sábado, 8 de agosto de 2020

Jethro Tull - The String Quartets (RESUBIDO MF FLAC)

2017 - The String Quartets

IAN ANDERSON revisa algunas joyas clásicas - y otras un poco más escondidas - del repertorio de la inolvidable banda JETHRO TULL con este disco titulado “Jethro Tull - The String Quartets”. Trabajando al alimón con el teclista John O'Hara (miembro de la banda de IAN así como de JETHRO TULL en sus últimos años), la idea de hacer un disco así estaba being debatida y planteada por un tiempo hasta que al final llegó a su concreción definitiva. El repertorio del disco incluye clásicos absolutos del catálogo de JETHRO TULL así como un par de rarezas; con sus giras orquestales, IAN ANDERSON ya tenía en mente un borrador completo del tipo de material que podía ser incluido en el disco. Los protagonistas de este disco que tenemos en nuestras manos son los integrantes de The Carducci Quartet: los violinistas Matthew Denton y Michelle Fleming, el violista Eoin Schmidt-Martin y la cellista Emma Denton. ANDERSON les agradece su pasión y dedicación al proyecto… ¡así como que no tuviese que gastar mucho en pagarles su almuerzos porque casi siempre traían ellos sus bocadillos consigo! El material básico fue grabado en la cripta de la Catedral de Worcester y en la Iglesia de St. Kenelm de Sapperton (Gloucestershire), con unas sobremezclas ulteriores hechas en el estudio hogareño del propio ANDERSON. El mencionado frontman extraordinaire agradece a O’Hara todo el esfuerzo conceptual y físico que invirtió en este proyecto de "The String Quartets". También se pregunta por qué escogió locaciones eclesiásticas para la grabación del disco: en sus propias palabras, “hay una calidad espiritual y elevada en el ambiente de la Iglesia Cristiana” que él mismo no puede especificar qué es. “Extrañamente, me siento como en casa en nuestras parroquias y enormes catedrales. ¿Soy acaso un cristiano? No, pero si me presionan, can conceder que soy un cristiano con c minúscula. Por ahora, eso bastará. ”Es un disco bastante bonito, por lo que ya podemos adelantar que este coqueteo intelectual y estético con la fe cristiana ha rendido buenos frutos, pero ahora es el momento de entrar en los detalles del repertorio, ¿cierto?

Por todo lo alto comienza esta selección cuando esos grooves en 5/4 marcados por los pizzicatos de cello y la viola nos remiten de inmediato a 'Living In The Past', una exquisita remodelación de ese primer hit de JETHRO TULL que ahora acorta su título a 'En el pasado'. Las adiciones temáticas que se van desarrollando a lo largo del corazón mismo de la pieza abren espacios para estilizados amoldamientos entre las cuerdas y la flauta: de este modo, la remodelación realizada aquí logra crear nuevos matices para el colorido esencial de la canción original. A continuación sigue 'Sossity Waiting', un popurrí sintético de 'Sossity, You're A Woman' y 'Reasons For Waiting': el predominio está del lado de esta canción segunda pues la primera de ellas está reformulada de tal manera que pueda integrarse sólida y fluidamente dentro del lirismo imperiosamente romántico de 'Reasons For Waiting'. Bueno, es justo señalar que nos da pena advertir una vez más cuán gastada que está la voz del maestro IAN, pero a fin de cuentas, era inevitable que hubo alguna intervención vocal en una de las canciones más evocativas del amplio catálogo de JT. 'Reasons For Waiting' sigue siendo una balada sublime. ‘Bungle’ es, claro está, ‘Bungle In The Jungle’: aquí tenemos un nivel aceptable de fidelidad a la versión original, siendo así que las cuerdas y la flauta operan en un encuadre igualitario, hablándose de tú a tú. Bajo el ingenioso título de 'We Used To Bach' se cobija otro popurrí, esta vez de la balada 'We Used To Know' con el 'Preludio en do mayor' de JOHANN SEBASTIAN BACH (uno de los mayores referentes de la música académica en la historia de JETHRO TULL). La balada folk se trastoca en delicia barroca cuando Ian decide que el instrumento de su uso sea la flauta, pero sobre todo, cuando O’Hara elabora cálidos y pulcros efluvios de piano clásico como elemento guía del desarrollo temático integral. Los momentos finales son realmente pletóricos de elegante vivacidad. 'Farm, The Fourway' es la única remembranza del catálogo Tulliano posterior a la década de los 70s: esta remodelación de 'Farm On The Freeway' (del “Crest Of A Knave”, el supuesto mejor disco de hard rock y metal de 1988 según el comité de sabios del Grammy). Con esa soberbia introducción de violín ya sospechamos que hemos de encararnos con algo grandilocuente… y en efecto, así es, tenemos 3 ¾ minutos de prestancias manieristas con ribetes románticos. ¡De lo más electrizante en lo referente estrictamente a los arreglos de cuerdas!

Vamos rumbo al ecuador del álbum de la mano de ‘Songs And Horses’, popurrí de ‘Songs From The Wood’ y ‘Heavy Horses’ que está ejecutado solo por The Carducci Quartet. El jolgorio de la primera canción y la melancólica solemnidad de la segunda son recogidas adecuadamente en aras de realzar la riqueza melódica particular de cada ítem dentro de un conjunto perfectamente equilibrado. La coda con la melodía del estribillo de 'Songs From The Wood' redondea la faena con precisión quirúrgica y cándida emotividad. Luego sigue una hermosa dupla de ítems procede del período del "Aqualung", que son ‘Wond’ring Aloud’ y ‘Locomotive Breath’: here ostentan los modificados títulos de ‘Only The Giving’ y ‘Loco’. 'Only The Giving' no se distingue mucho de la versión original (con lo cual no queremos decir en lo absoluto que no vale la pena prestarle atención en este disco), mientras que 'Loco' elabora una equilibrada estabilización entre el respeto al original y el manejo de nuevos matices. Cuando llega el turno de ‘Pass The Bottle’, nos queda claro que se trata de una nueva versión de ‘A Christmas Song’, ese prodigio de cinismo moralista navideño que ANDERSON compuso cuando recién estaba aprendiendo a tocar mandolina. La introducción se complace en elaborar un breve juego de suaves disonancias en torno a un clásico canto navideño, pero el cuerpo central respeta, una vez más, el esquema original. La gente de The Carducci Quartet vuelve a explayarse a sus anchas sin la presencia del buen IAN para 'Velvet Gold', la nueva versión de 'Velvet Green'. En poco más de cuatro minutos, las cuerdas se enlazan con el reclamo de ANDERSON (“Hey, Santa, pass us that bottle, will you?”) Para centrarnos en una atmósfera festiva y jaranera a través de exquisitos contrapuntos melódicos y complejos tempos. La inspiración renacentista de la versión original adquiere un tenor barroco ahora, y todo fluye muy bien. El esplendor sistemático de esta pieza funciona muy bien como tránsito hacia una actitud más positiva hacia el espíritu navideño y el solsticio de la mano de otra joya de la época de la trilogía folk-rockera: 'Ring Out These Bells' ('Ring Out, Campanas de solsticio '). La versión de este himno festivo es más comedido, pero va muy a tono con la secuencia que la liga a las dos piezas precedentes.

¿Y qué es un recopilatorio o un concierto de JETHRO TULL sin ‘Aqualung’? Pues bueno, en este disco no podía faltar tampoco y justamente cierra el repertorio bajo el título de 'Aquafugue'. ANDERSON se ciñe a la flauta y al canto de la estrofa intermedia, mientras que O’Hara aporta intervenciones al piano y a la celesta. En cuanto al desarrollo temático, las cuerdas se erigen en figuras protagónicas con sus precisos en encantamiento sónicos que alternan momentos de fidelidad con otros marcados por preciosistas variantes. Muy grata la experiencia de “Jethro Tull - The String Quartets”. ¿Se trata de un álbum lleno de “música grandiosa para bodas y funerales para tener algo con qué celebrar, incluso un cumpleaños o algo por el estilo para poner de fondo”, tal como afirmaba IAN ANDERSON en uno de los primeros vídeos promocionales del disco ? ¡Ja, ja, ja !, quién sabe si sus sugerencias no resultan del todo desviadas, pero bueno, el hecho es que el disco se sostiene por sus propios méritos y que contiene suficientes recursos de belleza musical como para conformar una nueva demostración de aprecio infinito por el legado de JETHRO TULL en nuestras colecciones fonográficas. Es bueno saber que IAN ANDERSON, quien acaba de tener su 70mo. cumpleaños hace unos cuantos días, sigue dispuesto a mantenerse activo en la escena musical.










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http://www.mediafire.com/file/8mzm8xuns60xa2m/Jethro_Tull_-_2017_-_The_String_Quartets.rar/file

Earth & Fire The Collection FLAC

Esta primera categoría tuvo su pináculo a principios de los años setenta cuando entregaron algunos álbumes de rock sinfónico de 24 quilates. EARTH AND FIRE fue fundada por los hermanos gemelos Chris (guitarra) y Gerard (teclados) Koerts en el 68. Pronto se les unieron el bajista Hans Ziech, el baterista Kees Kalis y la cantante Lisette. Desafortunadamente Lisette tuvo que dejar de cantar debido a una grave enfermedad ocular y Kees Kalis se fue. Fueron reemplazados por Ton v / d Kley y la hermosa y muy sexy Jerney Kaagman. Fue un descubrimiento del cantante de GOLDEN EARRING Barry Hay, se conocían de la floreciente escena del rock en La Haya.

Cuando EARTH AND FIRE tuvo un gran éxito con tres sencillos de los sesenta "Seasons", "Ruby is the one" y "Wild and emocionante" (en los 70 todos alcanzaron el Top 5 holandés), la banda decidió convertirse en profesionales. Gerard Koerts compró un Mellotron, este instrumento cambió la historia del progrock holandés porque EARTH AND FIRE lo usó para un sonido de teclado sinfónico más exuberante. Eventualmente desarrollaron un estilo progrock muy único (un poco similar a la banda francesa de progrock SANDROSE y la banda británica JULIAN'S TREATMENT con mucho órgano, Mellotron, guitarra eléctrica fuerte y sensible y voces distintivas de Jerney Kaagman. Y EARTH & FIRE siguió siendo exitoso con su lanzamientos individuales, el Mellotron empapado "Storm and Thunder" ('72, # 6), "Memories" ('72, # 1), "Maybe Tomorrow, Maybe Tonight" ('73, # 3) y "Love of Life" ('74, # 2) todos alcanzaron el Top 10. También los álbumes de esa época se vendieron muy bien y ganaron reconocimiento mundial: "Songs of the Marching Children" ('71, llegando al # 12), "Atlantis" ('73 , alcanzando el # 6) y "To the World of the Future" ('75, alcanzando el # 7) se consideran como 'clásicos de progrock', especialmente en Japón ¡EARTH & FIRE es incluso más popular que FOCUS! Poco a poco su sonido se convirtió en más amapola , culminando con el éxito de la muy comercial canción Weekend, alcanzando el número 1 y permaneciendo 13 semanas en las listas. ms "Gate to Infinity" ('77), Reality Fills Fantasy "('79, alcanzando el # 2))," Andromeda Girl "('81, alcanzando el # 12)) y" In a State of Flux "" 82) perdido la mayoría de los ingredientes sinfónicos.

Los álbumes "Song of the Marching Children" y "Atlantis" pertenecen a lo mejor de la historia del progrock holandés. Se recomiendan las épicas canciones que dan título a ambos álbumes (entre 16 y 19 minutos): el sonido es muy cálido y melódico con muchas atmósferas cambiantes, aceleraciones y rupturas sorprendentes. En el momento en que escuchas un órgano suave, guitarras acústicas vibrantes y una voz de hada de Jerney, en el otro momento hay erupciones grandilocuentes con majestuoso Mellotron, fuertes ráfagas de órgano y un trabajo de guitarra eléctrica ardiente, coronado por la poderosa voz de Jerney. . Por cierto, lleva casi 30 años casada con Bert Ruiter, ex bajista de FOCUS ...!

Hawkwind - Road To Utopia FLAC

2018 - Road To Utopia

Studio Album, released in 2018

Songs / Tracks Listing

1. Quark, Strangeness and Charm (04:32)
2. The Watcher (05:05)
3. We Took the Wrong Step Years Ago (04:57)
4. Flying Doctor (05:52)
5. Psychic Power (05:20)
6. Hymn to the Sun (02:51)
7. The Age of the Micro Man (05:32)
8. Intro the Night (02:11)
9. Down Through the Night (07:11)

Total Time 43:31

Line-up / Musicians

- Jonathan Derbyshire "Mr. Dibs" / vocals (2,4,6)
- Dave Brock / electric & acoustic guitars, keyboards, synthesizer, harmonica, vocals, co-producer, mixing
- Magnus Martin / acoustic guitar, viola (6)
- Haz Wheaton / bass
- Richard Chadwick / drums, percussion, vocals

With:
- Eric Clapton / guitar (2)
- Mike Batt / piano (2), orchestral arrangements, co-producer
- Jez Huggett / sax (7)
- ? / string quintet
- ? / sax quintet
- ? / brass section

Releases information

Selection of Hawkwind songs with additional orchestrations by Mike Batt

Artwork: Hilary Harron

LP Cherry Red ‎- BRED730 (2018, Europe)

CD Cherry Red ‎- CDBRED730 (2018, Europe)








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New Nektar - Megalomania FLAC

2018 - Megalomania

Studio Album, released in 2018

Songs / Tracks Listing

1. Bad Angel (9:03)
2. Megalomania (8:01)
3. Intermezzo 1 (2:46)
4. Selling The World (5:44)
5. Where Do We Go To? (5:44)
6. Smiling Face (4:45)
7. Intermezzo 2 (2:42)
8. Enough Is Enough (6:42)

Total time 45:27

Line-up / Musicians

- Alex Hoffmeister / guitars, vocals
- Klaus Henatsch / keyboards, vocals, co-producer
- Tom Fry / bass, backing vocals
- Che Albrighton (Roye's son) / drums, percussion, co-producer

With:
- Helen Landzettel / violin (5)
- Barbel Craven / backing vocals (2,4,6-8)
- Helen Landzettel / backing vocals (5)
- Sandra Kawka / backing vocals (5)
- Robert Wilks / co-arranger

Releases information

Artwork: Gura Sylke Vosshoff, Paul David Turell

LP Sireena - SIR 4050 (2018, Germany)

CD Sireena - SIR 2192 (2018, Germany)










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Strawbs - The Collection FLAC

2002 - The Collection

Boxset/Compilation, released in 2002

Songs / Tracks Listing

1. Part Of The Union (Ford/Hudson)
2. I'll Carry On Beside You (Cousins)
3. The Man Who Called Himself Jesus (Cousins)
4. Oh How She Changed (Cousins/Hooper)
5. I Turned My Face Into The Wind (Cousins)
6. Song Of A Sad Little Girl (Cousins)
7. Witchwood (Cousins)
8. Benedictus (Cousins)
9. Heavy Disguise (Ford)
10. Keep The Devil Outside (Ford)
11. Shine On Silver Sun (Cousins)
12. Grace Darling (Cousins)
13. Lemon Pie (Cousins)
14. Martin Luther King's Dream (Cousins)
15. Tokyo Rosie (Cousins)
16. Will Ye Go (McPeake)
17. I Only Want My Love To Grow In You (Cousins)
18. Lay Down (Cousins)

Releases information

CD: Spectrum 5447062


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Gong - The Universe Also Collapses FLAC

2019 - The Universe Also Collapses

Buenas noticias desde el Planeta Gong: resulta que GONG se ha publicado recientemente en Nuevo disco, el cual se titula “The Universe Also Collapses”. Esta publicación tuvo lugar exactamente en el día 10 de mayo pasado en formato de vinilo, por vía del sello Kscope. Este nuevo disco es un testimonio fehaciente y genuino de la persistente supervivencia y la consistente dinámica que GONG, como entidad musical, concreta a cada paso de su vida creativa. “The Universe Also Collapses” ha sido publicado en CD y en vinilo (tanto en color negro como en edición limitada de color rojo). Kavus Torabi, el designado líder por el propio Dævid Allen para mantener viva la llama de las hogueras sonoras y auroras espirituales del Planeta Gong, escribe todas las letras y, claro está, también se hace cargo del canto, las guitarras eléctricas y acústica, y el armonio. Completan el actual universo humano de GONG Dave Sturt [bajo, sintetizador y canto], Cheb Nettles [batería, píano, Theremin y canto], Fabio Golfetti [guitarra eléctrica, guitarra Glissando y canto] e Ian East [saxofones soprano, tenor y barítono , flauta y clarinete bajo]. Se trata exactamente de la misma alineación de “Rejoice! ¡Estoy muerto!" (2016), el primer disco que este paradigmático y drásticamente remodelado ensamble publicó tras la muerte de Dævid Allen. Pero no se trata solo de que Allen dirigiera en sus últimos meses de vida la obligada reestructuración de la banda para que tuviese vida propia tras su partida de este mundo terrenal, sino que los Sres. Toravi, Golfetti, East y Sturt ya eran elementos relevantes fuertemente creativos en “I See You” (2014), el último disco con Allen a la cabeza. Si “¡Regocíjate! ¡Estoy muerto!" fue el primer paso valiente en este periodo de nuevas aperturas prog-psicodélicas eclécticas sin los aportes compositivos de Allen, “The Universe Also Collapses” resulta ser la gesta de la validación definitiva de este mismo periodo. Hay notables aires de familia con los esquemas sonoros y atmósferas predominantes del disco precedente en el repertorio de este nuevo disco, pero también se nota un énfasis en el explayamiento en la reformulación de recursos y esquemas de la psicodelia de vieja escuela. De esta forma, el resultado se concreta en un disco donde lo reflexivo es la temática predominante en las letras y la mayor parte de los ambientes y encuadres instrumentales. Bueno, veamos cómo se traduce todo esto en los detalles de cada canción del disco.

Toda la primera mitad del álbum está ocupada por ‘Forever Reoccurring’, pieza que se extiende hacia una ambiciosa duración de más de 20 ½ minutos. Sus primeros instantes se prolongan a través de una flotante cadencia etérea minimalista elaborada por una confluencia de sintetizador, efectos glissando de guitarra y el eco envolvente de una nota de guitarra: con la irrupción de algunos cristalinos efectos de sintetizador y el inicio del canto, la zona sonora se encuadra poco a poco para lo que ha de ser el asentamiento del primer cuerpo central del bloque instrumental. Poco antes de pasar por la frontera del cuarto minuto y medio, la dupla rítmica entra a tallar con un compás de 15/8 inmersa en vibraciones jazzeras. El armazón musical gana en exquisitez mientras preserva su prestancia cósmica, y ya cuando el saxo y la guitarra solista entran a tallar, el momentum termina de armarse a fin de que el grupo pueda explorar genuinamente varias de las dimensiones enérgicas de su voz propia. Un ejercicio tremendamente efectivo de psicodelia progresivo muy leal a la tradición de GONG y, a la vez, consistente con el estado actual de la vanguardia rockera. Algunos estándares arquitectónicos de saxofón y guitarra impulsan recursos de renovada agilidad para las instancias finales de este interludio magnificado antes de pasar a una nueva sección serena. El swing es preciso y exuberante, posibilitando así que en un nuevo pasaje instrumental las cosas se vuelvan a intensificar dentro de un esquema regido por el pulso de la elegancia y el nervio de la sofisticación jazz-progresiva. De hecho, se puede decir que entre los minutos 13 y 15 ½ de ‘Forever Reocurring’ tenemos parte de la mejor labor del baterista en todo el disco. Poco antes de llegar a la frontera del decimosexto minuto llegamos al momento en que hay que armar la sección epilogar. Tras una breve fanfarria muy a lo Canterbury guiada por la tríada de las dos guitarras y el saxo, el ensamble vira hacia una labor de síntesis entre las atmósferas más etéreas y las más enérgicas, recreando buena parte del lirismo reinante en la sección precedente mientras agrega nuevas dosis de musculatura a los recursos enérgicos. Hay una sensación de sobria algarabía mientras las líneas de los vientos y las labores de las guitarras en los riffs y bases armónicas dirigen el camino hasta el golpe final. El ornamento sintetizado de los últimos segundos se siente travieso y entrañable a la vez. ¡Qué enorme inicio de disco!

Con sus poco más de 2 minutos de espacio, "If Never I'm And Ever You ’expone un dinamismo contagioso y llamativo sobre una ingeniería rítmica razonablemente compleja. Todo está muy bien orquestado en la manera en que el ensamble exhibe una compacta fraternidad en el manejo de las síncopas. Más que un tema simple más dentro del abundante catálogo de GONG, esta pieza ha sido una breve cátedra de cómo hacer música psicodélica con talante progresivo e inspiradas vibraciones jazz-rockeras. Qué tema tan bueno y qué pena que no dure más, pero así son las cosas y el terreno está ahora preparado para la emergencia de ‘My Sawtooth Wake’. Recibiendo el impacto de la prestancia vitalista de la pieza precedente pero dándole una vivacidad más directa, el jam inicial se proyecta hacia una luminosidad pintoresca alimentada por una gráfica rimbombancia. Para las partes cantadas, el ensamble se constriñe a fin de permitir que el mensaje explícito de la letra haga gala de su ceremonioso mensaje. Es en estos pasajes donde el grupo vuelve a lucir su refinada cohesión interna pues la sintonía exigida en momentos de constricción colectiva obliga a los músicos involucrados a fusionar sus mentes en una sola en busca de una sutileza unitaria. Las partes cantadas van cambiando de estructura melódica, siendo la quinta un poco más tensa que las otras en lo que se refiere a los ornamentos que emplea la batería para sustentar el swing en curso. Poco antes de llegar a la frontera del séptimo minuto y medio, el quinteto ya está presto a explorar y activar las

aristas más vigorosas del cuerpo central. Se nos viene el solo de saxofón más filudo y neurótico de todo el álbum, un pasaje particularmente notable dentro de una pieza cuya consigna es la de movilizar las sacudidas y los traqueteos más aguerridos del espíritu. Ya otras partes cantadas posteriores asumen un aire más dadaísta sin desatarse, pues todavía hay un predominio de la faceta sutil cuando interviene el canto. Para los pasajes finales, el vigor rockero se constriñe un poco y el bloque sonoro global asume un aura señorial irrefrenable. Los últimos 6 ¼ minutos del repertorio están ocupados por 'The Elemental', una canción que nos remite a paisajes musicales retro en su motivo principal, el cual sigue las pautas básicas de una canción pop-rockera psicodélica de fines de los 60s, añadiéndose algo de la magia saltarina de los dos primeros álbumes de GONG y la calidez melódica del primer disco de CARAVAN (por qué no, también algo del primer disco de SOFT MACHINE). Eso sí, las dos guitarras obtuvieron un empuje renovador al asunto, y cuando ellas entran en un duelo de refinados solos cerca del final, el gancho esencial de la canción recibe un colorido extra. Mientras el cántico conclusivo enfatiza repetidamente el impulso vitalista de que la única realidad es el momento actual ("Remember there is only NOW") el brío expresivo de la canción culmina con inapelable primor: efectividad máxima es la que produce ese golpe rotundo y esa palabra cortante en el momento final.

Con lo mostrado en “The Universe Also Collapses”, el colectivo vigente del planeta musical de GONG ha demostrado con creces que su misión sigue alentando nueva vida para la vanguardia rockera de nuestros días. Su llama creativa es el antídoto total contra cualquier tipo de colapso en nombre de una situación permanente de expansión. GONG siempre fue y seguirá siendo por siempre jamás una fuerza universal.








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David Cross & Peter Banks - Crossover FLAC

2020 - Crossover

Hoy tenemos el enorme placer de presentar esta "vieja novedad" que es "Crossover", un disco a dúo de DAVID CROSS y PETER BANKS, uno de esos muchos momentos en la historia del rock en que habitantes de los mundos de KING CRIMSON y de YES se encontraron viajando juntos en una travesía de sonidos rockeros experimentales y de gran carácter. En este caso, el encuentro entre estos dos genios se dio como resultado de la presencia de la DAVID CROSS BAND y HARMONY IN DIVERSITY en carteles compartidos en el underground londinense del año 2010. Todo lo que escuchamos de guitarra y violín en el repertorio contenido en “Crossover” fue registrado durante la tarde del 10 de agosto de ese año 2010 (a menos de tres años de la partida de BANKS) improvisaciones concordadas solamente por los dos maestros mencionados. Por ese entonces, HARMONY IN DIVERSITY era historia, pero en BANKS y CROSS quedaba pendiente la idea de crear rock experimental con espíritu futurista y prog-psicodélico bajo un contexto de improvisación creativa. Así pues, a lo largo de varias sesiones de grabación dirigidas y masterizadas por Tony Lowe y el propio CROSS a lo largo de los años 2018 y 2019, se agregó una nutrida serie de aportes performativos de parte de varios grandes nombres del rock progresivo, el rock duro y el art-rock de diferentes generaciones: el baterista-percusionista Pat Mastelotto, los teclistas Oliver Wakeman, Geoff Downes y Tony Kaye, el bajista bajistas Billy Sherwood, los bateristas Jay Schellen y Jeremy Stacey, y el experto en instrumentos orientales Randy Raine-Reusch. Andy Jackson aportó efectos de sonido en un tema y el propio Tony Lowe agregó partes adicionales de bajo y teclados en un par de temas. Mastelotto ya es un viejo conocido de CROSS (habiendo sido éste acompañante de los STICK MEN en más de una gira) mientras que la nota más entrañable de esta producción la pone esta especie de reencuentro del guitarrista y el teclista originales de YES (aunque, valgan verdades, por lo hecho en sus respectivas trayectorias post-YES, BANKS ha logrado tener una personalidad más poderosa que Kaye, pero bueno, ése es otro tema). Cuando todavía vivía, BANKS mostró muy especial interés en publicar material con CROSS, e incluso tal vez realizó otra sesión, pero en ese tiempo, el buen CROSS no se daba abasto para ello. Como ya sabemos, BANKS partió al más allá en marzo de 2013. Volviendo a este disco, el pasado 17 de enero fue la fecha de su lanzamiento al público, por vía del sello Noisy Records: tenemos en nuestras manos un disco que data del año 2010 en cuanto a su gestación, y también del año 2020 en cuanto a su acabado final. Ya es hora de detenerse en los detalles de “Crossover”.

Durando poco menos de 9 ¼ minutos, 'Rock To A Hard Place' da inicio a las cosas con una actitud entusiasta y extrovertida. Al comienzo, su esquema sigue un estándar rocanrolero arropado bajo un preciosista manto de tonalidades prog-sinfónicas. Más adelante, se instaura momentos en los que el groove central se aplaca, y su función es muy importante a la hora de abrir espacios para el armado de interesantes matices cósmicos dentro de la dinámica de la pieza. Así las cosas, la atmósfera central transita hacia algo más denso, pero de todas maneras, opera un lirismo bien pertrechado mientras el jam sigue avanzando con un predominio de los parajes más constreñidos. Alrededor de la frontera del sexto minuto y medio, el swing rocanrolero regresa por un instante, pero es solo un momento de jovialidad antes de volver al recurso de ágil densidad. 'Upshift', por su parte, se centra en una atmósfera más otoñal y ceremoniosa, bien apoyada sobre un groove de tenor jazz-rockero, y como el compás está a medio tiempo, el bloque instrumental general se siente muy señorial, además de contar con campos de acción para explorar recovecos armónicos y solos impulsados ​​por una aureola relajada. A medida que avanza el desarrollo temático, nos damos cuenta de que la nostalgia es el factor crucial en su ambientación general. Estas dos primeras piezas del disco son las más extensas del mismo: duran poco menos de 9 ¼ y poco más de 8 ¼ minutos, respectivamente, y ya capturan la atención del oyente empático. El tercer tema del álbum se titula 'The Smile Frequency' y su misión consiste en exhibir un ejercicio de preciosistas sonoridades etéreas donde conviven las reglas de juego del prog psicodélico, la fusión contemporánea y la faceta más serena del jazz-rock. El violín asume un rol especialmente protagónico aquí, sobresaliendo siempre a través de las capas armónicas gestadas por los teclados y los ingeniosos quiebres rítmicos. Es bastante climática esta ilación de los tres primeros temas del álbum. "The Work Within" es un tema de carácter de forma libre donde se acentúa lo atmosférico, algo que resulta idóneo a la hora de articular su maraña volátil y abstracta. Las cadencias jazzeras de la sobria guitarra de BANKS y las florituras clasicistas de CROSS crean un diálogo muy productivo.

Ocupando continuamente un espacio de casi 10 ¼ minutos, la dupla de ‘Missing Time’ y ‘Plasma Drive’ tiene la función de seguir explorando matices, atmósferas y esquemas melódicos para el dúo y sus acompañantes a posteriori. En el caso de ‘Missing Time’, tenemos un nuevo ejercicio de modalidades free form, pero esta vez con menos misterio y más placidez que en ‘The Work Within’. En todo caso, dada la situación en la que la guitarra y el violín deciden sustentar un hermanamiento más estrecho a la hora de proyectar sus vuelos, lo que termina montándose aquí es un estudio de sonoridades psicodélicas con un talante crepuscular. Mientras tanto, 'Plasma Drive' se adentra bien a fondo en las cavernas de la espiritualidad introspectiva. El lirismo reinantese siente más delicado mientras el esquema rítmico opera con un refinamiento cristalino. Recién a mitad de camino instaura la dupla de batería y bajo su posicionamiento dentro del bloque sonoro general, y es a partir de entonces que el desarrollo temático acoge una notoria dosis de luminosidad, aunque sin dejar del todo el ámbito de lo introvertido. Para el pasaje epilogar, el ambiente vuelve a lo cavernoso pero con los ecos de la energía expresionista que fue tan dominante durante la segunda mitad de la pieza. Un tema muy destacado dentro del disco, claro que sí. 'Laughing Strange' resuena al principio como una hermana más tímida de la precedente en la mayor parte del tiempo, pero a poco de pasada la frontera del segundo minuto, entra a tallar un interludio dinámicamente inquietante, siendo así que su estilizada vitalidad obliga al groove original a regresar con un vigor nuevo. Es en este momento que nos topamos con el que nos parece el solo de guitarra más notable del disco ... ¡Y nos da pena que no sea más largo! Un muy llamativo ejercicio de dinámicas jazz-progresivas, otro cénit del álbum. El tema homónimo del disco es el encargado de cerrarlo: su esquema de trabajo es flotante y etéreo, un nuevo y final ejercicio de free form que ostenta un talante elegíaco. Mientras la guitarra se concentra mayormente en la expansión de efectos cósmicos, el violín se despacha en un desahogo fluvial de retazos líricos donde late una tensión parcialmente controlada. Un muy buen fin para el álbum.

Todo esto fue “Crossover”, un legado decisivo de (en ese tiempo) dos leyendas vivientes del rock progresivo y experimental: DAVID CROSS y PETER BANKS, indagando en nuevas vías de expresión para un rock sin límites, crearon un tesoro progresivo genuinamente modernista que debería formar parte de cualquier colección mínimamente decente dedicada a este género. Nuestras más apasionadas palabras de agradecimiento para ellos por gestado esta serie de composiciones en un momento de inspirada compenetración de mentes musicales.






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The Enid - Anarchy on 45 (1976-1992) Flac

Anarchy on 45 (1976-1992)

The Enid es una banda británica de rock progresivo fundada en 1973 por el teclista Robert John Godfrey, anteriormente conocido por su trabajo con Barclay James Harvest.  Otros miembros principales han incluido a los guitarristas fundadores Steve Stewart y Francis Lickerish, y al baterista Dave Storey desde hace mucho tiempo. La membresía de Enid ha sufrido muchos cambios, siempre con Godfrey a la cabeza. La formación actual está formada por Godfrey y el guitarrista Jason Ducker.

Godfrey ha descrito episodios de depresión asociados con períodos de bloqueo del escritor. Además de esto, Godfrey padece diabetes. Reveló en 2014 que le habían diagnosticado la enfermedad de Alzheimer, pero en 2018 anunció que estaba muy recuperado y sospechaba que el diagnóstico original era erróneo. [A partir de 2020, la banda todavía está muy activa, grabando y haciendo giras.







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