“No vamos en círculos, vamos hacia arriba. El camino es una espiral; ya hemos subido muchos escalones ”. - Hermann Hesse, Siddhartha
1972 se destaca como uno de los años clave en la larga historia de YES. En poco más de nueve meses la banda consolidó su creciente popularidad y éxito comercial a ambos lados del Atlántico, creó una de sus piezas más veneradas y perdurables y, en el proceso, se despidió de un miembro fundador. Incluso ante este revés, el innegable impulso que había comenzado a cobrar con The Yes Album (1970) y Fragile (1971) permitió a YES abrazar el cambio con entusiasmo. Después de la breve serie de conciertos de preparación europea de enero, en febrero YES se embarcó en una gira de 38 fechas por Estados Unidos, llevando la música a un público más grande y entusiasta que antes.
Esta afluencia de interés fue indudablemente favorecida por la presencia de Roundabout en la radio FM. Bill Bruford recuerda relajarse junto a la piscina de un hotel y escuchar la canción aproximadamente cada 45 minutos. Al regresar a Londres a fines de marzo, la banda se reunió nuevamente en el sótano de la Escuela de Danza Una Billings, Shepherd's Bush, Londres, reuniendo las ideas y los bocetos que habían surgido de las sesiones de escritura entre Jon Anderson y Steve Howe en los hoteles. pruebas de sonido y vestidores en todo Estados Unidos. "Sabíamos que íbamos a hacer una pieza larga, algo que ocuparía el lado de un álbum", recuerda Squire. "Heart Of The Sunrise realmente había sido la germinación de esa idea en la que había diferentes secciones con sabores contrastantes, todas trabajando juntas".
Jon Anderson nunca tuvo ninguna duda sobre la forma que tomaría esta nueva composición. A pesar de carecer de las habilidades técnicas para reproducir con precisión lo que veía y oía en su cabeza, las habilidades de Anderson como animador, que habían sido perfeccionadas por necesidad mientras guiaba SÍ, eran insuperables. “Siempre fui consciente de hacia dónde nos dirigíamos estructuralmente”, explica.
“Estaba escuchando mucha música clásica mientras estaba de gira y me gustó la quinta sinfonía de Sibelius. Tiene un primer movimiento muy salvaje, un segundo suave y el tercer movimiento es muy majestuoso. Pensé que la banda podría empezar a actuar con ese tipo de posicionamiento musical ".
Después de escuchar el recientemente lanzado Sonic Seasonings, un álbum doble de Wendy Carlos que consta de cuatro suites de lado largo, rebosantes de ambientes ambientales evocadores mejorados por Moog, Anderson discutió con Eddie Offord cómo podrían llegar a algo similar. “Quería crear esta sensación de energía o campo de fuerza antes de que comenzara la banda, y luego hacer que el grupo saliera de allí con una sección en solitario salvaje y loca, delirando como si no supiéramos adónde íbamos. Llegarías a un cierto punto y te detendrás en seco y entrará una cosa coral muy directa y luego la banda continuará de nuevo. La idea era muy simple ”.
Mientras Offord y Anderson miraban desde la sala de control, Howe dio vuelta en un temerario saltos de octavas de un solo que debe poco a las convenciones de la guitarra rock de la época. “No diría que fuimos influenciados directamente por la Orquesta Mahavishnu, pero todos estábamos llenos de admiración y respeto por ellos. Era ese lado del jazz de salida de las cosas que estábamos usando. Bill tiene raíces en el jazz y yo también. No queríamos tocar estándares de jazz, sino nuestra propia versión del rock y el jazz ".
The Solid Time Of Change se originó en parte en el pasado de Howe. “Sueles tener muchas ideas y bocetos que no necesariamente tienen un hogar, así que los incluyes. Jon y yo trabajamos así todo el tiempo como con una de mis canciones que tenía la línea 'cerca del borde, junto a un río ', que en realidad se refería al lugar donde vivía en ese momento, junto al río Támesis ".
Cuando Anderson escuchó la frase, el simbolismo del río se conectó de inmediato con metáforas dentro del Siddharta de Herman Hesse, que había estado leyendo en ese momento. “El río te lleva al océano, todos los caminos te llevan a lo divino. Así que la idea era que, como seres humanos, estamos cerca del límite, el límite de la realización, lo que sea que los demás quieran pensar ”, se ríe Anderson.
Otra canción de Howe anterior a las sesiones de ensayo y grabación se agregó a la mezcla. Mientras el guitarrista cantaba "con su encaje blanco", Anderson respondió con su propia melodía. “Empecé a cantar 'dos millones de personas apenas satisfacen'. Tenía la cabeza en el suelo sobre lo que estaba sucediendo en todo el mundo, el hambre en los países africanos, donde tanta gente vivía tan bien y tanta gente no. Me pongo alto y bajo en todo el concepto de vida. Me levanto, me bajo. Así que resultó que Steve y Chris cantaron eso mientras yo cantaba mi melodía sobre estos mismos acordes. Fue mágico más que nada porque ... bueno, simplemente sucedió ".
La apariencia catártica del órgano de la iglesia no es tan espontánea, aunque igualmente crucial, para I Get Up, I Get Down. Grabado en la iglesia de Londres, St. Giles Cripplegate, Wakeman recuerda que hubo grandes desafíos. “En aquel entonces, la tecnología no podía hacer lo que yo quería que hiciera. Así que fue una cuestión de grabar el órgano de la iglesia por separado y luego 'flotarlo' en la pista desde una cinta de un cuarto de pulgada, un proceso largo y muy complicado, pero que valió la pena ".
La construcción en el final de Seasons Of Man es un glorioso ejemplo de YES en su forma más cinematográfica y sigue siendo un momento favorito de "piel de gallina" en la pieza para la mayoría de los miembros de la banda. “Esa gran sección, escalando la montaña. Ese es ese lugar donde es como si estuviéramos escalando la montaña, llegas allí y te sientas y disfrutas de la vista ... mi cabeza daba vueltas cada vez que la escuchaba o la cantaba ”, dice Anderson.
“Cuando empezamos a hacer la gira, tuvimos que soltar esa sección final un tono completo a continuación, en F”, comenta Howe. "Hasta el día de hoy, creo que la forma en que Jon la cantó originalmente en el estudio en sol menor es simplemente increíble".
Si Anderson sabía a dónde iba todo con la cara uno del álbum, estaba menos seguro cuando se trataba de la segunda cara. "With And You And I había escrito esta canción muy simple, pero llegamos a un cierto punto en el que dije que teníamos que crear un tema, de alguna manera tenía que hacerse más grande".
Rick Wakeman
Aunque hubo contribuciones de toda la banda, las habilidades de Wakeman como arreglista y arreglador musical fueron cruciales para el desarrollo de la pista.
“Rick era todo lo que querías. Él tenía experiencia en el estudio, así que sabía cuándo hablar y cuándo no hablar, ¡a diferencia de mí! " recuerda Bruford. “Si tenías un problema, acudías a Rick. Dirías que tengo esta cosa y va muy bien, pero no encaja con esta cosa de aquí, lo cual también es bueno y nos gustaría usarlo, pero cuando golpeamos los dos juntos no trabajo. Rick daría la modulación armónica necesaria para hacer eso. Él suavizaba las uniones para que no lo vieras, solo a la persona que necesitabas ".
Wakeman está de acuerdo. "Realmente disfruté haciendo este tipo de cosas y siempre sentí que esta era mi mayor contribución a YES de muchas maneras".
Mientras And You And I exploró el lado magistral del sonido de la banda, Siberian Khatru rehizo y remodeló la canción arquetípica del rock impulsor, dotándola de florituras brillantes y típicamente idiosincrásicas. Desde su apertura irregular de acordes mutantes, el riff de guitarra cíclico compuesto por Bruford, el tema principal impulsado por el Mellotron, las firmas de tiempo cambiantes, los arreglos ornamentados y las letras visionarias, sus nueve minutos están llenos de sorpresas, una de las cuales es la ecléctica fiebre. del solo de clavecín de Wakeman.
“El difunto Thomas Goff construyó los mejores clavecines y vino a Advision para supervisar la configuración de su instrumento, incluso instruyendo a Eddie Offord sobre la mejor manera de grabarlo y grabarlo. Siempre sentí que el hecho de que un instrumento fuera etiquetado como un instrumento que realiza un trabajo y un tipo de música en particular, no significa que no puedas pensar fuera de la caja. Lo que fue genial fue que el resto de la banda sintió lo mismo. Las reglas están para romperlas ".
Justo después de siete minutos, mientras el latido del corazón palpita, la pista se convierte en el equivalente musical de mirar en la parte trasera de un reloj con el mecanismo interno expuesto; engranajes y ruedas perfectamente sincronizados, engrasados con energía e inteligencia. Cuando el tema principal vuelve a entrar, el bajo ascendente de Squire casi suena como una risa de celebración vertiginosa, como si apenas pudieran creer lo bueno que fue el momento. “Le robamos un poco a Stravinsky al tener ese retumbante staccato y al mismo tiempo lanzar esos acentos en la voz y la batería y
tenerme conduciendo a través de él con ese motivo de guitarra constante. Es un buen ejemplo de arreglos de alta tecnología alrededor de 1972 ”, dice Howe. Si quieres entender el rock progresivo, no necesitas buscar más.
“Cuando trabajo en las portadas, no pinto la música. Hablo con la banda y escucho de dónde vienen sus ideas y qué están tratando de lograr ”, dice Roger Dean, quien estuvo en Advision durante las sesiones de grabación. Inspirado por sus propias visitas a las Tierras Altas de Escocia y el Distrito de los Lagos en Inglaterra, el trabajo de Dean no solo encapsuló los entornos implícitos en la música y la letra, sino que, de hecho, creó un espacio en el que los oyentes podían proyectar sus propias historias e interpretaciones. “La portada de Close To The Edge surgió de querer pintar un mundo que era mágico, en miniatura e imposible pero totalmente creíble. Estaba pintando paisajes para que parecieran reales y, en el sentido más literal de la palabra, atractivos. Quería que te atrajera y que la gente quisiera imaginar cómo sería visitar ese lugar ".
Completo con su llamativa portada, Close To The Edge no solo elevó el juego de YES, animando a la banda a experimentos aún más audaces, sino también estableciendo el listón en un nivel más alto para otras bandas del día.
Lo que debería haber sido un momento de triunfo se vio socavado cuando Bruford anunció que se iba para unirse a King Crimson.
“Hizo que terminar el álbum fuera una experiencia agridulce. Que Bill se fuera a King Crimson siempre fue lo más extraño para mí en ese momento, especialmente porque lo estábamos haciendo tan bien. Realmente fue confuso. Por supuesto, terminamos con Alan White y él ha estado con nosotros desde entonces, así que no funcionó tan mal ", se ríe el bajista.
"No tenía ni idea de que quería irse hasta el último día cuando dejó caer su bomba", admite Wakeman. "Siempre respeté a Bill por su decisión, que se basó puramente en la música, pero estaba muy molesto en ese momento".
41 años después de su lanzamiento, hay un entusiasmo y afecto unánimes entre los jugadores por Close To The Edge.
“Hay mucha buena música en ese álbum, buenos arreglos, buenas melodías. Fuimos pioneros en algo y lo logramos ”, dice Squire.
“Su impacto fue inmenso. Dio forma a la "música de YES durante mucho tiempo", comenta Wakeman. "No estábamos tratando de ser complejos, pero la complejidad de nuestras partes produjo una música que era bastante única", observa Howe.
“Aún es un disco que me encanta escuchar”, dice Bruford, “y me anima sin fin. Una obra maestra."
Anderson lo resume como un buen ejemplo de que YES se mantiene fiel a su visión artística colectiva / compartida. “No tenía nada que ver con la radio, nada que ver con el rock'n'roll, nada que ver con el negocio, nada que ver con las discográficas. Tenía todo que ver con la música. Cuando escucho a Chris, Bill, Rick y Steve actuar y a mí cantar, es una de esas piezas en las que simplemente agradezcas a los dioses que pudiste estar en ese lugar en ese momento para poder ser parte de esa experiencia ".
Sid Smith
Agosto de 2013, Whitley Bay
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