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Marillion - Marbles In The Park [HDTracks 24-96]

Marillion - Marbles In The Park [HDTracks 24-96]

Los años de Hogarth

Para muchos actos, perder a un líder y letrista tan carismático e importante significaría la sentencia de muerte. No, sin embargo, para Marillion.

En 1989, anunciaron al mundo que Steve HOGARTH, ex vocalista de los poco conocidos The Europeans, sería el reemplazo de Fish. Es una ironía poco conocida que Fish, cuando apareció en un programa de personalidades de la BBC discutiendo sus pistas musicales favoritas, en realidad había tocado un sencillo europeo mientras aún estaba con Marillion.

Es un testimonio de esta elección inspirada que la banda haya grabado y realizado giras constantemente, con un éxito cada vez mayor últimamente, con la misma formación durante (en el momento de actualizar esta biografía) 28 años, un logro increíble.

El álbum debut lanzado por la formación fue Season's End, lanzado en 1989. Mucha de la música había sido grabada antes de la llegada de Hogarth, y se notaba. Sin embargo, se ubicó en un respetable número 7 en el Reino Unido.

El siguiente, Holidays in Eden, fue, quizás comprensiblemente, criticado tanto por los fanáticos como por la prensa, como un intento fuera de lugar de crear un álbum de rock comercial impulsado por el deseo de tener éxitos. Si bien no explotó, también alcanzó el número 7 en las listas, ciertamente no se vendió en los números de sus predecesores, y la banda se encontró tocando en (ciertamente, los fanáticos ultra leales asistieron) lugares medianos de 3,000 como Wolverhampton. Civic Hall, en lugar de las arenas más grandes de finales de la era Fish.

Sin embargo, la banda se defendió y lanzó en 1994 (tres años después de Holidays) el álbum conceptual seminal, Brave. La letra detrás de la música se inspiró en una historia que Hogarth escuchó en la radio local sobre una joven que se había suicidado saltando desde el puente colgante de Bristol. Aunque obviamente oscuro y melancólico casi en su totalidad, el álbum fue una declaración de intenciones de una banda decidida a abrir su propio camino en el mundo de la música. En años posteriores, el álbum ha sido elogiado por la crítica y también generó una película bastante artística del mismo nombre.

Sin embargo, EMI abandonó a la banda y el último álbum lanzado con el sello en ese momento fue Afraid of Sunlight, lanzado en 1995. Solo alcanzó el número 16 en las listas del Reino Unido y se vendió relativamente mal. No fue una gran compensación cuando, al revisar el álbum en el momento del lanzamiento, Q Magazine pronunció audazmente que si cualquier otra banda que no fuera Marillion hubiera lanzado este trabajo, sería un gran éxito en todo el mundo. En ese momento, el progresivo volvió a tener mala fama y la banda sufrió por ello. Además, más de un miembro de la banda se ha preguntado qué habría sido si se hubieran rebautizado con la incorporación de Hogarth. Ha habido un reconocimiento maravilloso de la narración y la música emocional inherentes al álbum cuando la familia de Donald Campbell, famoso por su muerte en un accidente en Coniston Water en un intento de récord de velocidad, luego del descubrimiento de su cuerpo en 2001, le pidió a la banda que interprete Out of this World, una pista del álbum inspirada por Campbell, en un servicio conmemorativo.

Marillion firmó con Castle Records y grabó tres álbumes con ellos, siendo This Strange Engine, Radiation y Marillion.com. Sin embargo, la banda se volvió cada vez más descontenta con la mala estrategia de marketing y la falta de comprensión de la música por parte de su compañía discográfica, y se separaron, sin ninguna perspectiva real de un nuevo acuerdo en ningún otro lugar. Una vez más, la banda se encontró al borde del desastre.

Se evitó el desastre, ya que Marillion estableció la plantilla para todas las grabaciones de música financiadas por la multitud, basadas en Internet, que están tan extendidas en la segunda década del milenio. En pocas palabras, pidieron a sus fans, todavía increíblemente leales, que financiaran la grabación de Anoraknophobia incluso antes de que se grabara una nota. Respondieron 12.000 fanáticos, EMI acordó distribuirlo y la supervivencia, según los términos de la banda, estaba asegurada. Esta decisión increíblemente visionaria no fue solo el comienzo de un retorno al éxito comercial relativo, sino también la plantilla para muchos otros actos de nicho a seguir.

Marbles, lanzado en 2004, un álbum muy bien recibido con temas progresivos clásicos genuinos, tuvo su comercialización financiada por los fanáticos, pero también tenía un cd doble que no estaba disponible comercialmente para quienes lo ordenaron por adelantado. Una vez más, fue un tremendo éxito, y la banda incluso disfrutó de un regreso a las listas de los diez mejores sencillos con You're Gone, incluso si se les negó una aparición en Top of the Pops.

Al momento de escribir esta biografía en 2017, la banda ha lanzado cinco álbumes más, todos con un éxito comercial creciente, y continúan usando a la base de fans como modelo para fondos y publicidad, junto con una prensa más comprensiva y cansada del pop comercial abiertamente basura. música. En 2016, el álbum F.E.A.R. (el acrónimo es f**k Everyone And Run) fue lanzado con gran éxito de crítica y marcó un regreso a las letras abiertamente políticas y a la ira que no se había presenciado realmente desde los días felices de Fish despotricando contra la guerra y el thatcherismo en igual medida. Atrapó el zeitgeist del tim Está muy bien, el de un mundo cansado y cada vez más desconcertado por la codicia, la corrupción, la pobreza, la pérdida de la Inglaterra tradicional y la incapacidad de los políticos del país (y del mundo) para abordar estos problemas con eficacia. Alcanzó el puesto número 4 en las listas del Reino Unido, después de haber sido financiado por una campaña de Pledge Music, y en octubre de 2017 la banda logró la ambición de toda su vida de tocar en vivo en el Royal Albert Hall de Londres. Las entradas se agotaron a los tres minutos de estar a la venta.

Se puede decir que Marillion personifica la tradición del rock progresivo, tocando, a veces, música increíblemente compleja, pero con una actitud y un espíritu totalmente arraigados junto a su fanática base. Las personas que lean esta biografía no deben dejarse engañar ni desanimar por la etiqueta neoprogresista que se les atribuye en este sitio. Marillion son mucho más que eso, y lo proclaman con mucho orgullo.

Steve Lazenby (Lazlandia) - 2017

Disc 1

1. The Invisible Man

2. Marbles I

3. Genie

4. Fantastic Place

5. The Only Unforgivable Thing

6. Marbles II

7. Ocean Cloud

8. Marbles III

Disc 2

1. The Damage

2. Don't Hurt Yourself

3. You're Gone

4. Angelina

5. Drilling Holes

6. Marbles IV

7. Neverland

8. Out of This World

9. King

10. Sounds That Can't Be Made

- Steve Hogarth / vocals, guitar, keyboard, percussions

- Steve Rothery / guitar

- Ian Mosely / drums

- Mark Kelly / piano, keyboards

- Peter Trewavas / bass, backing vocals

ENLACES

https://drive.google.com/file/d/1J8UTvqAv7m_aWGoLNePri_qxr76MaGKK/view?usp=sharing

Dream Theater - Images and Words (SACD)

1992 Images and Words  (SACD)

El comienzo del metal progresivo moderno se encuentra en "Images & Words". Aunque Queensryche, Fates Warning y Crimson Glory fueron los primeros en "apoderarse de la llama" y unir a Black Sabbath con Rush, Dream Theater lo llevó al siguiente nivel con este lanzamiento. Realmente, sería justo decir que todo el metal progresivo moderno se inspira en Images & Words, Cynic's Focus o Savatage's Streets: A Rock Opera, y la mayoría sigue el camino de los dígitos voladores y las melodías cálidas.

Porque Dream Theater (DT) son verdaderamente los maestros de su oficio, siendo ese oficio el reino del heavy metal. DT son, para mí, sin duda, la coalición más talentosa de músicos de metal en la Tierra. El tecnicismo de su marca de metal progresivo, combinado con la complejidad de sus canciones y la extraña voz de James LaBrie hacen una contribución al heavy metal de la que Estados Unidos realmente puede estar orgulloso.

Aunque han hecho algunos cambios en los teclados a lo largo del año, los cuatro miembros restantes de la banda se han desempeñado de manera excelente y han cautivado al público con su enfoque verdaderamente magistral hacia el metal, todo comenzando con este álbum, Images and Words.

Aunque Images es el segundo álbum de DT, fue la primera vez que realmente podías sentir la emoción y las verdaderas capacidades de esta banda. Las canciones son mucho más largas y complejas que su oferta anterior, produciendo muchos de los clásicos de DT que todos conocemos y amamos hoy. El reemplazo de Charles Dominici, el cantante de su primer álbum When Dream And Day Unite, resultó ser una de las mejores decisiones que ha tomado DT. En cuanto a la edad, no ha encajado bien en la banda, ya que era unos diez años mayor que sus jóvenes compañeros de banda. Sin embargo, me ha gustado su voz, especialmente su increíble interpretación en "The Killing Hand". James LaBrie hizo su debut en este álbum, y la emoción y la habilidad que pone en las canciones de este álbum es un factor clave que realmente catapultó a este álbum y a DT en general a la grandeza.

Por supuesto, las asombrosas capacidades del guitarrista John Petrucci, el baterista Mike Portnoy, el bajista John Myung y el teclista (en ese momento) Kevin Moore no son nada de lo que burlarse. Musicalmente, estos muchachos no tienen paralelo en el metal ni en ningún otro género musical. Los álbumes de Dream Theater, en lo que respecta a la habilidad y la complejidad, a menudo están muy por encima del resto. Es por eso que casi cualquier álbum que venga de estos muchachos se convertirá en un clásico instantáneo del metal, pero Images and Words es el álbum que se les presentó a todos, y aún se mantiene bastante alto en comparación con el resto de sus trabajos en la actualidad.

La canción de apertura, "Pull Me Under", es para mí la canción por excelencia de Dream Theater, también fue la canción que me presentó por primera vez a la banda. Lo que surge de esta pista es una combinación de 8 minutos de riffs pesados, melodías geniales, sonidos relajantes, teclados complejos y trabajo de guitarra y una composición de canciones simplemente increíble. Mis palabras no pueden hacer justicia a esta o muchas otras canciones de DT, pero haré lo mejor que pueda. Esta canción muy probablemente sería la versión de DT de “Run to the Hills” o “Master of Puppets”, la canción que todos conocen o deberían conocer y amar. Tiene un estribillo pegadizo y memorable dentro de una agradable composición de tiempo lento a medio que nunca se vuelve demasiado pesado, pero no se detiene en ningún momento. Es el mejor ejemplo de cómo hacer una canción que pueda atraer a todos los fanáticos del metal, desde el fanático del death metal más incondicional hasta el adolescente del metal que abraza a Slipknot, esta es una canción que cualquier metalero puede escuchar y al final decir "Eso estuvo bastante bien". Sueño con el día en que pueda ver a DT tocar esto en vivo.

Luego, el estado de ánimo cambia por completo al entrar en “Another Day”. Del metal progresivo a lo que podría considerarse casi adulto-contemporáneo. Fue un movimiento audaz de DT poner esto como la segunda pista, pero es un buen ejemplo de la gama de música que esta banda puede interpretar. Al principio no me gustó, pero me encontré cantando después de algunas escuchas. Los solos de saxofón y los teclados tranquilos y malhumorados junto con un sonido suave y silencioso no suelen ser marcas registradas de bandas de metal, pero DT logra salir de esta pista con un sonido genial. Simplemente demuestra que tu banda es bastante talentosa si pueden salir de algún tipo de pista de "prog-metal conoce a Kenny G" con la cabeza en alto.

Otra pista larga, compleja e indescriptiblemente hermosa surge de “Take The Time”. Comienza con un ritmo contundente, guitarra y teclados ominosos, pero luego se convierte en un solo de teclado de alto vuelo y en una melodía lenta y jazzística... y eso es solo los primeros 60 segundos, y quedan 7 y medio más. Son canciones como esta las que hacen que DT sea difícil de revisar, hay tantos componentes e influencias en la música que es difícil decir "Esta canción suena así". Esta canción es jazz, blues, pop, épica y metal al mismo tiempo, pegadiza pero complicada, esa es la esencia de esta canción. Confía en mí, solo tómate el tiempo de escuchar "Take the Time" varias veces para comprender realmente todo lo que hay en este, es muy posible que sea uno de los g de todos los tiempos de DT. mejores logros técnicos.

“Surrounded” es la siguiente pista, y aunque no es tan larga como algunas de las otras pistas del álbum, no es menos hermosa o compleja. Comienza solo con la voz encantadora de LaBrie y un buen popurrí de piano antes de estallar en otra pista suave y jazzística. Demuestra que no necesitas ser la banda más pesada o más enojada de la Tierra para producir música rock de calidad. Es una especie de balada feliz y amapola, pero aún conserva un toque DT. No suena como metal, pero aun así suena lo suficientemente bien como para satisfacer a alguien que puede ser un fanático del metal. “Rodeado” de todas las bondades del DT.

A continuación, un verdadero clásico de Dream Theater y un logro del metal de todos los tiempos llega a tus oídos. Si no considera que esta próxima canción sea un clásico, rompa su "Tarjeta de fanático de la música" ahora mismo, porque simplemente no pertenece a un grupo de personas conocidas como entusiastas de la música. Esa canción es, por supuesto, “Metropolis Pt. 1 – El Milagro y el Durmiente”. Es un viaje a través de una pieza de excelencia de metal obviamente influenciada por la música clásica. Desde su trabajo de riffs pesados ​​hasta percusión compleja, letras emocionales y abundancia de cambios de tiempo y estado de ánimo, es una pista que Dream Theater puede recordar hace doce años y estar orgullosa. Tiene algunos de los altibajos más altos del metal y el metal más tranquilo que puede obtener y aún mantiene la atención de sus oyentes durante toda la pista. Las partes instrumentales de la canción son fantásticas, los solos no tienen paralelo y, una vez más, mis palabras no pueden hacer justicia a esta canción. Solo escúchalo, no serán 9 minutos perdidos, créeme.

El álbum no pierde fuerza al entrar en "Under A Glass Moon", que, aunque no es tan compleja como algunas de las otras canciones de este álbum, probablemente sea mi canción favorita de este álbum, si no una de mis canciones favoritas de DT. de todos los tiempos. Lo que comienza como una hermosa combinación de guitarra y teclados pronto se convierte en una increíble combinación de pesadez y sonidos relajantes. También es una de las pistas donde realmente puedes escuchar la pasión y la emoción en la voz de James LaBrie, y es algo que realmente me llega. Definitivamente es belleza extraída de la agresión, que es algo que me encanta escuchar en la música. Sin mencionar que tiene a John Petrucci haciendo lo que probablemente sea uno de mis solos de guitarra favoritos en CUALQUIER canción. Es una canción que tiene el mismo poder y emoción durante 7 minutos, sin detenerse ni una sola vez y, con toda honestidad, creo que podría haber sido más larga. ¡Hay demasiados elementos geniales en esta canción para exprimirlos en 7 cortos minutos!

“Wait for Sleep” es una especie de descanso para recuperar el aliento después de las dos pistas anteriores. No es más que un inquietante trabajo de teclado, que te brinda hermosas imágenes, como una fría noche de invierno. La voz relajante de LaBrie complementa perfectamente el piano, solo una pista corta y tranquila en la que puedes sentarte y relajarte y recuperar la compostura antes del final de este álbum.

Me tomó un tiempo brillar hasta "Learning to Live". Es una pista larga y sinuosa que no es un problema para la mayoría de las canciones de DT, pero me tomó un tiempo acostumbrarme. Suena muy diferente a cualquier otra cosa en el álbum, lo cual no es inusual porque nada más en el álbum suena como otro, pero esta canción sonaba particularmente "allá afuera". Tiene casi una especie de cualidad espacial, algo que no es muy fácil de escuchar y apreciar de inmediato. Si bien la mayoría de las epopeyas largas de DT están muy cargadas y son una combinación de sonidos más pesados, esta canción en su mayor parte es mucho más sutil, con un sonido mucho más parecido a una balada que sus otras pistas épicas. Creo que es por eso que me tomó un tiempo acostumbrarme a esta canción, pero ahora aprecio profundamente la habilidad que se necesitó para hacer esta canción y las agallas que se necesitan para grabar algo como esto y ponerlo en un álbum. Al final, puede tomar algunas veces "captar" esta pista, pero una vez que te acostumbres, te encontrarás saltando hacia adelante. No es la canción más pesada o memorable que hayan hecho, pero es otra de la que DT puede estar orgulloso.

Images and Words to me es el disco por excelencia de Dream Theater y el mejor para adentrarse en ellos. Tiene canciones de todas las longitudes y estilos, desde el breve "Wait for Sleep" solo para piano hasta la obra maestra épica y enérgica de "Metropolis". Este álbum es un excelente ejemplo de por qué DT es un éxito y amado por tantos. mundo entero Este álbum es especialmente suave para los estándares de Dream Theater y probablemente atraerá más a la generación de la posguerra que creció con bandas como Yes, Be Bop Deluxe, King Crimson, etc. a los que les gusta Dream Theater y están muy familiarizados con ellos. Considero que es mi deber correr la voz sobre Dream Theater y el metal progresivo, actualmente mi estilo/tipo de música favorito.

1. Pull Me Under (8:14)

2. Another Day (4:23)

3. Take the Time (8:21)

4. Surrounded (5:30)

5. Metropolis - Part I "The Miracle and the Sleeper" (9:32)

6. Under a Glass Moon (7:03)

7. Wait for Sleep (2:31)

8. Learning to Live (11:30)

- James LaBrie / lead & backing vocals

- John Petruci / guitars

- Kevin Moore / keyboards

- John Myung / bass

- Mike Portnoy / drums, percussion

With:

- Jay Beckenstein / soprano saxophone (2)

ENLACES

https://drive.google.com/file/d/1CH4zomVoQR1umHsvm3n9zprkhdB_WNU-/view?usp=sharing