - Brumas (1974)

 "Cuando uno termina de escuchar este disco abre inmediatamente una incógnita: ¿Cuál será el próximo paso de Aquelarre? Conocer el punto al que ha llegado el grupo en este tercer álbum es un acicate motivante para barajar posibilidades futuras. La música que comenzaron a hacer posiblemente se canalice en algo realmente diferente a lo que ha venido ocurriendo dentro del rock (para hablar genéricamente) argentino. Hay dos detalles claves: la inclusión de orquesta en "Brumas en la bruma" y el resabio latino-americano de "Silencio marginal" están hablando de un rompimiento de barreras para tratar la música en todas sus dimensiones. Algunos quizás opinen que a este album le falte parte de la fuerza (quizás rock, piensan) de las dos entregas anteriores. Y puede ser. Es posible porque Aquelarre parece buscarse (o tal vez, recrearse) en todos los territorios y no en un solo. Como los anteriores discos, Brumas es un album pensado, ensayado y evaluado técnicamente. Los teclados de Neira están constantemente en la búsqueda armónica y el bajo de Del Guercio parece tener otro sonido. Las voces alcanzan su punto más alto en los coros y cuando Del Guercio tiene un tema adecuado y al alcance de su registro. Una de las novedades es un tema cantado por Rodolfo García, el baterista. Hector Starc, en cambio, ha pasado más desapercibido en este álbum, cosa que vista desde otro ángulo, es positiva para un conjunto que intenta hacer música grupal en serio.

Tapa: Uno de los mejores materiales que se han dado en este sentido ha sido el editado por Aquelarre. En esta oportunidad lo sigue haciendo con la ejecución de Del Guercio, artesano vocacional de la estética.

Síntesis: Aquelarre es una faceta progresiva, alentadora de la música moderna en la Argentina. Pero quizás lo más interesante es que lo logran, como en "Brumas", sin grandes escenificaciones teatrales, ni puestas en escena curiosas. Aquelarre es lo que es porque quiere serlo. Y este álbum abre la puerta para que uno pueda escucharlo todo, sentirlo todo si quiere realmente hacerlo." 

Revista Pelo - Reseña del album (1974)

Emilio del Guercio: Bajo, guitarra, voz

Hector Starc: Guitarras, voz

Hugo Gonzalez Neira: Teclados, voz

Rodolfo Garcia: Bateria, percusion, voz 

Crucis - Crucis (1976)

"El primer Crucis existió hasta 1975 y contaba con el bajista José Luis Fernández (luego de La Máquina de Hacer Pájaros). El cuarteto definitivo se consolidó en julio del '75 con el ingreso del baterista uruguayo Gonzalo Farrugia (ex Psiglo), Pino Marrone (guitarra), Aníbal Kerpel (teclado) y Gustavo Montesano (bajo y canto), eran los tres restantes. Ensayaban diariamente de 15 a 20, hasta el día histórico ya mencionado. Incluso el diario Crónica (que en general solo se ocupaba del Rock cuando había algún desorden callejero) los había tomado en cuenta con un artículo titulado: "Fulminante consagración"

El cuarteto no sólo representaba un ejemplo de trabajo armónico, sino que se ubicaba en la cumbre de la música electrica urbana.

Marrone fue la revelación del año como guitarrista, y en los teclados Kerpel dejaba atónitos a los oyentes. Lo apodaban "el mariscal" y precisamente su tema "Los Delirios del Mariscal" es una de las obras mayores del grupo. Establecían coordenadas armónicas de una sutileza y una intensidad que pocos habían alcanzado en los primeros 10 años de Rock nacional. Se ponían en acción en vivo y parecía como si se conectara una usina gigante.

El único punto flojo de la experiencia era la voz de Montesano. Como cantante era bastante deficitario. Alvarez situaba la voz atrás con cámara y efectos, pero eso no remediaba la carencia. Aunque dado que la mayoría de las composiciones eran instrumentales, el problema quedaba en segundo plano. La música de Crucis se inscribía en la órbita contemporánea donde se aunaban componentes del rock y del jazz, en sus tendencias libres. En su etapa final, considerando que al inicio, la mayoría de los temas era aportada por el bajista, con quien surgieron varios desencuentros -tal vez por sus propias limitaciones como cantante y su obstinación por hacerlo- los materiales de Kerpel y Marrone abusaban del free y por momentos parecían fuegos sonoros de artificio. De todos modos, se manejaron con lucidez y establecieron un punto referencial de exigencia en momentos donde nuestra joven música urbana crecía en calidad y cantidad."

Revista: Cantarock 

Aníbal Kerpel: Teclados

Gonzalo Farrugia: Batería

Gustavo Montesano: Bajo y voz

Pino Marrone: Guitarra

Invisible - Durazno Sangrando (1975)

"Básicamente el "Durazno" representa dos visiones de la vida espiritual, una oriental y la otra occidental. Nosotros somos occidentales, y occidentalistas; por lo tanto, el misterio filosófico oriental es difícil de interpretar desde una óptica saturada de sofisticación como la nuestra; para poder investigar en ese arte y filosofía debemos desprendernos de todas esas cosas. El "Durazno" es una concepción un tanto cristiana de la sangre, de lo que es Cristo, y por otra parte representa la visión oriental de la Flor de Oro, una flor de origen celeste que representa la divinidad para los chinos. Nosotros pretendimos aglutinar estos conceptos con un tercero que involucra directamente a los anteriores, que es el amor. Creemos que por encima de cualquier presunción o preconcepto, el gran problema que aqueja al hombre es el amor, y la entrega del amor. En el último tema —"Dios de adolescencia"— se resume toda la propuesta del disco. Dice así: "Ya que Dios es un mundo/en el que amar es la eternidad que uno busca".

Nosotros en un momento pensamos poner las referencias de las fuentes consultadas, pero llegamos a la conclusión de que no sería lo indicado. Por otra parte, las referencias son también teóricas, y su interpretación puede presentar obstáculos. Entonces preferimos que la gente se indujera por propio impulso a buscar las fuentes, o no... Además es bueno aclarar que el hecho de que nosotros nos hayamos dirigido a determinadas filosofías orientales para concebir una serie de canciones no significa que seamos monjes tibetanos o budistas; y si decidimos no poner ningún comentario, fue para que no existiera un prejuicio en el oyente. Creo que los problemas de espíritu sólo los puede solucionar uno, y quizás resultaba algo superficial citar los textos que sirvieron para hacer las canciones. No creo que uno se ilumine leyendo un libro, pero si, en cambio, se le da música y algunos conceptos artísticos lúcidos, la persona se motiva a seguir adelante. No quiero decir que los libros no sirvan, pero yo prefiero el camino emocional, al camino intelectual."

Luis Alberto Spinetta - Sobre Durazno Sangrando (Revista Pelo-1976)

Luis Alberto Spinetta: Guitarras y voz.

Carlos Alberto 'Machi' Rufino: Bajo y voz.

Héctor 'Pomo' Lorenzo: Batería

La Maquina de Hacer Pajaros - Idem (1977)

"El disco más caro de música popular que se haya editado hasta el momento en la Argentina, no será recordado precisamente por ese hecho comercial: La Máquina de Hacer Pájaros aspira a consolidarse, a través de la música de este primer long play, como uno de los grupos de la tercera generación del rock que está produciendo aperturas diferentes. El nudo Gordiano del grupo es sin duda Charly García: más que él mismo, quizás sus propios fantasmas. De pronto, García fue una star dentro del rock argentino. Los diarios y las revistas hablan mucho de él, su música y su personalidad. Pero aún no se han olvidado de Sui Generis (cambiar de clichés mentales lleva mucho tiem-po).

García, en cambio, parece haber querido erradicar esa idea brutalmente, con la síntesis de una mú-ica casi opuesta (a excepción de "Bubulina") a la temática del viejo dúo. Cutaia, Fernández y Bazterrica han colaborado mucho en ese despojamiento. Tanto que logran convertirse en vértices del grupo tanto como el propio Charly Garcia, que hasta parece deslucido cuando intenta cantar (no puede ser primera voz). Moro, inmutable, mantiene el mismo nivel poderoso de siempre, cumpliendo con su función sostenedora, aunque quizás siempre demasiado humilde.

La Máquina de Hacer Pájaros tiene mucha "máquina". 

Tapa: Realmente original y una de las mejor ideadas de los últimos tiempos.

Síntesis: Un auspicioso debut discográfico de "La Máquina de Hacer Pájaros" pero que, a la vez. deja el interrogante de logros futuros más contundentes".

 Revista Pelo - Critica del disco (1976)

Charly Garcia: Piano, sintetizador, piano electrico, clavinet, guitarra acustica, voz

Jose Luis Fernandez: Bajo, guitarra acustica, contrabajo, coros

Gustavo Bazterrica: Guitarra electrica y acustica

Carlos Cutaia: organo, Sintetizadores, piano, clavinet

Oscar Moro: Bateria, percusion

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Gentle Giant – Acquiring The Taste (Vinyl Rip 24-96)

1971 - Acquiring The Taste 1971 (2nd UK, Vertigo 6360 041)

Acquiring the taste fue el segundo disco de la banda británica de rock progresivo Gentle Giant, publicado el 16 de julio de 1971. Considerado como uno de los mejores álbumes de la banda por sus fanes, este álbum representa una gran mejora en cuanto a arreglos y producción con respecto al álbum de debut de la banda, Gentle Giant.

Cara A

"Pantagruel's Nativity" – 6:50

"Edge of Twilight" – 3:47

"The House, The Street, The Room" – 6:01

"Acquiring the Taste" – 1:36

Cara B

"Wreck" – 4:36

"The Moon Is Down" – 4:45

"Black Cat" – 3:51

"Plain Truth" – 7:36

Gary Green - guitarra eléctrica, guitarra de 12 cuerdas, voz.

Kerry Minnear - piano eléctrico, órgano, melotrón, vibráfono, sintetizador Moog, piano, celesta, clavicordio, clavecín, timbal, xilófono, maracas, voz.

Derek Shulman - saxo alto, clavicordio, cencerro, voz.

Phil Shulman - saxos alto y tenor, clarinete, trompeta, piano, claves, maracas, voz.

Ray Shulman - bajo, violín, viola, violín eléctrico, guitarra clásica, pandereta, guitarra de 12 cuerdas, voz.

Martin Smith - batería, aro de sonajas, gongs, caja orquestal.

Paul Cosh - trompeta y órgano

Tony Visconti - flauta, triángulo, bombo.

Chris Thomas - sintetizador Moog.

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Yes - Time And A Word [LP 24-96]

1970 - Time And A Word (UK)[LP 24-96]

Time and a Word es el segundo álbum de la banda de rock progresivo Yes, lanzado a mediados de 1970 en el Reino Unido y en noviembre del mismo año en Estados Unidos. Este fue el último disco de Yes realizado por la alineación original, ya que Peter Banks fue despedido después de terminar las sesiones de grabación.

La ambiciosa decisión de utilizar arreglos orquestales en la mayoría de las canciones del álbum disminuyó el rol de Banks como guitarrista. Las tensiones dentro del grupo aumentaron, hasta que inmediatamente después de terminar la grabación del álbum a principios de 1970, se le pidió a Banks que abandonara el grupo. Steve Howe se uniría a la banda en el mes de marzo.

El uso de arreglos de cuerdas en Time and a Word pareció excesivo a algunos críticos. Aunque en su momento el álbum tuvo un recibimiento un tanto tibio (alcanzando el sitio 45, debut de Yes en las listas de popularidad del Reino Unido), se le tiende a recordar de forma más favorable en la actualidad.

Con la llegada de Steve Howe, la banda comenzaría a componer en el verano de 1970 la música para The Yes Album, que en la primavera del año siguiente representaría el primer verdadero éxito del grupo. Por esto Time and a Word representa el fin de la etapa formativa de Yes.

Se suele argumentar que la salida de Peter Banks poco después de la grabación de Time and a word fue motivada por su negativa a introducir orquestación en las canciones del grupo. Según afirma Chris Squire fue la razón principal​ pero existían otras.

Banks prefería estilos de corte "mod" y era admirador de Pete Townshend de The Who, lo que no encajaba realmente en la idea musical de Jon Anderson y Chris Squire, que eran los que marcaban el rumbo de la banda.

El mismo Peter Banks afirmó: "ya no disfrutaba tocando en el grupo en los dos últimos meses. Sentía que me estaba estancando. Cada noche en el escenario era más de lo mismo de la anterior. El grupo sabía que hacía falta un cambio. Había alcanzado mi límite en el grupo. Es cierto que tenía libertad dentro de él pero me faltaba inspiración".

El último día de Banks en la banda fue el 18 de abril de 1970. Tras el concierto ofrecido en el Luton Technical College, Anderson y Squire se le acercaron en el camerino y le dijeron "creemos que sería mejor para ti y para el grupo si te fueras".

Esto fue un golpe duro para Banks que no se lo esperaba. Aunque ya no estaba cómodo en el grupo, consideraba que formaba parte de él como cualquiera de los otros miembros. Tuvo que aceptar su salida con cierto resentimiento y dolor. De hecho tuvo que seguir compartiendo casa con el grupo durante un tiempo y dejó de hablar a algún miembro como Bruford.

Bill Bruford por su parte, vio la salida de Banks como una gran oportunidad de futuro. Declaró "no es el fin del grupo. Es el principio! Me siento 10 años más joven".

Jon Anderson confesó que "sentíamos que nos estábamos separando musicalmente de Peter. No tocaba nuestro estilo y creíamos que estábamos perdiendo contacto con nuestra música. Queríamos que Peter siguiera su propio camino".

Musicalmente Banks fue posiblemente el que menos aportaba al grupo. Simplemente se limitaba a la guitarra rítmica y algún breve solo sin mucha complicación. Había sin duda un gran contraste con los demás miembros de la banda. Tony Kaye poseía una depurada técnica a los teclados gracias a su formación clásica de piano desde la infancia. La sección rítmica con Bruford y Squire era pura potencia y perfección. Cada uno de los cuales ya destacaba por sí mismos, algo que Banks jamás llegó a demostrar en Yes.

Todo lo anterior junto con el rumbo más sinfónico y de ejecuciones musicales de mucha más complejidad que tomaba el grupo, hizo que Banks perdiera totalmente su sitio dentro de la banda, se desmotivara y se convirtiera en firme candidato a la expulsión.

No Opportunity Necessary, No Experience Needed (Richie Havens), con el tema principal de la música de la película de 1958 Horizontes de grandeza - 4:48 (la versión de la música de la película, desde los 2 min y 26 s hasta los 2 min y 50 s)

Then (Jon Anderson) - 5:46

Everydays (Stephen Stills) - 6:08

Sweet Dreams (Jon Anderson/David Foster) - 3:50

The Prophet (Jon Anderson/Chris Squire) - 6:34

Clear Days (Jon Anderson) - 2:06

Astral Traveller (Jon Anderson) - 5:53

Time and a Word (Jon Anderson/David Foster) - 4:32

Jon Anderson: vocales, percusiones

Chris Squire: bajo, vocales

Peter Banks: guitarra acústica y eléctrica, vocales

Tony Kaye: piano, órgano

Bill Bruford: batería, percusiones

ENLACES

https://www.mediafire.com/file/50z40cyfn4og79h/Yes_-_Time_And_A_Word_%25281970%2529%2528UK%2529%255BLP%255D%255B24-96%255D.rar/file

King Crimson - In The Court Of The Crimson King (Vinyl Rip 24-96)

1969 - In The Court Of The Crimson King (Vinyl Rip 24-96)

In the Court of the Crimson King (subtitulado An Observation por King Crimson) es el álbum de estudio debut de la banda de rock inglesa King Crimson, lanzado el 10 de octubre de 1969 por Island Records. El álbum es uno de los primeros y más influyentes del género de rock progresivo, donde la banda combinó las influencias musicales sobre las que se fundó la música rock con elementos de jazz, música clásica y sinfónica.

El álbum alcanzó el número cinco en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 28 en el Billboard 200 de los Estados Unidos, donde fue certificado como Oro por la Asociación de la Industria de la Grabación de Estados Unidos. Fue reeditado varias veces en las décadas de 1980 y 1990 utilizando copias inferiores de las cintas maestras. Después de que los masters originales fueron descubiertos en los archivos de Virgin en 2002, el álbum fue remasterizado nuevamente por Simon Heyworth y reeditado en 2004. Una edición del 40 aniversario del álbum fue lanzada en 2009 con nuevas mezclas estéreo y de sonido envolvente 5.1 de Steven Wilson. En 2019 hubo una caja de 3CD / 1DVD, que contenía remasterizaciones, instrumentales y expansiones del álbum original, así como un DVD de grabaciones en vivo para el 50 aniversario del álbum.

King Crimson hizo su debut en vivo el 9 de abril de 1969 en The Speakeasy Club en Londres. Abrieron para los Rolling Stones en Hyde Park, Londres, en julio de 1969, ante un estimado de 250.000 a 500.000 personas, lo que les atrajo una atención positiva.

Las sesiones iniciales del álbum se llevaron a cabo a principios de 1969 con el productor Tony Clarke, más famoso por su trabajo con Moody Blues. Después de que estas sesiones no funcionaron, el grupo recibió permiso para producir el álbum por sí mismos. El álbum fue grabado en una grabadora de 1 "y 8 canales en Wessex Sound Studios en Londres, diseñado por Robin Thompson y asistido por Tony Page. Para lograr los característicos sonidos orquestales exuberantes en el álbum, Ian McDonald pasó muchos horas sobregrabando capas de Mellotron y varios instrumentos de viento de madera y de lengüeta. En algunos casos, la banda pasó por 5 generaciones de cintas para obtener pistas segmentadas y con capas profundas.

Sin embargo, algún tiempo después de que se completó el álbum, se descubrió que la grabadora maestra estéreo utilizada durante la etapa de mezcla del álbum tenía cabezales de grabación alineados incorrectamente. Esta desalineación resultó en una pérdida de altas frecuencias e introdujo una distorsión no deseada. Esto es evidente en ciertas partes del álbum, particularmente en "21st Century Schizoid Man". En consecuencia, mientras se preparaba el primer lanzamiento estadounidense para Atlantic Records, se hizo una copia especial del master estéreo de 2 pistas original en un intento de corregir algunas de estas anomalías. (El proceso de copia de cinta analógica generalmente da como resultado una pérdida de generación). De 1969 a 2002, esta copia "corregida" de segunda generación fue la fuente utilizada en el doblaje de los diversos submaster utilizados para los lanzamientos de vinilos, casetes y CD a lo largo de los años. . Sin embargo, los maestros estéreo originales de "primera generación" se habían archivado poco después de las sesiones de mezcla originales de 1969. Estas cintas se consideraron perdidas hasta 2002.

Barry Godber (1946-1970), un programador de computadoras, pintó el diseño de la portada del álbum. Godber murió en febrero de 1970 de un ataque al corazón, poco después del lanzamiento del álbum. Fue la única portada de su álbum; la pintura original ahora es propiedad de Robert Fripp. Fripp había dicho sobre la obra de arte de Godber:

Peter [Sinfield] trajo esta pintura y a la banda le encantó. Recientemente recuperé el original de [sello administrativo E.G. Las oficinas de registros] porque la mantenían expuesta a la luz brillante, con el riesgo de estropearla, así que terminé quitándola. La cara en el exterior es el Hombre esquizoide, y en el interior es el Crimson King. Si cubres el rostro sonriente, los ojos revelan una tristeza increíble. ¿Qué se puede agregar? Refleja la música.

Side one

1. "21st Century Schizoid Man" Robert Fripp, Ian McDonald, Greg Lake, Michael Giles, Peter Sinfield 7:24

2. "I Talk to the Wind" McDonald, Sinfield 6:04

3. "Epitaph" Fripp, McDonald, Lake, Giles, Sinfield 8:49

Side two

4. "Moonchild" Fripp, McDonald, Lake, Giles, Sinfield 12:13

5. "The Court of the Crimson King" McDonald, Sinfield 9:26

Robert Fripp – electric and acoustic guitars, production

Michael Giles – drums, percussion, backing vocals, production

Greg Lake – lead vocals, bass guitar, production

Ian McDonald – saxophone, flute, clarinet, bass clarinet, Mellotron, harpsichord, piano, organ, vibraphone, backing vocals, production

Peter Sinfield – lyrics, illumination, production

ENLACES

https://www.mediafire.com/file/40v4u2pnbw3kmod/KCITCOCK.rar/file